현대 음악 (r1)

19세기 말부터 제1차 세계 대전까지의 시기는 서양 클래식 음악이 후기 낭만주의에서 벗어나 근본적인 변화를 모색하기 시작한 전환기이다. 이 시기의 음악은 리하르트 바그너의 반음계적 화성에 기반을 두면서도 조성의 해체와 새로운 음향의 탐구로 특징지어진다.

프랑스에서는 클로드 드뷔시가 인상주의 음악을 개척하여, 명확한 조성 대신 음색과 분위기를 중시하는 작곡 방식을 확립했다. 그의 영향 아래 모리스 라벨은 인상주의적 어법과 함께 고전적인 형식미를 결합했으며, 에리크 사티는 전위적인 실험 정신으로 새로운 가능성을 제시했다. 한편, 독일과 오스트리아에서는 아르놀트 쇤베르크를 중심으로 작곡가의 내적 감정을 강조하는 표현주의 음악이 대두하여, 이후 무조 음악과 12음기법으로 이어지는 길을 열었다.

러시아에서는 이고리 스트라빈스키가 원시적인 리듬과 대담한 화성을 사용한 발레 음악으로 센세이션을 일으켰고, 알렉산드르 스크랴빈은 신비로운 화음과 철학적 개념을 음악에 도입했다. 이탈리아에서는 루이지 루솔로 같은 작곡가가 미래주의의 영향을 받아 소음 음악을 시도하며, 전통적인 선율 개념을 넘어서는 실험을 시작했다. 이처럼 전쟁 전 시기는 다양한 국가에서 기존의 음악 언어를 재평가하고 근본적으로 새로운 어법을 모색한 창의적인 폭발의 시기였다.

제1차 세계 대전 이후부터 제2차 세계 대전이 끝날 때까지의 시기는 현대 음악이 다양한 방향으로 활발히 실험되고 발전한 시기이다. 국제 현대음악협회의 결성과 같은 국제적 교류가 활성화되고, 미국 재즈의 유입이 유럽 음악계에 새로운 자극을 주었다. 이 시기의 주요 특징은 후기 낭만주의나 인상주의의 모호함에 대한 반발로 나타난 신고전주의의 대두이다. 이고리 스트라빈스키는 발레곡 《병사 이야기》와 《결혼》을 통해 선율과 형식의 명확성을 중시하는 이 경향을 선도했으며, 다리우스 미요가 속한 프랑스 6인조와 파울 힌데미트, 세르게이 프로코피예프 등도 이 흐름에 동참했다.

한편, 아르놀트 쇤베르크는 12음기법을 완성하여 음렬주의 음악의 기초를 마련했고, 그의 제자 알반 베르크와 안톤 베베른이 이를 계승 발전시켰다. 이 시기의 음렬 음악은 신고전주의의 영향을 받아 모음곡이나 파사칼리아 같은 고전적 형식을 종종 차용하기도 했다. 힌데미트는 실용 음악 이론을 주창하며 음악의 사회적 기능을 강조하기도 했다.

1930년대에 접어들며 나치 독일과 소비에트 연방에서 강압적인 문화 통제가 시작되면서 창작의 자유가 크게 위축되었다. 특히 소련에서는 사회주의 리얼리즘 정책 아래 서구의 모더니즘 음악이 배격되고, 민족적 소재와 고전적 형식을 따르는 작품만이 장려되었다. 이러한 정치적 압력은 많은 작곡가들의 작품 세계에 영향을 미쳤다.

제2차 세계 대전 이후의 현대 음악은 전쟁의 파괴와 그 이전 시대의 보수적 경향에 대한 강력한 반발 속에서 출발했다. 전쟁으로 인한 경제적·문화적 황폐화와 많은 젊은 작곡가들의 유럽 이탈로 인해 새로운 움직임의 본격적인 성과는 1950년대 중반 이후에 나타나기 시작했다. 이 시기의 핵심 무대는 독일의 다름슈타트 국제 현대음악 하기강좌였으며, 여기서 아르놀트 쇤베르크의 12음기법을 넘어선 보다 급진적인 실험이 추진되었다.

전후 세대는 안톤 베베른의 점묘적 작풍에서 출발하여 모든 음악 요소(음고, 리듬, 강약, 음색)를 엄격하게 조직화하는 음렬주의로 나아갔다. 카를하인츠 슈톡하우젠과 피에르 불레즈 같은 작곡가가 이 흐름을 주도했다. 동시에 기술 발전은 새로운 음향을 추구하는 전자 음악과 구체 음악의 탄생을 촉진했으며, 존 케이지의 영향을 받은 우연성 음악은 연주 과정에서의 불확정성을 중요한 요소로 받아들였다.

1950년대 후반부터 1960년대에는 이러한 실험적 경향이 더욱 다양화되었다. 이안니스 크세나키스는 확률론과 컴퓨터를 활용한 '확률 음악'을, 뤼치아노 베리오와 크시슈토프 펜데레츠키는 악기의 비전통적 연주법과 음향 클러스터를 탐구했다. 미니멀리즘이 등장하여 단순한 음형의 반복과 점진적 변화를 기반으로 한 새로운 미학을 제시하기도 했다. 이처럼 전후 현대 음악은 단일한 흐름이 아닌, 조직화, 우연성, 전자 매체, 새로운 음향 탐구 등 다양한 축을 중심으로 급격히 분화되고 복합화되는 양상을 보였다.

인상주의 음악은 19세기 말 프랑스를 중심으로 발생한 음악 사조이다. 이는 동시대의 회화 운동인 인상주의에서 이름을 차용하였으며, 음악에서도 색채와 분위기, 빛과 같은 감각적 인상을 표현하는 데 중점을 두었다. 전통적인 조성 체계를 약화시키고, 온음 음계와 교회 선법 등 다양한 음계를 활용하여 모호하고 공기감 넘치는 음향을 추구하였다. 주요 작곡가로는 클로드 드뷔시와 모리스 라벨이 있으며, 이들의 작품은 후기 낭만주의의 무거운 감정 표현에 대한 반발로 여겨진다.

인상주의 음악의 특징은 선율보다는 화성과 음색의 변화를 통한 색채감 강조에 있다. 드뷔시의 《목신의 오후에의 전주곡》이나 라벨의 《물의 유희》와 같은 작품에서는 전통적인 화성 진행 대신, 9화음이나 11화음 같은 복잡한 화음을 정적이고 수직적으로 배치하여 독특한 분위기를 창출한다. 또한 오케스트레이션에 있어서도 관악기의 섬세한 사용과 현악기의 약음기 사용 등으로 새로운 음색을 탐구하였다.

이 운동은 표현주의나 신고전주의와 같은 다른 현대 음악 사조와는 명확히 구분되는 미학을 제시했다. 인상주의는 음악을 통해 직접적인 감정이나 서사적 내용을 전달하기보다, 순간적인 느낌이나 자연의 이미지를 암시하는 데 주력했다. 이러한 접근법은 20세기 음악에 있어 무조 음악과 같은 새로운 가능성을 열어주는 계기가 되었다.

표현주의는 20세기 초반, 특히 1900년대부터 1930년대 사이에 독일과 오스트리아를 중심으로 발달한 중요한 음악 사조이다. 이 운동은 인상주의 음악이 추구하는 분위기나 색채감과는 반대로, 작곡가의 내면적 감정과 주관적 경험을 극도로 강조하고 왜곡하여 표현하는 것을 핵심으로 한다. 이는 동시대의 표현주의 미술 및 문학과 깊은 연관성을 가지며, 사회적 불안과 개인의 고독, 불안 같은 심리적 갈등을 음악 언어로 직설적으로 드러내려 했다.

표현주의 음악의 가장 두드러진 특징은 전통적인 조성 체계의 해체이다. 아르놀트 쇤베르크를 중심으로 한 작곡가들은 점차 반음계를 극단적으로 사용하여 조성의 중심을 무너뜨렸고, 결국 무조 음악으로 나아갔다. 쇤베르크는 특히 그의 성악곡 《달에 홀린 피에로》에서 말하는 것과 노래하는 것 사이의 독특한 발성법인 슈프레히게장을 도입하여 불안하고 병적인 분위기를 효과적으로 조성했다. 그의 제자였던 알반 베르크와 안톤 베베른 또한 이 흐름을 이어받아 발전시켰다.

이 사조는 음악의 모든 요소가 극도의 긴장과 불협화음으로 점철되는 경향을 보인다. 선율은 파편화되고, 리듬은 불규칙하며, 다이내믹은 극단적인 대비를 보인다. 이러한 음악어법은 제1차 세계대전 전후의 암울한 시대정신을 반영한 것으로 해석된다. 표현주의는 이후 쇤베르크에 의해 체계화된 12음기법으로 이어지며, 20세기 현대 음악의 근간을 이루는 중요한 전환점이 되었다.

신빈악파는 20세기 초반에 등장한 음악 사조로, 특히 독일과 오스트리아를 중심으로 활동한 작곡가 그룹을 일컫는다. 이들은 후기 낭만주의의 감정과다적인 표현과 대규모 편성에 반발하여, 바로크 음악이나 고전주의 음악 시기의 대위법과 명확한 형식, 절제된 감정 표현을 지향했다. '새로운 단순함' 또는 '새로운 객관성'이라는 의미를 지닌 이 용어는, 당시의 복잡하고 주관적인 음악 경향에 대한 대안을 제시했다.

신빈악파의 대표적인 작곡가로는 파울 힌데미트가 꼽힌다. 그는 실용 음악 이론을 주창하며, 연주하기 쉽고 기능적인 음악을 작곡했다. 그의 작품에서는 선율적 명료성과 대위법적 기교가 두드러진다. 이고리 스트라빈스키도 1920년대 이후 발레곡 《병사 이야기》나 《결혼》 등을 통해 신고전주의적 경향을 보이며 신빈악파의 흐름에 동참했다. 프랑스 6인조의 다리우스 미요와 프랑시스 풀랑크 역시 이 시기에 신고전주의적 성향의 작품을 많이 남겼다.

이 사조는 제1차 세계 대전과 제2차 세계 대전 사이의 시기, 즉 1920년대에서 1950년대에 걸쳐 가장 활발했다. 신빈악파는 복잡한 화성과 감정의 과잉을 배제하고, 소나타나 협주곡 같은 전통적인 형식과 푸가 같은 대위법 기법을 현대적으로 재해석했다는 점에서 의의가 있다. 이는 이후 12음기법이나 음렬주의 같은 급진적 실험에 대한 반동으로도 볼 수 있으며, 20세기 음악의 다원적 흐름을 보여주는 중요한 장이 되었다.

신고전주의는 20세기 초반, 특히 제1차 세계 대전 이후에 나타난 중요한 음악 사조이다. 이 흐름은 후기 낭만주의의 감정 과잉과 표현주의의 극도로 주관적인 어법, 그리고 인상주의의 모호함에 대한 반발로 대두되었다. 신고전주의 작곡가들은 명확한 선율, 투명한 텍스처, 그리고 엄격한 형식미를 중시하며, 바로크 음악과 고전주의 음악의 양식과 정신으로 회귀하려 했다. 이들은 소나타, 협주곡, 교향곡 같은 전통적인 형식을 다시 채택했으며, 대위법과 푸가 같은 기법을 적극 활용했다.

이고리 스트라빈스키는 이 사조의 선구자이자 대표주자로 꼽힌다. 그는 발레곡 《병사 이야기》와 《결혼》 등을 통해 복잡한 리듬과 간결한 화성을 바탕으로 한 신고전주의 양식을 확립했다. 프랑스에서는 다리우스 미요를 포함한 프랑스 6인조가, 독일에서는 파울 힌데미트가, 러시아에서는 세르게이 프로코피예프가 각자의 방식으로 신고전주의를 발전시켰다. 이 시기의 음렬주의 작곡가들도 신고전주의의 영향을 받아 모음곡이나 파사칼리아 같은 고전 형식을 자신들의 작품에 도입하기도 했다.

신고전주의는 1920년대부터 1950년대까지 유럽과 미국을 중심으로 큰 영향력을 발휘했으며, 복잡한 현대 음악의 흐름 속에서 질서와 명료함을 추구하는 하나의 대안을 제시했다는 점에서 의의가 있다.

음렬주의는 20세기 초반에 확립된 작곡 기법으로, 음악의 모든 요소를 미리 정해진 일련의 규칙에 따라 배열하는 체계적 접근법을 핵심으로 한다. 이 기법은 아르놀트 쇤베르크가 고안한 12음기법에서 출발하여, 제2차 세계 대전 이후 앙드레 졸리베와 카를하인츠 슈톡하우젠 같은 작곡가들에 의해 더욱 엄격하고 포괄적으로 발전되었다. 음렬주의에서는 음고뿐만 아니라 리듬, 강약, 음색, 심지어 연주법까지 선정된 일련의 순서, 즉 '음렬'에 따라 조직화된다.

이러한 총체적 조직화는 종종 점묘주의 음악의 특징인 짧고 분리된 음향 텍스처를 만들어냈으며, 안톤 베베른의 후기 작품이 그 선구로 여겨진다. 전후 다름슈타트에서 열린 국제 하기강좌는 피에르 불레즈와 루이지 노노를 비롯한 젊은 작곡가들이 이 새로운 기법을 탐구하고 확장하는 주요 중심지가 되었다. 그들은 음악 구성의 모든 측면에 대한 통제를 통해 완전히 객관화된 음악 구조를 추구했다.

음렬주의는 1950년대와 1960년대에 현대 음악의 주류를 이루었으나, 그 엄격함과 계산적인 성격에 대한 반발로 인해 이후 우연성 음악이나 미니멀리즘 같은 다른 실험적 경향이 대두되는 계기가 되기도 했다. 그럼에도 불구하고, 음악의 모든 매개변수에 대한 체계적 사고를 도입한 음렬주의의 영향은 이후의 전자 음악과 컴퓨터 음악 발전에 지대한 기여를 했다.

미니멀리즘은 1960년대 미국에서 시작된 음악 사조로, 전통적인 서양 클래식 음악의 복잡한 구조와 감정적 과잉에 대한 반발로 등장했다. 이 양식은 제한된 음악적 소재를 반복, 점진적 변화, 지속적인 패턴을 통해 전개하는 것을 핵심으로 한다. 단순함과 명료성을 추구하며, 청중이 음악의 미세한 변화와 텍스처에 집중할 수 있도록 한다.

미니멀리즘의 선구자로는 라 몬테 영, 테리 라일리, 스티브 라이히, 필립 글래스 등이 있다. 이들은 각각 다른 방식으로 미니멀리즘을 발전시켰다. 예를 들어, 테리 라일리의 《In C》는 일련의 짧은 악구를 연주자들이 자유롭게 반복하도록 한 작품이며, 스티브 라이히는 《피아노 페이즈》와 같은 작품에서 위상 이동 기법을 발전시켰다. 필립 글래스는 아르페지오와 같은 짧은 음형의 빠른 반복을 특징으로 하는 독특한 스타일을 구축했다.

이 음악은 서양 클래식 전통뿐만 아니라 인도 음악, 아프리카 음악, 발리네시 가믈란 등 비서양 음악의 리듬 구조와 미학에서도 영감을 받았다. 특히 지속적인 리듬 패턴과 음의 점진적 변화는 이러한 영향의 결과물이다. 미니멀리즘은 포스트모더니즘 예술 운동의 일부로 간주되며, 실험 음악과 현대 음악의 중요한 흐름이 되었다.

미니멀리즘의 영향은 클래식 영역을 넘어 일렉트로닉 댄스 음악, 앰비언트 음악, 록 음악 등 다양한 대중 음악 장르에까지 미쳤다. 또한 영화 음악과 연극 음악에서도 광범위하게 사용되어 현대 음악 문화 전반에 지대한 영향을 끼친 사조로 자리 잡았다.

19세기 말부터 20세기 초까지 프랑스 현대 음악은 인상주의가 주도적인 흐름을 형성했다. 클로드 드뷔시는 목신의 오후에의 전주곡과 같은 작품을 통해 전통적인 조성을 탈피하고, 음색과 분위기를 중시하는 새로운 어법을 개척했다. 모리스 라벨은 인상주의적 기법에 신고전주의적인 형식 감각을 결합하여 정교한 오케스트레이션과 명확한 구조를 보여주었다. 이 시기 에리크 사티는 풍자와 간결함, 그리고 《벡사시옹》과 같은 실험적 작품으로 전위 예술의 선구자 역할을 했다.

제1차 세계 대전 이후에는 프랑스 6인조가 등장하며 다양한 경향이 나타났다. 이 그룹의 구성원 중 다리우스 미요는 복조와 다조를 적극 활용했으며, 발레곡 《세계의 창조》에서 재즈 요소를 도입하는 등 폭넓은 작풍을 보였다. 프랑시스 풀랑크는 신선한 선율과 명료한 형식으로 후기 오페라 작품에서 두각을 나타냈다. 에드가 바레즈는 《옥탄돌》에서 12음기법을 시도하고, 《포엠 일렉트로닉》과 같은 작품으로 전자 음악과 새로운 음향 매체를 탐구했다.

제2차 세계 대전 이후 프랑스 현대 음악의 중심 인물은 올리비에 메시앙이다. 그는 독자적인 리듬 이론과 음렬주의 기법을 발전시켰으며, 《시간의 종말을 위한 4중주》와 같은 작품으로 깊은 영향력을 미쳤다. 그의 제자인 피에르 불레즈는 베베른의 점묘적 기법과 메시앙의 이론을 계승·발전시켜 엄격한 세리얼리즘 작품을 창작했고, 동시에 지휘자로서 현대 음악 보급에 기여했다. 앙드레 졸리베는 아프리카 및 아시아의 민족 음악에서 영감을 받은 원색적인 작품 세계를 펼쳤다.

20세기 독일과 오스트리아의 현대 음악은 표현주의와 12음기법의 발상지로서 결정적인 역할을 했다. 아르놀트 쇤베르크는 조성을 해체하고 무조 음악으로 나아간 후, 옥타브 내의 12개 반음을 평등하게 조직하는 12음기법을 완성했다. 그의 제자인 알반 베르크와 안톤 베베른은 이 기법을 계승·발전시켰으며, 특히 베베른의 간결하고 점묘적인 작풍은 전후 음렬주의의 중요한 선구가 되었다.

한편, 파울 힌데미트는 신고전주의 경향을 보이며 실용적인 실용 음악을 주장했고, 쿠르트 바일은 베르톨트 브레히트와의 협업을 통해 사회 비판적인 무대 작품을 남겼다. 리하르트 슈트라우스는 후기 낭만주의의 거장으로 남았으나 일부 작품에서 표현주의적 색채를 보였으며, 막스 레거의 대위법적 실험은 12음 기법의 토대를 마련하는 데 기여했다.

제2차 세계 대전 이후, 독일의 다름슈타트 국제 하기강좌는 전위 음악의 핵심 거점이 되었다. 카를하인츠 슈톡하우젠은 전자 음악, 공간 음악, 우연성 음악 등 다양한 실험을 통해 국제적인 영향력을 행사했고, 한스 베르너 헨체는 다양한 양식을 융합한 오페라와 관현악 작품으로 주목받았다. 이들의 활동을 통해 전후 독일과 오스트리아는 음렬주의와 실험 음악의 중심지로서 국제 현대 음악계를 이끌어 나갔다.

20세기 이탈리아 현대 음악은 전통적인 오페라와 기악 음악의 유산 위에, 급격한 사회 변화와 국제적 예술 운동의 영향을 받아 다양한 실험과 혁신을 거듭하며 발전했다. 초기에는 미래주의 운동과 결합한 급진적인 시도가 두드러졌으며, 전후 시기에는 국제적인 전위 음악 흐름에 적극적으로 참여하면서도 독자적인 음악어법을 구축해 나갔다.

20세기 초, 미래주의 운동의 영향을 받은 루이지 루솔로 같은 작곡가는 기존 악기 외에 일상의 소리를 음악적 소재로 사용하는 소음 음악을 시도했다. 이는 이후 구체 음악과 실험 음악의 중요한 선구가 되었다. 한편, 잔 프란체스코 말리피에로는 이탈리아 바로크 음악의 전통을 재해석하는 신고전주의적 경향을 보였다.

제2차 세계 대전 이후 이탈리아 현대 음악은 국제 무대에서 주목받기 시작했다. 루이지 달라피콜라는 12음 기법을 도입하여 인간적 서정성과 극적 표현을 결합한 작품을 썼으며, 그의 오페라와 《수인의 노래》는 중요한 업적으로 평가받는다. 더 젊은 세대인 루이지 노노는 정치적·사회적 관심사를 점묘주의적 음렬주의 기법으로 표현했고, 루치아노 베리오는 실험적인 전자 음악과 기존 악기를 결합한 혁신적인 작품으로 명성을 얻었다.

1970년대 이후로는 프랑코 도나토니, 살바토레 샤리노 등이 복잡한 구조와 정교한 음향 텍스처를 탐구하는 작품을 선보였으며, 아드리아노 구에르리와 같은 작곡가는 보다 접근하기 쉬운 서정적인 스타일로 주목받았다. 이탈리아 현대 음악은 강력한 전통의 토대 위에서 지속적인 실험과 변주를 통해 풍부한 양상을 보여주고 있다.

20세기 영국의 현대 음악은 전통적인 토대 위에 현대적 어법을 접목한 독특한 흐름을 보여준다. 에드워드 엘가와 랠프 본 윌리엄스 같은 작곡가들이 이끌던 영국 음악계는 제2차 세계 대전 이후 새로운 국면을 맞이하게 되었다.

이 시기 가장 중요한 인물은 벤저민 브리튼이다. 그는 현대적인 화성과 오케스트레이션을 사용하면서도 접근하기 쉬운 선율과 명확한 형식을 중시하여 대중과의 소통에 성공했다. 그의 대표작인 오페라 《피터 그라임스》는 헨리 퍼셀 이후 영국 오페라의 부활을 알리는 작품으로 평가받는다. 브리튼은 협주곡과 실내악, 가곡 등 다양한 장르에서도 뛰어난 작품을 남겼다.

브리튼과 동시대 작곡가들도 다양한 길을 모색했다. 마이클 티펫은 복잡한 대위법과 풍부한 서정성을 결합한 독자적인 스타일을 구축했다. 한편, 엘리자베스 루티언스와 해리슨 버트위슬 같은 작곡가들은 유럽 대륙의 전위 음악과 음렬주의 기법을 적극적으로 수용하여 보다 실험적인 작품 세계를 펼쳤다.

1950년대 이후에는 피터 막스웰 데이비스와 알렉산더 고어가 주도한 '맨체스터 악파'가 등장하며 영국 현대 음악의 지형을 바꾸었다. 이들은 다름슈타트 여름강좌의 영향을 받아 점묘주의와 우연성 음악 등을 탐구했다. 이후 토머스 아데스와 조지 벤저민 등 젊은 세대 작곡가들이 국제적으로 주목받으며 영국 현대 음악의 다양성과 활력을 이어가고 있다.

20세기 미국의 현대 음악은 유럽의 전통에서 벗어나 독자적인 음악어법을 발전시켰다. 초기에는 유럽에서 유학한 작곡가들이 주류를 이루었으나, 점차 재즈, 민속 음악, 실험적 기법 등 다양한 요소를 흡수하며 미국적 정체성을 구축해 나갔다.

찰스 아이브스는 유럽의 모더니즘보다 앞서 복조와 복리듬, 심지어 4분음 사용까지 시도한 선구자로 평가받는다. 에런 코플런드는 초기에는 현대적 어법을 구사했으나, 이후 카우보이 음악이나 컨트리 뮤직과 같은 미국의 민속 음악적 요소를 적극적으로 작품에 도입했다. 헨리 카웰은 피아노 현을 직접 조작하는 클러스터(cluster) 기법이나 전자 악기 연구를 통해 새로운 음향을 탐구했다.

대중음악과 예술음악의 경계를 허문 대표적 인물은 조지 거슈윈이다. 그의 《랩소디 인 블루》는 재즈의 어법을 교향악에 성공적으로 접목시킨 사례로, 미국 고유의 음악 스타일을 정립하는 데 기여했다. 엘리엇 카터는 복잡한 리듬 구조와 독창적인 음악 어법으로 '20세기의 혁신자'로 불리며 국제적인 명성을 얻었다. 한편, 레너드 번스타인은 작곡가이자 지휘자, 해설가로서 다양한 매체를 통해 클래식 음악의 대중화에 크게 기여했다.

20세기 러시아 현대 음악은 정치적 격변과 예술적 실험의 긴장 속에서 발전했다. 19세기 말부터 제1차 세계 대전까지의 시기는 이고리 스트라빈스키와 알렉산드르 스크랴빈과 같은 작곡가들이 두각을 나타냈다. 스트라빈스키는 디아길레프의 발레단을 위해 작곡한 《불새》, 《페트루시카》, 《봄의 제전》에서 원시적이고 파격적인 리듬과 화성을 선보이며 국제적인 명성을 얻었다. 스크랴빈은 독자적인 신비 화음을 바탕으로 한 신비주의적 작품 세계를 구축했다.

러시아 혁명 이후 소비에트 연방 시대에는 국가의 문화 정책이 음악 창작에 깊은 영향을 미쳤다. 1930년대 이오시프 스탈린 치하에서 공식적으로 채택된 사회주의 리얼리즘은 음악이 대중이 이해하기 쉽고 사회주의 이념을 고취하는 내용을 담아야 한다는 원칙을 내세웠다. 이로 인해 서양의 모더니즘과 같은 전위적인 실험은 억압받았고, 신고전주의적 경향이 두드러졌다. 세르게이 프로코피예프와 드미트리 쇼스타코비치는 이 시대를 대표하는 거장으로, 때로는 당국의 비판을 받으면서도 자신만의 음악어법을 고수하며 방대한 작품을 남겼다.

제2차 세계 대전 이후에도 쇼스타코비치는 여전히 중심 인물이었으며, 그의 교향곡과 현악 사중주는 내적 갈등과 사회적 압박을 담은 걸작으로 평가받는다. 한편, 소련 밖으로 망명한 스트라빈스키는 신고전주의를 거쳐 음렬주의 기법까지 받아들여 작품 세계를 지속적으로 확장했다. 소련 내에서는 아람 하차투리안과 드미트리 카발렙스키 등이 비교적 접근하기 쉬운 선율과 민족적 색채를 강조한 작품으로 명성을 얻었다.

폴란드와 헝가리를 중심으로 한 동유럽 지역의 현대 음악은 20세기 정치적 격변 속에서도 독자적인 발전을 이루었다. 제2차 세계 대전 이후 공산주의 정권 하에서 사회주의 리얼리즘이 강요되며 창작의 자유가 제한받기도 했으나, 1950년대 중반 이후 다양한 실험적 경향이 활발하게 전개되었다.

폴란드에서는 비톨트 루토스와프스키가 우연성 음악의 기법을 도입한 작품으로 국제적인 주목을 받았다. 크시슈토프 펜데레츠키는 현악기를 위한 《히로시마의 희생자들에게 바치는 애도곡》과 같은 작품에서 음괴, 미분음, 비전통적인 연주법을 활용한 강렬하고 새로운 음향을 창출해냈다. 이들의 활동은 전후 폴란드 음악을 세계 현대 음악의 전면에 부상시키는 계기가 되었다.

헝가리의 현대 음악은 벨러 버르토크와 졸탄 코다이가 수집한 민속 음악 자료를 토대로 한 민족적 어법에서 출발했다. 버르토크의 독창적인 리듬과 선법 활용은 후대에 지대한 영향을 미쳤다. 그의 뒤를 이어 죄르지 리게티는 음렬주의와 미니멀리즘을 넘어서는 복잡한 리듬 구조와 독특한 음색의 '음악적 미세구조'를 탐구하며 국제적인 명성을 얻었다.

이 지역의 다른 작곡가들도 주목할 만한 성과를 보였다. 폴란드의 헨리크 미코와이 고레츠키는 후기 작품에서 단순화된 언어와 종교적 정서를 결합한 신신비주의 경향을 보였으며, 카롤 시마노프스키는 초기에는 후기 낭만주의와 인상주의의 영향을 받았으나 폴란드 민속 음악, 특히 타트라 산악 지방의 음악에 깊이 천착하며 독자적인 양식을 정립했다.

라틴 아메리카의 현대 클래식 음악은 유럽의 주요 사조와 기법을 수용하면서도 각국의 풍부한 민속 음악 전통과 결합하여 독자적인 양식을 발전시켰다. 특히 멕시코, 브라질, 아르헨티나에서 두드러진 작곡가들이 등장하여 국제적인 주목을 받았다.

멕시코에서는 카를로스 차베스가 선구적인 역할을 했다. 그는 멕시코 원주민 음악의 리듬과 악기를 현대적 관현악법에 접목시켰으며, 타악기만을 위한 《토카타》와 같은 실험적인 작품을 남겼다. 실베스트레 레부엘타스는 짧은 생애 동안 강렬한 표현력과 민족적 색채가 담긴 관현악 작품을 썼다. 마누엘 폰세는 프랑스 인상주의의 영향을 받으면서도 멕시코의 서정성을 담은 가곡과 실내악으로 유명하다.

브라질에서는 에이토르 빌라로부스가 가장 중요한 작곡가로 꼽힌다. 그는 브라질 전역의 민요와 춤 리듬을 광범위하게 수집하여 자신의 음악어법에 녹여냈으며, 《브라질리아 환상곡》이나 《초로스》 시리즈와 같은 작품에서 독특한 관현악 색채를 창조했다. 그의 음악은 신고전주의적 명료함과 브라질의 생동감이 결합된 특징을 보인다.

아르헨티나에서는 알베르토 히나스테라가 현대 음악의 국제적 흐름과 남미의 정체성을 결합시켰다. 그의 작품 세계는 민족주의, 신표현주의, 음렬주의 등으로 구분되는 시기를 거치며 발전했다. 특히 후기 작품에서 그는 12음 기법과 복잡한 리듬 구조를 활용하면서도 아르헨티나의 대평원인 팜파스의 정서를 음악에 담아내는 데 성공했다.