영화 라라랜드의 기획은 감독 데이미언 셔젤이 2010년 초반부터 구상한 아이디어에서 시작되었다. 그는 현대 로스앤젤레스를 배경으로 한 고전적 스타일의 뮤지컬 영화를 만들고자 했다. 이 아이디어는 그가 2014년 영화 위플래시로 성공을 거둔 후 본격적으로 구체화되기 시작했다.

제작은 서밋 엔터테인먼트와 블랙 라벨 미디어가 맡았으며, 상당한 예산이 투입되었다. 영화의 개발 과정에서 가장 중요한 요소 중 하나는 음악과 춤을 통한 내러티브 전달이었다. 셔젤 감독은 작곡가 저스틴 허위츠와 오랜 협업 관계를 유지하며, 영화의 핵심이 될 여러 곡을 사전에 작곡하고 녹음했다. 이 음악들을 바탕으로 안무가 맨디 무어가 춤 동작을 창작했으며, 주요 배우들은 촬영 전 약 3개월간 집중적인 음악과 춤 훈련을 받았다[3].

캐스팅은 영화의 성공에 있어 결정적이었다. 주인공 세바스찬 와일더 역에는 처음부터 라이언 고슬링이, 미아 돌란 역에는 엠마 스톤이 유일한 후보로 고려되었다. 두 배우는 데이미언 셔젤의 전작인 크레이지, 스투피드, 러브에서 호흡을 맞춘 바 있어 신뢰도가 높았다. 주요 촬영은 2015년 8월부터 로스앤젤레스에서 시작되어 약 2개월간 진행되었다. 영화는 여러 상징적인 로케이션에서 촬영되었으며, 특히 그리피스 천문대의 황혼 장면과 고속도로의 오프닝 뮤지컬 넘버는 세트 없이 실제 장소에서 단숨에 찍어내는 등 전통적인 방식을 고수했다.

데미언 셔젤 감독과 키아고 차젤리 작가는 라라랜드를 통해 고전 할리우드 뮤지컬의 정신을 현대적으로 재해석하고자 했다. 그들은 현실적인 로맨스 드라마와 환상적인 뮤지컬 요소를 결합하여, 예술적 꿈을 좇는 젊은이들의 기쁨과 고통, 그리고 그 과정에서 발생하는 선택과 타협을 탐구하는 데 중점을 두었다. 영화는 꿈을 이루기 위한 열정이 관계에 미치는 복잡한 영향을 주요 주제로 삼았다.

감독은 이 작품이 단순한 오락을 넘어, 관객에게 감정적 울림과 예술에 대한 사랑을 전달하는 매체가 되기를 원했다. 특히 즉흥적인 노래와 춤 시퀀스를 통해 캐릭터의 내면 감정을 시각화하고, 로스앤젤레스라는 도시 자체를 하나의 캐릭터이자 꿈의 상징으로 표현하려 했다. 영화의 제목 '라라랜드'는 현실 도피를 의미하는 속어이자, 동시에 LA(Los Angeles)를 은유적으로 지칭하는 말로, 이중적인 의미를 담고 있다.

작가는 시나리오를 쓰며 현대 관객이 공감할 수 있는 진정한 이야기를 전달하는 데 주력했다. 화려한 뮤지컬 넘버 뒤에는 실패에 대한 두려움, 불확실한 미래, 사랑과 야망 사이의 갈등과 같은 보편적인 정서가 자리 잡고 있다. 감독과 작가는 이러한 요소들이 결합되어, 아름답지만 때로는 씁쓸한 성인식을 담은 현대적 동화를 완성했다고 평가한다.

미아 돌란은 할리우드의 영화 스튜디오에서 아르바이트로 커피를 서빙하며 오디션을 보지만 계속 실패한다. 세바스찬 와일더는 전통 재즈를 고수하는 피아니스트로, 클럽에서 자신의 음악을 연주하려 하지만 생계를 위해 다른 공연을 하게 된다. 두 사람은 교통 체증이 심한 로스앤젤레스의 고속도로에서 처음 마주치고, 이후 우연히 세바스찬이 연주하는 파티에서 재회한다.

미아는 세바스찬의 열정에 끌려 함께 시간을 보내기 시작한다. 세바스찬은 미아에게 재즈의 매력을 알려주고, 미아는 세바스찬에게 자신이 쓰던 단막극 대본을 보여준다. 서로의 꿈을 응원하며 관계는 깊어지고, 그들은 그리피스 천문대에서 춤을 추며 사랑에 빠진다. 세바스찬은 미아의 권유로 안정적인 수입을 위해 친구의 팝 밴드에 합류해 투어를 떠나지만, 점점 자신의 예술적 이상과 멀어지게 된다.

이러한 갈등은 미아가 자신이 직접 집필하고 주연을 맡은 단막극 공연 날에 절정에 이른다. 세바스찬은 중요한 사진 촬영에 끌려가 공연에 제때 도착하지 못하고, 관객도 거의 없는 채로 공연은 실패로 끝난다. 실망한 미아는 고향인 네바다주 보울더 시티로 떠나려 한다. 세바스찬은 미아를 찾아가 그녀에게 마지막 오디션 기회가 있음을 알리고, 그녀를 설득해 다시 로스앤젤레스로 돌아오게 한다.

미아는 그 오디션에서 성공적으로 합격하며 배우의 길을 열게 된다. 두 사람은 미아의 꿈을 위해 파리로 가야 한다는 사실을 인정하고, 서로의 미래를 축복하며 이별한다.

라라랜드의 결말은 영화의 가장 논쟁적이면서도 감동적인 부분으로 꼽힌다. 미아와 세바스찬이 각자의 꿈을 이루고 5년 후 우연히 재회하는 장면은, 현실과 이상, 사랑과 성공 사이의 갈등을 시각적으로 압축해 보여준다.

세바스찬의 재즈 클럽 '차일드'에 들어선 미아는 남편과 함께 공연을 관람한다. 세바스찬이 피아노 앞에 앉아 그들의 테마 곡인 City of Stars의 첫 음을 연주하자, 영화는 화려한 몽타주 시퀀스로 전환된다. 이 순간은 '만약'의 세계를 보여주는 가상의 연속 장면으로, 두 사람이 처음 만난 그날 밤 모든 것이 완벽하게 흘러갔더라면 어떻게 되었을지를 재구성한다. 그들은 함께 파리에 가고, 결혼하여 아이를 가지며, 행복한 가정을 꾸리는 모습이 빠르게 스쳐 지나간다. 이 환상은 관객에게 두 주인공이 잃어버린 가능성에 대한 강렬한 아쉬움을 느끼게 한다.

그러나 환상은 세바스찬의 마지막 피아노 음과 함께 끝나고, 영화는 다시 현재의 침묵으로 돌아온다. 공연이 끝난 후, 미아는 세바스찬과 눈을 마주치고, 미소를 나누며 클럽을 떠난다. 이 마지막 교감은 과거에 대한 미련이나 후회보다는, 서로의 인생에서 중요한 역할을 했음을 인정하고 축복하는 담담한 작별의 인사로 해석된다. 그들의 사랑은 영원히 지속되지는 않았지만, 서로가 꿈을 이루는 데 결정적인 추진력이 되었고, 그 결과 서로를 바꾸어 놓았다.

결말은 전통적인 할리우드 뮤지컬의 해피엔딩을 거부하며, 현실적인 성취와 낭만적 사랑이 반드시 동시에 이루어지지 않을 수 있음을 보여준다. 감독 데이미언 셔젤은 이 결말을 통해 '꿈'이라는 영화의 중심 주제를 이중적으로 해석하게 한다. 한편으로는 배우와 재즈 뮤지션이라는 직업적 꿈을 이루었지만, 다른 한편으로는 둘이 함께하는 삶이라는 또 다른 꿈은 포기해야 했다. 이로 인해 관객은 성공의 달콤함과 함께 상실의 쓴맛을 동시에 맛보게 되며, 영화가 전하는 감정의 깊이와 복잡성을 더욱 깊이 있게 체험하게 된다.

엠마 스톤이 연기한 미아 돌란은 로스앤젤레스에서 커피숍 바리스타로 일하며 배우가 되기 위해 오디션을 보는 꿈을 꾸는 젊은 여성이다. 그녀는 할리우드 스튜디오의 카페테리아에서 일하며, 성공적인 배우가 되기 위한 꿈과 현실의 꼴찌팀에서 벗어나지 못하는 좌절 사이에서 고군분투한다.

그녀의 인생은 우연히 재즈 피아니스트 세바스찬 와일더를 만나면서 변화하기 시작한다. 세바스찬은 그녀에게 예술가로서의 열정과 진정성을 일깨워주는 동시에, 그녀 자신의 재능과 꿈에 대한 확신을 갖도록 격려한다. 미아는 결국 단편극을 직접 쓰고 제작하여 공연하는 결심을 하게 되는데, 이는 그녀의 예술적 성장을 상징하는 중요한 전환점이 된다.

미아 돌란의 캐릭터는 현대적인 뮤지컬의 주인공으로서, 전통적인 뮤지컬의 낙관적인 에너지와 21세기 밀레니얼 세대가 직면한 경제적 불안정과 경쟁적인 직업 환경이라는 현실을 결합한다. 그녀의 여정은 실패와 거절을 반복적으로 경험하지만, 궁극적으로는 자신의 목소리를 찾고 진정한 예술적 표현을 추구함으로써 성취를 이루는 과정을 보여준다.

이 역할로 엠마 스톤은 제89회 아카데미 시상식에서 여우주연상을 수상했다.

세바스찬 와일더는 라이언 고슬링이 연기한 영화의 남자 주인공이다. 그는 전통적인 재즈를 고집하는 피아니스트로, 고전 재즈 클럽을 운영하는 꿈을 품고 있다. 그러나 현실에서는 레스토랑에서 반복적인 연주를 하거나, 퓨전 재즈 밴드에 참여하는 등 자신의 예술적 이상과 타협해야 하는 상황에 직면한다.

그의 성격은 냉소적이고 완고한 면이 있지만, 음악에 대한 열정은 진실하다. 그는 상업적 성공보다는 순수한 예술을 추구하며, 재즈의 역사와 정수를 깊이 이해하고 있다. 미아를 처음 만났을 때 그녀가 재즈를 싫어한다고 말하자, 열정적으로 재즈의 중요성과 아름다움을 설명하는 모습에서 그의 신념을 엿볼 수 있다.

그의 인생은 미아를 만나면서 변화하기 시작한다. 그는 안정적인 수입을 위해 자신의 음악적 신념과 맞지 않는 퓨전 재즈 밴드에 합류하게 되고, 점점 더 상업적인 길로 빠져든다. 이는 그와 미아의 관계에 균열을 가져오는 주요 원인이 된다. 결국 그는 미아의 오디션을 독려하기 위해 모든 것을 뒤로 하고 그녀를 찾아가며, 진정한 사랑의 의미를 보여준다. 영화의 끝에서, 그는 자신의 꿈이었던 '세바스찬'이라는 이름의 재즈 클럽을 성공적으로 운영하는 모습으로 등장한다.

영화의 사운드트랙은 저스틴 허위츠가 작곡하고, 가사는 벤지 파섹과 저스틴 허위츠가 공동으로 작업했다. 주요 곡들은 영화의 서사와 등장인물의 감정을 직접적으로 표현하며, 전통적인 할리우드 뮤지컬의 정신을 현대적으로 재해석한 것으로 평가받는다.

사운드트랙 앨범에는 영화에 등장하는 오케스트라 연주곡과 보컬 넘버가 모두 수록되어 있다. 대표적인 트랙은 다음과 같다.

'City of Stars'는 영화의 대표 주제곡으로, 아카데미 시상식에서 최우수 주제가상을 수상했다. 'Audition (The Fools Who Dream)'은 엠마 스톤이 연기한 미아의 캐릭터와 꿈을 향한 열정을 압축적으로 보여주는 곡이다. 사운드트랙은 전 세계적으로 상업적 성공을 거두었으며, 미국 빌보드 200 차트와 영국 앨범 차트에서 정상을 기록했다[5].

저스틴 허위츠는 라라랜드의 음악을 작곡하고, 영화에 등장하는 대부분의 노래를 작곡했다. 그는 감독 데이미언 셔젤과 오랜 협업 관계를 유지해왔으며, 이 영화는 그들의 세 번째 장편 영화 협업이었다[6]]》와 두 번째 작품 《위플래시》의 음악도 담당]. 허위츠는 영화의 서정적이고 감성적인 분위기를 음악으로 구현하는 동시에, 클래식 할리우드 뮤지컬의 화려함과 현대적인 재즈 감성을 결합하는 데 중점을 뒀다.

그는 영화의 주제와 등장인물의 감정을 음악으로 직접 표현하기 위해, 주요 멜로디와 동기를 체계적으로 활용했다. 예를 들어, 주인공들의 사랑을 상징하는 시티 오브 스타 멜로디는 영화 전반에 변주되어 등장하며, 두 주인공의 개인적인 열정을 나타내는 미아의 테마와 세바스찬의 테마는 각각의 음악적 색채를 띠고 있다. 허위츠는 특히 피아노와 트럼펫, 현악기를 중심으로 한 편성으로, 재즈의 즉흥성과 뮤지컬의 서사성을 조화롭게 녹여냈다.

이 영화의 사운드트랙 작업을 위해 허위츠는 주연 배우인 라이언 고슬링과 엠마 스톤이 직접 노래를 부르고 연기할 수 있는 키에 맞춰 곡을 작곡했다. 그는 배우들의 보컬 한계를 넘어서지 않으면서도 캐릭터의 진정성을 전달할 수 있는 멜로디 라인을 설계했다. 그 결과, 〈오디션 (The Fools Who Dream)〉과 같은 곡은 배우의 연기와 음악이 완벽하게 결합된 순간을 만들어냈다.

저스틴 허위츠는 《라라랜드》의 음악으로 아카데미 시상식에서 최우수 음악상과 최우수 주제가상을 수상하는 등 크게 주목받았다. 그의 작업은 영화 뮤지컬 장르에 대한 현대적 접근을 보여주는 사례로 평가받는다.

뮤지컬 영화의 전통을 계승하면서도 동시에 현대적인 감성과 리얼리즘을 접목한 것이 《라라랜드》의 가장 큰 특징이다. 고전적인 할리우드 뮤지컬의 화려한 무대와 즉흥적인 노래·춤 연출 방식을 차용하지만, 그 안에 현대 로스앤젤레스를 배경으로 한 젊은 예술가들의 고민과 실패, 현실적인 사랑 이야기를 담아냈다. 이로 인해 영화는 단순한 환상이나 탈출이 아닌, 꿈과 현실 사이에서의 갈등을 진지하게 조명하는 매개체가 되었다.

영화는 관습적인 내러티브 흐름을 깨고, 등장인물의 감정이 고조되는 순간 자연스럽게 뮤지컬 넘버로 전환한다. 예를 들어, 미아와 세바스찬의 첫 만남은 교통 정체 속에서 벌어지는 뮤지컬 넘버 'Another Day of Sun'으로 시작하며, 이는 일상의 좌절감을 집단적인 춤과 노래로 승화시키는 방식을 보여준다. 특히 그리피스 천문대의 '라라랜드' 시퀀스는 중력에서 해방된 듯한 춤과 CGI를 활용하여 두 주인공의 사랑이 꿈처럼 펼쳐지는 순간을 시각화했는데, 이는 고전 뮤지컬의 환상성과 현대 영화 기술의 결합을 보여주는 대표적 사례이다.

또한, 영화의 음악과 춤은 캐릭터의 내면 심리나 관계의 발전을 직접적으로 드러내는 서사 도구로 기능한다. 'City of Stars'는 세바스찬의 고독한 희망을, 'Audition (The Fools Who Dream)'은 미아의 예술적 열정과 두려움을 대변한다. 이처럼 노래가 단순한 삽입곡이 아닌 캐릭터의 목소리가 된다는 점에서 현대적 해석의 정수를 보여준다. 전통적인 백스테이지 뮤지컬의 구조를 따르면서도, 결말에서 보여주는 현실과 이상의 괴리감은 관객에게 더욱 깊은 여운과 공감을 남겼다.

영화의 시각적 스타일은 감독 데이미언 셔젤과 촬영감독 리누스 산드그렌의 긴밀한 협업을 통해 구축되었다. 그들은 클래식 할리우드 뮤지컬의 화려함과 현대적인 미학을 결합하고자 했다. 특히 와이드스크린(시네마스코프) 포맷을 사용하여 무대 같은 화면을 구성하고, 춤과 음악이 흐르는 장면에서 유동적인 카메라 움직임을 선보인다. 카메라는 종종 등장인물과 함께 움직이며, 특히 그리피스 천문대의 '행성arium' 씨퀀스와 고속도로 춤 장면에서 확장된 롱 테이크 기법을 통해 몰입감을 극대화한다.

색채는 영화의 서사와 감정을 드러내는 핵심적 요소로 기능한다. 주요 색상 팔레트는 미아 돌란과 세바스찬 와일더의 관계와 그들의 꿈을 상징한다. 미아의 세계는 초반에 차가운 파란색과 회색 톤으로 표현되지만, 세바스찬과의 만남 이후 점차 따뜻한 색조로 변모한다. 두 사람의 로맨스와 예술적 열정이 고조될 때는 화려한 빨강, 노랑, 보라색이 강조된다. 반면, 현실의 어려움이 다가오거나 갈등이 생길 때는 색채가 다시 차갑고 어두워지는 대비를 보인다.

특정 장소와 시간대도 고유한 색채로 구분된다. 미아가 근무하는 카페는 평범한 현실을 나타내는 베이지 톤이며, 세바스찬이 연주하는 재즈 클럽은 따뜻한 호박색 조명으로 감싸인다. 가장 환상적인 순간들, 예를 들어 별빛 아래 춤추는 장면이나 가상의 엔딩 시퀀스에서는 포화된 원색과 네온 빛이 사용되어 꿈과 현실의 경계를 흐리게 만든다. 이 같은 색채 사용은 단순한 장식이 아니라 등장인물의 내면 상태와 영화의 주제를 시각적으로 직접 전달하는 서사 도구이다.

2017년 제89회 아카데미상에서 라라랜드는 총 14개 부문에 후보로 지명되어 타이타닉과 이브의 모든 것과 함께 역대 최다 후보 기록을 세웠다. 영화는 작품상, 감독상, 여우주연상, 남우주연상, 각본상, 촬영상, 음악상, 음향효과상, 미술상, 의상상, 분장상, 편집상, 주제가상 등 주요 부문을 망라했다.

시상식에서 영화는 6개 부문을 수상했다. 수상 내역은 다음과 같다.

하지만 가장 주목받은 작품상 시상식에서 뜻밖의 해프닝이 발생했다. 시상자 워런 비티와 페이 더너웨이가 잘못된 봉투를 건네받는 바람에, 잠시 달빛이 아닌 라라랜드가 작품상 수상자로 발표되는 사고가 일어났다. 라라랜드 제작진이 수상 소감을 말하는 도중 오류가 정정되었고, 이 장면은 아카데미 시상식 역사상 가장 유명한 순간 중 하나로 기록되었다[9].

영화는 대체로 긍정적인 평가를 받았으며, 특히 감독의 연출력과 음악, 두 주연 배우의 연기력이 높이 평가되었다. 평론가들은 댐리언 셔젤 감독이 고전 할리우드 뮤지컬의 정신을 현대적으로 재해석한 점을 칭찬했다. 영화의 낙관적이면서도 현실적인 결말은 논란을 불러일으키기도 했으나, 많은 평론가에게서 깊이 있는 선택으로 받아들여졌다. 촬영 기법과 화려한 색채 사용은 시각적 향연으로 일컬어졌다.

관객 반응도 매우 호의적이었으며, 특히 젊은 층에서 큰 공감대를 형성했다. 꿈과 현실, 사랑과 성공 사이의 갈등을 그린 이야기가 전 세계 관객의 공감을 불러일으켰다. 영화의 사운드트랙, 특히 〈City of Stars〉와 〈Audition (The Fools Who Dream)〉은 음원 차트 상위권을 차지하며 대중적인 인기를 얻었다. 영화는 예산 대비 높은 흥행 수익을 거두며 상업적 성공을 거두었다.

주요 평론 매체의 평가는 다음과 같다.

일부 비판은 전통적 뮤지컬에 비해 춤 실력이 부족하다는 지적이나, 이야기 구조가 다소 예측 가능하다는 의견에 집중되었다. 그러나 이러한 비판은 전체적인 찬사 속에서 소수에 불과했다. 영화는 예술성과 대중성을 동시에 성공적으로 결합한 사례로 평가받으며, 2010년대를 대표하는 뮤지컬 영화로 자리매김했다.