Steely Dan

월터 베커와 도널드 페이건은 1967년 뉴욕의 바드 대학교에서 만나 즉시 음악적 파트너십을 형성했다. 두 사람은 대학 밴드에서 함께 연주하며 작곡 실력을 쌓았고, 졸업 후 로스앤젤레스로 이주해 다른 음악가들의 세션 작업에 참여했다. 1972년, 그들은 게리 카츠의 프로듀싱과 ABC 레코드의 지원 아래 스틸리 댄이라는 밴드 이름으로 정식 데뷔했다.

첫 앨범 《Can't Buy a Thrill》(1972)은 팝적인 멜로디와 정교한 재즈 감성이 결합된 독특한 사운드로 주목을 받았다. 싱글 "Do It Again"과 "Reelin' In the Years"가 차트에서 성공을 거두며 밴드의 입지를 확고히 했다. 이 시기에는 데이비드 파머가 리드 보컬을 맡기도 했으나, 얼마 지나지 않아 페이건이 주 보컬리스트로 자리잡았다.

이후 《Pretzel Logic》(1974), 《Katy Lied》(1975), 《The Royal Scam》(1976)을 발표하며 스튜디오에서의 완벽주의와 정밀한 편곡으로 명성을 쌓아 나갔다. 그들은 투어보다는 스튜디오 작업을 선호했으며, 각 분야의 최고 수준의 세션 음악가들을 기용해 앨범을 제작하는 방식을 고수했다. 이 방식의 정점이 1977년 발매된 《Aja》로, 이 앨범은 복잡한 재즈 록 구성과 뛰어난 음반 제작으로 비평적, 상업적 성공을 모두 거두었다[2].

1980년 《Gaucho》 앨범 작업은 법적 분쟁과 베커의 개인적 문제로 인해 어려움을 겪었지만, 결국 발매되어 그래미 상을 수상하는 등 호평을 받았다. 그러나 이 앨범을 마지막으로 스틸리 댄은 1981년 공식적으로 해체 상태에 들어갔다.

1981년 스틸리 댄은 가우초 투어를 끝으로 사실상 해체 상태에 들어갔다. 공식적인 해체 발표는 없었으나, 월터 베커와 도널드 페이건은 각자의 솔로 활동에 집중하기로 결정했다. 이 시기 두 멤버는 마약 중독 및 개인적 문제로 인해 관계도 소원해졌다.

도널드 페이건은 1982년 첫 솔로 앨범 《The Nightfly》를 발매했다. 이 앨범은 1950년대와 1960년대 초반의 낙관적 분위기를 그리워하는 콘셉트를 담았으며, 스틸리 댄 시절의 정교한 재즈 록 사운드를 이어받아 호평을 받았다. 페이건은 이 앨범으로 그래미 어워드 후보에 여러 차례 지명되었다. 한편 월터 베커는 하와이로 이주하여 음반 제작 및 엔지니어링 작업에 참여했고, 가끔 다른 아티스트의 앨범에 세션 음악가로 출연했다.

1980년대 후반에 이르러 두 사람은 점차 협업을 재개하기 시작했다. 페이건은 1991년 두 번째 솔로 앨범 《Kamakiriad》를 작업할 때 프로듀서로 베커를 초청했다. 베커 역시 1994년 첫 솔로 앨범 《11 Tracks of Whack》을 준비하며 페이건의 도움을 받았다. 이 두 앨범의 공동 작업 과정이 스틸리 댄의 공식적인 재결합으로 이어지는 중요한 계기가 되었다.

1993년, 월터 베커와 도널드 페이건은 공식적으로 Steely Dan을 재결합하고 전국 투어에 나섰다. 이는 그룹이 정규 라인업으로 공연을 한 최초의 순간이었다. 1994년에는 라이브 앨범 『Alive in America』를 발매하며 활동을 재개했다.

2000년에 발매한 정규 앨범 『Two Against Nature』은 20년 만의 스튜디오 앨범이었다. 이 앨범은 정교한 재즈 록 사운드와 세련된 편곡으로 호평을 받았으며, 2001년 그래미 어워드에서 올해의 앨범상을 포함한 네 개의 상을 수상하는 성과를 거두었다. 2003년에는 후속 앨범 『Everything Must Go』를 발표했다.

2000년대 이후 그룹은 정기적인 세계 투어를 이어갔으며, 라이브 공연을 중심으로 활동했다. 2017년 9월 3일, 공동 창립자이자 베이시스트, 기타리스트인 월터 베커가 사망했다. 이후 도널드 페이건은 "The Steely Dan Band"라는 이름으로 밴드의 음악을 계속해서 공연하고 있다.

스틸리 댄의 음악은 재즈 록과 팝 음악의 경계를 넘나드는 독특한 융합을 특징으로 한다. 그들의 사운드는 팝의 접근성과 재즈의 정교함을 결합하여, 대중적인 멜로디와 복잡한 화성 진행을 동시에 선보인다. 이는 1970년대 초반의 음악 환경에서 상당히 독창적인 시도로 평가받는다.

그들의 작곡 방식은 전통적인 팝/록의 코드 진행을 넘어서, 재즈에서 흔히 쓰이는 확장 화음과 대리 화음을 적극적으로 도입했다. 예를 들어, 'Rikki Don't Lose That Number' 같은 곡에서는 팝적인 구성을 유지하면서도 재즈적인 화성 색채를 풍성하게 더했다. 이러한 접근은 단순한 장르 혼합을 넘어, 두 세계관을 완전히 새로운 하나의 음악 언어로 재창조한 결과물이다.

이 융합의 핵심은 월터 베커와 도널드 페이건이 세션 음악가들을 활용하는 방식에서도 드러난다. 그들은 당대 최고의 재즈와 펑크, R&B 연주자들을 스튜디오에 초청하여, 그들의 즉흥적이고 숙련된 연주를 정교하게 편곡된 팝 곡의 골격 위에 올려놓았다. 이로 인해 스틸리 댄의 음반은 팝의 간결함과 재즈의 즉흥적 자유로움이라는, 상반되어 보이는 두 요소가 공존하는 공간이 되었다.

스틸리 댄의 음악은 세션 음악가들의 뛰어난 연주와 정교하게 구성된 편곡이 특징이다. 도널드 페이건과 월터 베커는 완벽주의자로 알려져 있으며, 한 곡을 위해 수십 명의 최고 수준의 세션 음악가를 기용하고 수백 번의 테이크를 녹음하기도 했다. 그들은 재즈와 펑크, R&B 등 다양한 장르에 정통한 연주자들을 엄선하여 각 악기 파트에 가장 적합한 인재를 배치했다. 이 과정에서 유명 재즈 기타리스트 래리 칼튼이나 색소폰 연주자 웨인 쇼터와 같은 거장들이 참여하기도 했다.

그들의 작업 방식은 전형적인 록 밴드의 즉흥적이고 생동감 있는 녹음과는 정반대였다. 베이스 라인 하나, 드럼 필 하나까지도 철저히 계산되고 연마되었다. 특히 1977년 발매된 Aja 앨범의 타이틀곡 "Aja"는 약 8분에 달하는 곡으로, 복잡한 코드 진행과 여러 차례의 박자 변화, 그리고 확장된 재즈 즉흥 연주 섹션을 포함하고 있어 그들의 편곡 능력을 집약적으로 보여준다.

이러한 정교함은 스튜디오에서의 무한한 수정 가능성에 기반을 두었다. 페이건과 베커는 다중 트랙 녹음 기술을 극한까지 활용하여, 각 악기 트랙을 따로따로 완벽하게 녹음한 후 조합하고, 필요하면 부분을 교체하거나 다시 녹음하는 방식을 고수했다. 그 결과, 그들의 음반은 당시 기준으로 매우 높은 제작비가 투입되었으며, 동시에 기술적 완성도와 음악적 세련미 측면에서 새로운 기준을 제시했다.

스틸리 댄의 가사는 풍자와 모호성, 문학적 참조로 가득 차 있으며, 이는 그들의 음악을 정의하는 핵심 요소 중 하나이다. 도널드 페이건과 월터 베커는 현대 미국 사회, 특히 부유층과 지식인 계층의 허영, 좌절, 기이한 생활 방식을 날카롭게 관찰하고 풍자하는 데 탁월했다. 그들의 노래는 표면적으로는 매끄러운 팝 선율을 타고 있지만, 가사 속에는 실패한 예술가, 위선자, 엘리트주의자, 불행한 도시 생활자 등 다양한 인물들이 등장한다.

가사의 난해함은 종종 은유와 암시, 특정 문화 코드에 대한 지식을 필요로 한다. 예를 들어, "Deacon Blues"는 평범한 삶에 대한 환멸과 자멸적인 꿈을, "Hey Nineteen"은 세대 차이와 허무한 향수를 다루며, "Babylon Sisters"는 헐리우드의 타락한 유흥 문화를 묘사한다. 그들은 비트 제너레이션 작가나 하드보일드 소설 같은 문학적 영향을 받아, 간결하고 이미지가 풍부한 서사시적 가사를 썼다.

이러한 접근 방식은 청자로 하여금 가사의 진정한 의미를 해석하도록 유도하며, 단순한 오락을 넘어 사고를 자극하는 경험을 제공한다. 스틸리 댄의 가사는 그들의 음악이 단순한 재즈 록이나 팝이 아닌, 고도로 세련되고 지적인 예술 작품으로 평가받는 데 기여하는 결정적 요소이다.

월터 칼 베커는 1950년 2월 20일 뉴욕 퀸스에서 태어났다. 그는 사프스에서 도널드 페이건을 만나 음악적 협업 관계를 시작했으며, 1972년 스틸리 댄을 공동 창립하는 핵심 인물이 되었다. 밴드 내에서 그는 주로 베이스 기타와 리듬 기타를 연주했으며, 페이건과 함께 대부분의 곡을 공동 작사·작곡하고 프로듀싱을 담당했다.

그의 베이스 라인은 펑크와 재즈의 영향을 받아 정교하면서도 그루브감이 뛰어난 것으로 평가받는다. 또한 그는 세션 음악가들을 엄격하게 지도하고 정교한 음반 제작을 추구하는 밴드의 완벽주의적 성향에 크게 기여했다. 1970년대 후반 개인적인 문제로 뉴욕을 떠나 하와이로 이주했으나, 밴드의 앨범 작업에는 계속 참여했다.

1981년 스틸리 댄 해체 후 그는 솔로 아티스트 및 프로듀서로 활동했다. 1994년 페이건과 함께 스틸리 댄을 재결합한 이후에는 정규 투어에 참여하며 리드 기타와 백 보컬을 맡는 등 공연에서 두각을 나타냈다. 2008년 로큰롤 명예의 전당에 페이건과 함께 헌액되었다.

월터 베커는 2017년 9월 3일 식도암으로 사망했다. 그의 죽음은 스틸리 댄의 공식적인 활동 종료를 의미하는 것으로 받아들여졌다.

도널드 페이건은 스틸리 댄의 공동 창립자, 리드 보컬리스트, 키보디스트, 그리고 주요 작곡가이다. 그는 1948년 1월 10일 뉴저지주 패서익에서 태어났다. 버드 칼리지에서 문학을 전공하던 중 월터 베커를 만나 음악적 협업을 시작했으며, 이는 이후 밴드의 토대가 되었다.

그의 독특한 보컬 스타일은 건조하고 시니컬한 톤으로 특징지어지며, 스틸리 댄의 풍자적이고 난해한 가사 세계를 전달하는 데 핵심적인 역할을 했다. 또한 그는 밴드의 대부분의 곡에서 키보드와 신시사이저 연주를 담당했으며, 재즈와 팝을 절묘하게 융합한 밴드의 정교한 편곡과 사운드 디자인에 지대한 기여를 했다.

스틸리 댄의 활동 중단기인 1982년, 페이건은 첫 솔로 앨범 *The Nightfly*를 발매했다. 이 앨범은 1950년대와 1960년대 초반의 풍경을 그린 자전적 요소가 담긴 컨셉트 앨범으로, 음악적 완성도와 일관성으로 높은 평가를 받으며 성공을 거두었다. 이후 *Kamakiriad* (1993), *Morph the Cat* (2006) 등 솔로 앨범을 꾸준히 발표하며 자신만의 음악 세계를 구축해 나갔다.

2001년 스틸리 댄이 정식으로 재결합한 이후, 그는 월터 베커와 다시 공동 작업을 이어가며 *Everything Must Go* (2003) 앨범을 발표하고 정기적인 투어를 진행했다. 2017년 베커가 사망한 후에도 페이건은 '스틸리 댄'이라는 이름으로 밴드를 이끌며 활동을 계속하고 있다.

1972년 발매된 Steely Dan의 데뷔 앨범이다. 월터 베커와 도널드 페이건이 주축이 되어 결성한 밴드의 첫 번째 스튜디오 음반으로, 당시 재즈 록과 팝 음악의 경계를 넘나드는 독특한 사운드를 선보이며 주목을 받았다.

앨범은 싱글 "Do It Again"과 "Reelin' In the Years"를 통해 상업적 성공을 거두었다. 특히 "Reelin' In the Years"는 강렬한 기타 리프와 페이건의 특유의 보컬이 조화를 이루며 밴드의 대표곡 중 하나로 자리잡았다. 이 앨범에서 Steely Dan은 이미 완성도 높은 스튜디오 작업과 정교한 편곡에 대한 집착을 보여주기 시작했다.

초기 Steely Dan은 5인조 밴드 체제로 활동했으며, 이 앨범에는 리드 보컬을 맡은 데이비드 파머가 수록곡 일부에 참여했다[3]. 그러나 이후 앨범부터는 페이건이 유일한 리드 보컬이 되었다.

음악적 특징으로는 블루스 기반의 록, 재즈의 화성 진행, 그리고 팝적인 멜로디가 결합된 형태를 들 수 있다. 앨범 커버는 미국의 일러스트레이터 로저 휴이슨이 맡았다.

1977년 발매된 스틸리 댄의 여섯 번째 정규 앨범이다. 이 앨범은 밴드의 음악적 완성도를 정점으로 끌어올린 작품으로 평가받으며, 상업적 성공과 비평적 찬사를 동시에 거머쥐었다.

재즈 록과 정교한 팝의 결합을 한층 더 심화시킨 사운드가 특징이다. 당대 최고의 세션 연주자들을 대규모로 기용하여 녹음했으며, 특히 스티브 가드의 색소폰 솔로가 돋보이는 타이틀곡 "Aja"는 8분에 가까운 대곡으로 구성되었다. 앨범의 프로듀싱과 음질은 매우 뛰어나 평가를 받아, 1978년 그래미상 최우수 엔지니어드 음반(비클래식) 부문을 수상하기도 했다.

수록곡들은 각기 다른 음악적 색채를 보이지만 앨범 전체적으로 일관된 고급스러운 분위기를 유지한다. "Deacon Blues"는 실패한 꿈을 노래하는 애절한 발라드이며, "Peg"는 경쾌한 팝 넘버이자 빌보드 차트 싱글이었다. "Black Cow"와 "Josie" 등도 앨범의 핵심 트랙으로 꼽힌다.

앨범은 빌보드 200 차트 3위에 올랐고, 미국에서만 500만 장 이상의 판매고를 기록하여 다이아몬드 인증을 받았다[4]. 《롤링 스톤》이 선정한 '역사상 가장 위대한 음반 500장' 목록에 꾸준히 이름을 올리고 있으며, 스틸리 댄의 대표작이자 1970년대 음반 제작의 교과서로 회자된다.

*Gaucho*는 1980년 11월 발매된 스틸리 댄의 일곱 번째 정규 앨범이다. 이 앨범은 밴드의 이전 작품들보다 더욱 세련되고 복잡한 재즈 록 사운드를 추구했으며, 제작 과정에서 많은 기술적, 법적 어려움을 겪었다. 특히, 도널드 페이건과 월터 베커는 완벽주의적 작업 방식을 고수하며 수많은 세션 음악가를 기용하고, 최초로 디지털 녹음 기술을 부분적으로 도입했다.

앨범의 제작은 예상보다 훨씬 오랜 시간이 걸렸고, 그 과정에서 베커의 개인적 문제와 저작권 분쟁이 발생했다. 수록곡 "Gaucho"는 다른 작곡가와의 표절 논란으로 인해 법정 소송이 제기되었고[5], 결국 공동 작곡자로 크레딧이 추가되는 결과를 낳았다. 이러한 어려움에도 불구하고, 앨범은 발매와 동시에 상업적, 비평적 성공을 거두었다.

음악적으로 *Gaucho*는 스무스 재즈와 팝의 경계를 넘나드는 정교한 편곡이 특징이다. "Hey Nineteen"과 "Time Out of Mind"는 싱글로 발매되어 큰 인기를 끌었다. 앨범은 그래미 어워드에서 '올해의 앨범' 후보에 올랐고, 엔지니어링 부문에서 수상하기도 했다. 이 앨범을 마지막으로 스틸리 댄은 공식적으로 해체 상태에 들어갔으며, 이후 약 20년 동안 새로운 정규 앨범을 발표하지 않았다.

"Reelin' In the Years"는 스틸리 댄의 데뷔 앨범인 Can't Buy a Thrill에 수록된 곡으로, 1973년 싱글로 발매되었다. 이 곡은 밴드의 첫 번째 톱 20 히트곡이 되었으며, 이후 그들의 가장 유명한 곡 중 하나로 자리 잡았다.

곡은 빠른 템포와 기타 리프로 시작하며, 도널드 페이건의 독특한 보컬과 함께 진행된다. 엘리엇 랜달의 기타 솔로는 이 곡의 가장 두드러진 특징 중 하나로, 강렬하고 기교적인 연주가 돋보인다. 편곡은 재즈 록과 블루스 록의 요소를 전형적인 팝 구조에 녹여낸 스틸리 댄 초기 스타일을 잘 보여준다.

가사는 과거의 연인이나 지나간 시간을 향한 풍자와 회의적인 시선을 담고 있다. "Are you reelin' in the years? / Stowin' away the time"이라는 후렴구는 시간을 낚시로 끌어모으는 것 같은 이미지를 통해, 과거에 집착하는 태도를 비꼬는 듯한 느낌을 준다. 스틸리 댄의 전형적인 난해한 가사 스타일의 초기 사례로 평가받는다.

이 곡은 발매 당시 큰 인기를 끌었고, 이후 수많은 커버 버전이 제작되었다. 또한, 그래미 명예의 전당에 등재된 바 있으며, 여러 영화와 광고에 사용되며 대중문화에 지속적으로 등장하고 있다.

"Rikki Don't Lose That Number"은 스틸리 댄의 1974년 앨범 Pretzel Logic에 수록된 싱글 곡이다. 이 곡은 밴드의 싱글 차트에서 가장 높은 순위(미국 빌보드 핫 100 4위)를 기록한 히트곡이 되었다.

곡은 호러스 실버의 피아노 연주곡 "Song for My Father"의 도입부 리프에서 영감을 받았다[7]. 도널드 페이건과 월터 베커는 이 리프를 발전시켜 팝 친화적인 멜로디와 정교한 편곡으로 재탄생시켰다. 편곡에는 마크 노플러의 기타 연주와 유사한 톤의 기타 솔로가 포함되어 있으며, 복잡한 코드 진행과 세션 음악가들의 정밀한 연주가 특징이다.

가사는 '리키'라는 인물에게 전화번호를 잃지 말라고 당부하는 내용으로, 해석이 다양하다. 일부는 이를 로맨틱한 구애의 메시지로 보는 반면, 다른 해석에서는 마약 거래나 위험한 관계에 대한 은유적 표현이 담겨 있다고 본다. 이러한 난해함과 풍자는 스틸리 댄 가사의 전형적인 특징을 보여준다.

이 곡은 스틸리 댄이 재즈 록과 팝을 접목시킨 음악적 정점을 보여주는 예로 꼽히며, 이후 수많은 커버 버전과 샘플링을 통해 그 영향력을 이어갔다.

"Deacon Blues"는 스틸리 댄의 여섯 번째 스튜디오 앨범인 Aja (1977)에 수록된 곡이다. 이 곡은 앨범의 다섯 번째 트랙으로, 도널드 페이건과 월터 베커가 공동으로 작사·작곡했다.

곡은 실패한 꿈과 평범한 일상에 대한 환상을 가진 무명의 인물을 내레이션 형식으로 그린다. 가사는 "They call Alabama the Crimson Tide / Call me Deacon Blues"와 같이, 강력한 미식축구 팀 앨라배마 크림슨 타이드의 별명과 대비되는 'Deacon Blues'라는 자조적인 별명을 중심으로 전개된다[8]. 주인공은 실의에 빠진 삶을 위로하기 위해 색소폰을 배우고 위스키를 마시는 상상 속의 세계에 몰입한다.

음악적으로 이 곡은 스틸리 댄의 특징인 정교한 재즈 록 편곡을 잘 보여준다. 특히 톰 스콧이 연주한 테너 색소폰 솔로가 곡의 분위기를 한층 깊이 있게 만든다. 복잡한 코드 진행과 세션 음악가들의 탄탄한 연주가 조화를 이루며, 우울하면서도 세련된 감정을 전달한다.

"Deacon Blues"는 발매 당시 싱글로도 발매되어 빌보드 핫 100 차트에서 19위를 기록했으며, 시간이 지나며 밴드의 대표작 중 하나로 자리 잡았다. 이 곡은 Aja 앨범이 그래미 어워드 올해의 앨범 후보에 오르는 데 기여했고, 이후 수많은 음악 평론가들로부터 1970년대 최고의 팝 곡 중 하나로 꼽힌다.

스틸리 댄은 재즈 록과 팝 음악의 경계를 허물고 정교한 스튜디오 작업을 새로운 기준으로 제시함으로써 후대 음악가들에게 지대한 영향을 미쳤다. 그들의 음악은 프로그레시브 록과 퓨전 재즈의 실험 정신을 팝의 접근성 안에 담아냈으며, 특히 1970년대 후반부터 1980년대 초반에 걸쳐 완성도 높은 스튜디오 음반을 제작한 방식은 많은 아티스트에게 모범이 되었다.

이 밴드의 영향은 다양한 장르에 걸쳐 나타난다. 아트 록과 소프트 록 계열의 음악가들은 그들의 정교한 편곡과 하모니를 참조했으며, 1990년대와 2000년대에 등장한 일부 인디 록 밴드들은 스틸리 댄의 아이러니한 가사와 세련된 사운드에서 영감을 받았다. 또한 힙합과 일렉트로니카 프로듀서들 사이에서는 그들의 곡이 샘플링의 주요 소스로 각광받았는데, 특히 Aja와 Gaucho 앨범의 드럼 브레이크와 베이스 라인은 여러 클래식 힙합 트랙에 사용되었다[9]]의 "Champion"은 "Kid Charlemagne"의 드럼 브레이크를 샘플링함].

음악 산업 측면에서 스틸리 댄은 '스튜디오 밴드'의 전형을 보여주었다. 월터 베커와 도널드 페이건은 최고의 세션 연주자들을 기용해 완벽에 가까운 연주를 추구했고, 당시 최신 기술을 적극적으로 활용해 음반 제작 과정 자체를 하나의 예술 형식으로 격상시켰다. 이는 음반 제작에 대한 철학과 스튜디오 작업의 중요성을 재고하게 만든 중요한 계기가 되었다.

스틸리 댄은 음악 평론가들로부터 지속적으로 높은 평가를 받아왔다. 그들의 음악은 재즈 록과 팝 음악의 경계를 넘나드는 정교함과 완성도로 인해, 특히 1970년대 스튜디오 음악의 정점을 보여주는 사례로 꼽힌다. 평론가들은 그들이 작곡, 편곡, 연주, 프로듀싱의 모든 측면에서 완벽주의를 추구한 점을 높이 산다. 이로 인해 그들의 앨범, 특히 1977년작 Aja와 1980년작 Gaucho는 당대 최고의 연주 실력을 갖춘 세션 음악인들을 총동원해 만들어낸 '스튜디오의 걸작'으로 평가받는다.

비평계는 또한 그들의 가사에 주목한다. 도널드 페이건과 월터 베커가 쓴 가사는 풍자와 아이러니, 때로는 난해한 암시로 가득 차 있어, 표면적으로 매끄러운 팝 멜로디와 대비되는 독특한 미학을 형성한다. 이는 단순한 오락을 넘어 문학적 깊이를 지닌 음악으로 해석될 수 있는 여지를 제공했다. 《롤링 스톤》과 같은 주요 음악 매체는 그들을 "록 역사상 가장 완벽주의적인 밴드"이자 "지적인 팝 아트의 대가"로 칭송했다[10].

그러나 일부 평론가들은 그들의 접근법이 지나치게 계산적이고 감정이 배제되었다고 비판하기도 했다. 초기 블루스나 로큰롤의 즉흥성과 생동감 대신, 스튜디오에서 수많은 테이크를 거쳐 다듬어진 무결점의 사운드를 선호한 점이 '냉랭하다'는 지적을 받은 것이다. 그럼에도 불구하고, 이러한 비판조차 그들의 음악이 기술적 완성도와 미학적 일관성에서 뛰어나다는 점을 인정하는 틀 안에서 이루어졌다.

시간이 지남에 따라 그들의 평판은 더욱 공고해졌다. 2001년 로큰롤 명예의 전당에 헌액된 것은 음악 산업 내에서의 공식적인 인정이었다. 현재 그들은 1970년대를 대표하는 가장 영향력 있는 밴드 중 하나로 자리매김했으며, 그들의 앨범은 현대 음반 제작의 교과서처럼 여겨진다. 평론가들의 평가는 그들의 음악이 시대를 초월한 정밀함과 독창성을 지녔음을 보여준다.