페데리코 펠리니편집자 확인

페데리코 펠리니는 1920년 1월 20일, 이탈리아 북부 에밀리아로마냐주의 리미니에서 태어났다. 그의 아버지 우르바노 펠리니는 제과점을 운영하는 외판원이었고, 어머니 이달레나 바르비아니는 가정주부였다. 펠리니는 세 남매 중 장남이었으며, 형제로는 남동생 리카르도와 여동생 마달레나가 있었다.

그의 유년기는 비교적 안정적인 중산층 가정에서 보냈지만, 가족 내 관계는 복잡한 양상을 띠었다. 아버지 우르바노는 엄격하고 감정 표현이 절제된 인물로 묘사되는 반면, 어머니 이달레나는 감성적이고 애정 표현이 풍부했다. 이 대비되는 부모의 성격은 후일 펠리니의 작품에서 반복적으로 등장하는 인물 유형의 원형이 되었다. 특히 어머니의 영향은 그의 작품에 등장하는 강인하고 현실적인 여성상에 깊이 반영되었다.

청소년기 펠리니는 리미니의 제한된 환경에 강한 거부감을 느꼈다. 그는 지역 신문에 만화와 글을 기고하며 재능을 보였고, 서커스와 베리에테(연예) 공연에 깊은 매력을 느꼈다. 이러한 서커스와 연예인에 대한 열정은 그의 예술 세계의 핵심 모티프가 되었다. 1939년, 그는 법학 공부를 명목으로 로마로 떠났지만, 사실상 영화와 저널리즘의 세계에 뛰어들기 위한 결정이었다.

1939년, 펠리니는 고향 리미니를 떠나 수도 로마로 이주했다. 그는 공식적으로는 로마 대학의 법학과에 등록했으나, 실제로는 거의 수업에 참석하지 않았다. 이 시기 그의 주된 생계 수단이자 예술적 훈련장은 신문과 잡지에 만화와 풍자화를 그려 파는 것이었다.

그는 《마르코 아우렐리오》와 같은 잡지에 단편 만화를 기고했고, 특히 유머 잡지인 《420》에서 활동하며 두각을 나타냈다. 그의 만화는 당시 이탈리아 사회의 풍자와 일상의 해학을 담았으며, 이 경험은 이후 그의 영화에서 보여주는 시각적 유머와 캐릭터 창조에 깊은 영향을 미쳤다. 또한 그는 라디오 드라마와 가그맨 (익살극) 대본을 쓰는 일도 병행했다.

이 무렵 그는 신문 기자이자 각본가였던 로베르토 로셀리니를 만나게 되는데, 이 만남은 그의 인생과 경력에 결정적인 전환점이 되었다. 펠리니는 로셀리니의 대표작 《무방비 도시》 (1945)의 각본 작업에 참여하며 본격적으로 영화계에 발을 들여놓았다. 만화가와 각본가로서의 이 초기 경력은 펠리니 특유의, 현실과 환상이 교차하는 서사와 독특한 캐릭터들로 가득한 영화 세계의 기초를 닦았다.

페데리코 펠리니는 1943년 10월 30일 배우이자 극작가인 줄리에타 마시나와 결혼했다. 그들의 만남은 라디오 드라마 《치코와 팔리나》[1]의 대본을 펠리니가 쓰고 마시나가 출연하면서 이루어졌다. 이 결혼은 펠리니의 인생과 예술 세계에 지대한 영향을 미쳤으며, 마시나는 그의 다수의 작품에 출연하며 뮤즈이자 협력자 역할을 했다.

그들의 관계는 예술적 동반자 관계로도 유명했다. 펠리니는 마시나를 위해 《길》의 젤소미나, 《카비리아의 밤》의 카비리아 등 그의 가장 감동적이고 순수한 여성 캐릭터들을 창조했다. 그러나 펠리니의 외도와 특히 《달콤한 인생》 촬영 시절의 스캔들은 결혼 생활에 긴장을 가져왔다. 그럼에도 불구하고 둘은 평생 함께했으며, 마시나는 펠리니의 불안정한 예술가적 기질과 명성에 대한 부담을 견뎌내는 버팀목이 되었다.

페데리코 펠리니는 공식적으로는 자녀가 없었으나, 1945년 그의 친구인 작가 엔니오 플라이아노의 조카인 피에르루이지 피에트라니를 양자로 들였다. 그는 또한 영화 제작자와 배우, 예술가들과의 긴밀한 작업 관계를 통해 확장된 '가족'을 형성했으며, 이는 그의 영화 속에 반영되기도 했다. 그의 개인사는 예술적 영감의 원천이 되었고, 특히 《8 1/2》와 같은 작품에서 창작의 위기와 예술가의 내면 갈등을 탐구하는 데 중요한 소재를 제공했다.

페데리코 펠리니의 영화 감독 데뷔와 초기 경력은 이탈리아 네오리얼리즘 운동의 맥락 안에서 시작되었다. 그는 1945년 로베르토 로셀리니의 《로마, 열린 도시》의 각본에 참여하며 영화계에 첫발을 내디뎠다. 이 시기 펠리니는 로셀리니, 피에트로 제르미, 알베르토 라투아다 등 네오리얼리즘 거장들의 작품에 각본가 또는 조감독으로 참여하며 현실을 직시하는 영화 언어를 익혔다.

그러나 펠리니는 순수한 네오리얼리즘의 틀에 완전히 갇히지 않았다. 그의 첫 단독 연출작인 《백인의 추장》(1952)과 《빗자루맨의 사랑》(1953)은 가난한 서민의 삶을 다루면서도, 이미 내면의 환상과 풍자적인 터치를 가미하는 그의 독자적인 스타일의 싹을 보여주었다. 특히 《길》(1954)은 네오리얼리즘의 사회적 관심사를 유지하면서도, 서커스 단원들의 방랑하는 삶을 통해 인간 존재의 시적이고 우울한 초상을 그려내며 결정적인 성공을 거두었다. 이 작품은 펠리니가 외부 현실보다는 인물의 내적 정서와 상징적 세계에 점점 더 초점을 맞추게 되는 전환점이 되었다.

이 시기를 통해 펠리니는 네오리얼리즘이 제시한 사회적 사실주의의 토대 위에, 자신만의 몽환적이고 자전적인 서사와 화려한 시각적 스타일을 구축하기 시작했다. 따라서 그의 네오리얼리즘 시기는 단순히 한 흐름에 참여한 것이 아니라, 그로부터 출발하여 이를 변형하고 초월하는 독창적 예술 세계의 발판이 되었다.

1950년대 후반부터 1960년대 중반까지 펠리니의 작품 세계는 네오리얼리즘의 객관적 현실 재현에서 벗어나, 내면적이고 주관적인 현실을 탐구하는 독자적인 양식으로 진화했다. 이 시기를 가리키는 페리니즘이라는 용어는 그의 이름에서 파생된 것으로, 꿈과 기억, 환상과 현실이 경계 없이 뒤섞인 서사와 화려한 시각적 스타일을 특징으로 한다. 이 시기의 작품들은 사회적 비판보다는 개인의 정체성 위기, 창작의 고뇌, 현대 문명 속의 소외와 같은 주제를 깊이 있게 다루었다.

이러한 전환은 《카비리아의 밤》(1957)에서 시작되어 《달콤한 인생》(1960)과 《8 1/2》(1963)에서 정점에 달했다. 《달콤한 인생》은 로마의 사교계를 배경으로 물질주의와 허영에 빠진 사회의 공허함을 풍자했으며, 《8 1/2》는 창작의 막다른 골목에 선 한 감독의 자전적 고백을 통해 예술과 삶의 관계를 메타적으로 탐구했다. 이 작품들은 펠리니가 완전한 서사적 자유를 획득하고, 자신만의 독특한 영화 언어를 확립했음을 보여준다.

이 시기의 예술적 특징은 다음과 같이 정리할 수 있다.

페리니즘은 단순한 영화 스타일을 넘어 하나의 문화적 현상이 되었다. 그의 영화는 당대 이탈리아의 경제 부흥기(이탈리아의 경제 기적) 이후 나타난 사회적, 도덕적 변화를 날카롭게 포착했으며, 이를 통해 펠리니는 국제적으로 가장 영향력 있는 감독 중 한 명으로 자리매김했다.

1970년대 중반부터 1990년대 초반까지 펠리니는 이전의 성공 공식에서 벗어나 더욱 자유롭고 실험적인 작품 세계를 구축했다. 이 시기의 작품들은 종종 전통적인 서사 구조를 해체하고, 더욱 추상적이고 철학적인 주제를 탐구하는 특징을 보인다. 《카사노바》 (1976)는 역사적 인물을 다루지만, 차가운 세트와 기계적인 연출로 인간 감정의 소외를 표현했고, 《여성의 도시》 (1980)는 남성 중심 사회에 대한 풍자와 여성성에 대한 신비로운 탐구를 시도했다.

《그리고 배는 항해한다》 (1983)와 《진저와 프레드》 (1986)는 매체와 예술 자체에 대한 성찰을 담은 메타픽션적 성격이 강하다. 전자는 무성 영화 시대의 종말을 배경으로 한 우화를 통해 영화의 역사와 기억을 다뤘고, 후자는 텔레비전 문화의 피상성을 풍자하며 대중 오락의 본질을 질문했다. 이러한 작품들은 상업적 성공보다는 예술적 실험에 더 무게를 둔 것으로 평가받는다.

페데리코 펠리니의 마지막 작품은 《달의 목소리》 (1990)였다. 이 작품은 로마 교외를 배경으로 한 일련의 초현실적 에피소드로 구성되어, 텔레비전과 대중 매체가 지배하는 현대 사회의 단면을 몽환적으로 조명했다. 그의 미완성 유작인 《종의 목소리》는 죽음에 대한 고찰을 담은 작품으로 계획되었으나, 그의 사망으로 완성되지 못했다. 후기 작품들은 때로 난해하다는 평가를 받기도 했지만, 한 예술가가 끝까지 관습에 도전하고 새로운 표현을 모색한 증거로 여겨진다.

《길》은 페데리코 펠리니가 감독한 1954년 작품으로, 그의 네오리얼리즘 시기를 대표하며 국제적인 명성을 얻는 전환점이 된 영화이다. 줄거리는 순회 서커스단에 합류한 어리석지만 순수한 청년 젤소미나와 힘세고 거친 곡예사 잠파노의 관계를 중심으로 펼쳐진다. 두 인물의 만남, 동행, 그리고 비극적인 이별을 통해 인간 존재의 고독, 소통의 불가능성, 그리고 순수함과 잔혹함의 대비를 탐구한다.

주인공 젤소미나 역은 펠리니의 아내인 줄리에타 마시나가 맡아, 말없는 표정과 몸짓으로 깊은 감정을 전달하는 강렬한 연기를 선보였다. 이 연기는 영화의 감동을 견인하는 중심축이 되었다. 영화는 이탈리아 네오리얼리즘의 사회적 관심사를 이어받았지만, 이미 펠리니 특유의 시적이고 우화적인 스타일이 두드러지기 시작한 작품으로 평가된다. 서커스라는 소재와 변두리 배경은 현실과 환상, 비극과 희극이 공존하는 펠리니의 독자적인 세계관을 구축하는 데 중요한 토대를 제공했다.

《길》은 제15회 베네치아 국제 영화제에서 은사자상을 수상했으며, 1956년 아카데미 외국어 영화상을 수상하는 등 국제적으로 큰 호평을 받았다. 이 성공은 펠리니를 이탈리아를 넘어 세계적인 거장으로 부상시키는 계기가 되었다. 영화는 이후 펠리니의 작품 세계를 관통하는 주요 테마인 방황, 기억, 그리고 인간 조건에 대한 탐구의 서막을 알리는 작품으로 자리 잡았다.

《달콤한 인생》은 펠리니가 네오리얼리즘의 틀을 완전히 벗어나 자신만의 독창적인 세계관을 구축한 결정적 작품이다. 영화는 1960년대 로마의 상류 사회를 배경으로, 타블로이드 기자 마르첼로 루비니의 방황과 허무를 일주일 동안 따라간다.

서사는 명확한 플롯보다는 일련의 에피소드와 이미지의 연쇄로 구성된다. 마르첼로는 화려한 파티, 고급 클럽, 해변 별장을 전전하며 사회적 성공을 꿈꾸지만, 그 내면은 공허하고 방향을 잃은 상태이다. 영화는 그가 접하는 퇴폐적이고 허식적인 환경을 과장되고 때로는 그로테스크한 시선으로 포착한다. 특히 로마의 명소인 비아 베네토 거리의 야경과 귀족 성에서 벌어지는 화려한 파티 장면은 당시 이탈리아의 경제 부흥기인 이탈리아의 경제 기적 속의 정신적 공허를 상징적으로 드러낸다.

이 작품에서 펠리니는 니노 로타와의 협업을 통해 독특한 음악적 세계를 완성했다. 주제곡은 경쾌하면서도 애수적인 멜로디로 영화의 분위기를 압축한다. 시각적으로는 조명과 와이드스크린을 활용한 화려한 세트 디자인이 두드러지며, 이는 이후 그의 작품 세계의 시그니처가 된다.

《달콤한 인생》은 개봉 당시 노출 장면과 도덕적 해이함을 이유로 논란을 일으켰지만, 동시에 예술적 성취를 인정받아 칸 영화제에서 황금종려상을 수상했다. 이 영화는 펠리니의 창작에 있어 네오리얼리즘 시대의 종결과 완전한 페리니즘의 시작을 알리는 선언문이었다.

《8 1/2》는 펠리니의 가장 개인적이고 자전적인 작품으로 평가받는다. 영화는 창작의 위기에 빠진 중년의 영화 감독 구이도 안셀미가 스파에서 요양하며 다음 작품을 구상하지만, 점점 현실과 환상, 기억이 뒤섞인 내면의 혼란에 빠져드는 과정을 그린다. 제목은 당시까지 펠리니가 연출한 장편 영화 7편과 단편 1편(반편)을 합친 숫자에서 유래했으며, 이는 영화 자체가 그의 예술적 성찰과 위기를 다루고 있음을 암시한다[3].

영화는 선형적인 서사를 거부하고 주인공의 의식의 흐름을 따라 현실, 기억, 환상, 악몽이 자유롭게 오간다. 주요 등장인물들은 펠리니의 실제 삶에서 모티프를 얻었으며, 아내(루이사 역), 정부(카를라 역), 이상적인 여성(클로디아 카르디날레 역)을 포함한 여성들과의 복잡한 관계, 어린 시절의 성적 각성과 가톨릭 교육으로 인한 죄의식, 예술가로서의 압박과 공허함이 교차한다. 영화의 클라이맥스는 모든 등장인물이 참여하는 허구적인 영화 세트장의 대환희 장면으로, 삶과 예술의 화해를 상징적으로 표현한다.

《8 1/2》는 메타픽션의 선구적 작품으로, 영화 제작 과정 자체를 영화의 주제로 삼았다. 이는 이후 수많은 예술가들의 자전적 성찰 작품에 지대한 영향을 미쳤다. 니노 로타의 음악은 영화의 몽환적이고 유희적인 분위기를 한층 강화했다. 이 작품은 펠리니의 예술 세계의 정수를 보여주며, 그의 국제적 명성을 확고히 하는 동시에 현대 영화사에서 가장 중요한 실험적 작품 중 하나로 자리매김했다.

《로마》는 펠리니의 고향인 로마에 대한 일종의 사랑 고백이자, 도시의 변모하는 정체성을 탐구하는 작품이다. 이 영화는 전통적인 서사 구조를 따르기보다, 1970년대 로마의 다양한 풍경과 인물들을 통해 도시의 과거와 현재를 대조하는 에세이 영화의 형식을 취한다.

영화는 크게 두 개의 축으로 구성된다. 하나는 젊은 시절 고향에서 로마로 상경한 펠리니의 시점을 따르는 회상 장면들이고, 다른 하나는 당대 로마의 다양한 현장을 카메라가 취재하는 듯한 다큐멘터리적 장면들이다. 특히 지하철 공사 중 발견된 고대 로마 제국의 벽화 장면은 과거와 현재가 공존하는 도시의 층위를 강력하게 보여준다. 이 영화에서 로마는 신화적 과거, 파시스트 시대의 기억, 현대적 소음과 혼잡이 뒤섞인 살아있는 유기체로 그려진다.

《로마》는 펠리니의 가장 개인적이면서도 가장 도시적인 작품 중 하나로 평가된다. 화려한 세트 디자인과 군중 장면으로 유명한 감독이지만, 이 작품에서는 카메라를 거리로 직접 들고 나와 당시 로마의 일상적 풍경을 포착하려 했다. 교회의 패션 쇼, 번잡한 트라토리아, 교외의 소음 공해 같은 장면들은 도시의 생생한 호흡을 전달한다. 니노 로타의 음악은 화려한 선율보다는 도시의 다양한 소리와 조화를 이루는 배경 역할을 한다.

이 영화는 비평적으로 호불호가 갈렸지만, 펠리니의 필모그래피에서 중요한 전환점을 보여준다. 《로마》 이후 그의 작품 세계는 점점 더 내면적 회상과 사회적 관찰이 결합된 자전적 에세이의 형태로 흘러간다. 이 작품은 단순한 도시 찬사가 아니라, 빠르게 현대화되어 가는 도시에서 사라져가는 정체성과 기억에 대한 애도이자 기록으로 읽힌다.

《아마르코르드》는 펠리니의 고향인 리미니를 배경으로 한 반자서전적 작품이다. 1930년대 파시즘 치하의 이탈리아 지방 소도시를 무대로, 사춘기 소년 티타의 시선을 통해 성장, 욕망, 집단 기억, 그리고 시대적 풍경을 풍자와 향수 어린 시선으로 그려낸다. 영화 제목 '아마르코르드'는 리미니 방언으로 '기억한다' 또는 '회상한다'는 의미를 지닌다[4].

영화는 연대기적 서사를 따르기보다 계절의 변화와 함께 펼쳐지는 일련의 에피소드들로 구성된다. 봄의 포플러 솜털, 여름의 해변, 가을의 안개, 겨울의 축제 등 계절적 리듬은 시간의 흐름과 인물들의 정서를 자연스럽게 드러내는 장치로 작용한다. 등장인물들은 티타의 가족, 이웃, 학교 선생님, 미신에 사로잡힌 백작 부인, 유흥가의 여인 등 소도시 공동체의 다양한 얼굴들을 대표하며, 이들의 일상과 우스꽝스러운 행동을 통해 파시즘 시대의 허위의식과 소시민적 삶을 풍자한다.

페리니는 이 작품에서 네오리얼리즘의 객관적 기록 방식을 떠나 기억의 주관성과 환상을 적극적으로 수용한다. 거대한 여성의 흉상이 바다를 항해하는 환상적 장면, 안개 속에서 길을 잃은 경험 등은 현실과 꿈의 경계를 흐리는 전형적인 펠리니적 수사이다. 동시에 파시스트 행진, 검은 셔츠단의 위협, 학교에서의 이데올로기 주입 같은 장면들은 정치적 풍자로서의 날카로움을 유지한다.

《아마르코르드》는 펠리니의 작품 세계에서 하나의 종합이자 정점으로 평가받는다. 그의 초기 리얼리즘과 후기 몽환주의가 조화를 이루며, 개인적 기억과 집단적 역사, 코미디와 멜랑콜리가 공존하는 공간을 창조해냈다. 이 영화는 1975년 제47회 아카데미 시상식에서 아카데미 외국어 영화상을 수상하며 국제적인 찬사를 받았고, 펠리니의 고향에 대한 애정과 비판이 공존하는 그의 가장 따뜻하고 유머러스한 걸작으로 자리매김했다.

페데리코 펠리니의 서사 구조는 전통적인 선형 서사를 거부하고, 꿈, 기억, 환상, 현실이 자유롭게 교차하는 몽타주 기법을 통해 구축된다. 그의 영화들은 종종 명확한 시작과 끝을 갖지 않으며, 일련의 에피소드나 인상적인 이미지들이 유기적으로 연결되어 전체를 형성한다. 이러한 방식은 관객에게 단일한 해석을 강요하기보다, 다층적인 의미를 탐구할 수 있는 공간을 제공한다.

몽환성은 펠리니 영화의 핵심 미학으로, 특히 《8 1/2》와 《줄리엣과 영혼들》에서 극명하게 드러난다. 그는 현실과 비현실의 경계를 의도적으로 흐리게 하여, 등장인물의 내면 심리, 특히 무의식의 세계를 가시화한다. 꿈 장면은 단순한 환상이 아니라, 주인공의 갈망, 공포, 죄의식이 응축되어 표출되는 또 다른 현실로 기능한다.

이러한 서사적 혁신은 펠리니가 관찰한 현대인의 정신적 분열과 불안을 반영한다. 그의 영화 속 인물들은 종종 목적을 상실한 채, 과거의 기억이나 미래에 대한 공허한 환상 사이를 방황한다. 《길》에서의 순회 공연단이나 《달콤한 인생》의 마르첼로와 같은 인물들은 이러한 정신적 방황을 구체화한다. 펠리니는 논리적 인과관계보다는 정서적, 시각적 연관성에 따라 장면을 배열함으로써, 관객으로 하여금 영화를 '경험'하도록 유도한다.

결국 펠리니의 서사 구조와 몽환성은 영화를 단순한 이야기 전달 매체가 아니라, 인간 내면의 복잡한 풍경을 탐험하는 시각적 시(詩)로 승격시킨다. 이는 이후 수많은 작가주의 감독들에게 지대한 영향을 미치는 예술적 언어가 되었다.

페데리코 펠리니의 영화는 독특한 시각적 상징과 과장된 세트 디자인으로 유명하다. 그의 작품은 종종 현실과 환상, 기억과 상상의 경계를 넘나드는 풍경을 만들어냈다. 특히 대규모의 인공 세트를 활용하여 내면의 심리 상태나 사회적 풍자를 외부 공간으로 전환시키는 방식을 선호했다. 니노 로타의 음악과 결합된 이러한 시각적 요소는 펠리니 영화의 핵심적인 정체성을 형성했다.

그의 시각적 세계는 강렬한 대비와 기하학적 구성을 특징으로 한다. 《8 1/2》에서 주인공 기도의 꿈속 공간이나 《로마》에서 묘사된 환상적인 패션쇼 장면은 현실을 초월한 서사적 공간을 구축한다. 《달콤한 인생》의 초기 장면에서 성 베드로 대성당 위를 선회하는 헬리콥터로 운반된 예수상은 강력한 상징적 이미지를 제공한다. 이러한 이미지들은 단순한 배경이 아니라 영화 서사의 적극적인 참여자 역할을 한다.

세트 디자인에 있어 펠리니는 스튜디오 제작을 중시했으며, 실제 로케이션보다는 인공적으로 구축된 공간을 선호했다. 《아마르코르드》의 안개 속 항구나 《카비리아의 밤》의 화려한 나이트클럽 장면은 모두 세트장에서 제작되었다. 그는 거대하고 때로는 초현실적인 규모의 건축물을 통해 인물의 고립감이나 사회의 허위를 강조했다. 그의 협력자였던 미술 감독 다니엘로 도나티는 이러한 펠리니의 비전을 실현하는 데 중요한 역할을 했다.

페리니의 시각적 언어는 다음과 같은 몇 가지 반복되는 모티프를 포함한다.

이러한 시각적 선택은 관객으로 하여금 리얼리즘의 틀을 벗어나 감독의 내면 세계와 사회에 대한 주관적인 해석에 깊이 몰입하도록 유도했다. 그의 영화에서 세트는 단순한 배경이 아니라 하나의 캐릭터이자 철학적 선언이었다.

페데리코 펠리니의 영화 세계에서 음악은 서사와 분리할 수 없는 핵심 요소였다. 특히 작곡가 니노 로타와의 협업은 펠리니 영화의 정체성을 형성하는 데 결정적인 역할을 했다. 두 사람은 1952년 《백인의 추장》으로 시작하여 펠리니의 대표작 대부분을 함께 만들었으며, 로타는 펠리니가 사망하기 전까지 총 16편의 영화 음악을 작곡했다[5].

페리니의 몽환적이고 초현실적인 이미지에 로타의 음악은 감정적 토대와 리듬을 제공했다. 로타는 서정적인 멜로디와 함께 서커스 풍의 경쾌한 행진곡, 풍자적인 재즈, 고전적인 선율을 자유자재로 구사하며 펠리니 영화의 다층적인 분위기를 완성했다. 예를 들어, 《길》의 트럼펫 주제곡은 순수함과 비극을 동시에 전달했고, 《달콤한 인생》의 주제곡은 화려한 사교계의 허무함을 강조했다. 《8 1/2》에서는 현란한 서커스 음악이 주인공 구이도의 내적 혼란을 외화하는 데 기여했다.

이 협업의 특징은 음악이 단순한 배경이 아니라 영화 내부에서 서사와 직접 대화한다는 점이다. 펠리니는 종종 로타의 완성된 음악을 듣고 영상의 리듬과 편집을 조정하기도 했다. 로타의 음악은 펠리니의 고향 리미니에 대한 향수(《아마르코르드》), 로마에 대한 풍자적 애정(《로마》), 인간 내면의 환상과 기억(《줄리엣타의 영혼》)을 표현하는 가장 직접적이고 감성적인 통로였다. 이 유기적인 협력 관계는 영화사에서 감독과 작곡가의 결합이 어떤 예술적 시너지를 낳을 수 있는지 보여주는 전형이 되었다.

페데리코 펠리니의 작품 세계는 이탈리아 영화의 경계를 넘어 세계 영화사에 지울 수 없는 흔적을 남겼다. 그의 독창적인 시각 언어와 자전적이면서도 보편적인 서사는 동시대 및 후대의 수많은 감독들에게 창작의 영감과 모범을 제시했다. 특히 마르틴 스코세이지, 데이비드 린치, 우디 앨런, 페드로 알모도바르와 같은 거장들은 펠리니의 몽환적이고 초현실적인 미학, 그리고 내면 심리를 탐구하는 방식에서 큰 영향을 받았다고 밝힌 바 있다[6]. 그의 영향력은 유럽 예술 영화의 범주를 넘어 할리우드 메인스트림과 독립 영화, 나아가 뮤직 비디오와 광고 등의 영상 매체 전반에까지 미쳤다.

이탈리아 내에서 그의 유산은 특히 깊다. 펠리니는 네오리얼리즘의 엄격한 사회 비판적 틀에서 벗어나, 개인의 꿈, 기억, 환상, 공포를 정교한 영상으로 풀어낸 선구자였다. 이는 이탈리아 영화가 사회적 사실주의에서 더욱 주관적이고 시적인 표현으로 나아갈 수 있는 길을 열었다. 그의 성공은 이탈리아 영화가 국제적으로 주목받는 데 크게 기여했으며, 칸 영화제와 아카데미상 같은 국제 무대에서 이탈리아 영화의 위상을 공고히 하는 데 일조했다.

페리니즘(Fellinism)이라는 용어가 그의 독특한 예술 세계를 지칭하기 위해 만들어질 정도로, 그의 스타일은 하나의 문화적 현상이 되었다. 그의 영화에 등장하는 화려하고 기이한 캐릭터들, 예를 들어 《달콤한 인생》의 파파라치나 《8 1/2》의 광대 같은 인물들은 대중 문화의 아이콘이 되었으며, '펠리니풍의(Felliniesque)'라는 형용사는 그의 작품 특유의 화려하고 초현실적이며 약간 우스꽝스러운 분위기를 설명하는 데 널리 사용된다. 그의 영향력은 영화계를 넘어 문학, 연극, 회화 등 다른 예술 장르에도 지속적으로 확장되고 있다.

페데리코 펠리니는 생애 동안 수많은 주요 영화제와 기관으로부터 상을 수여받으며 그 예술적 공로를 인정받았다. 그의 작품은 여러 차례 아카데미상 후보에 올랐으며, 《길》, 《카비리아의 밤》, 《8 1/2》, 《아마르코르드》 등 네 편의 작품이 아카데미 국제영화상을 수상했다[7]. 이는 한 감독이 수상한 최다 기록이다. 또한 《8 1/2》는 각본상과 의상상 부문에서도 아카데미상을 받았다.

유럽의 주요 영화제에서도 그의 영향력은 두드러졌다. 펠리니는 칸 영화제에서 《달콤한 인생》으로 황금종려상을 수상했으며, 《8 1/2》로는 모스크바 국제영화제 그랑프리를 받았다. 특히 베네치아 국제 영화제와의 인연은 깊어서, 《젊은이의 양지》로 은사자상을, 《카비리아의 밤》으로 금사자상을 수상했고, 1974년과 1985년에는 각각 《아마르코르드》와 《진저와 프레드》로 은사자상을 추가로 받았다. 1985년에는 베네치아 영화제에서 평생공로상을 수여받았다.

1993년, 펠리니는 아카데미 명예상을 수상하며 평생에 걸친 영화 예술에 대한 탁월한 기여를 공식적으로 인정받았다. 이 외에도 그는 영국 아카데미 영화상(BAFTA), 세자르상, 골든 글로브상 등에서 주요 상을 받았다. 그의 이름을 딴 펠리니상은 유럽 영화 아카데미(EFA)가 매년 유럽 영화에 기여한 인물에게 수여하는 상으로, 그의 유산을 기리고 있다.