전통음악

민요는 민족적인 감정이나 기호를 자연발생적으로 멜로디로 표현한 구전 예술이다. 음악을 직업으로 하지 않는 일반 서민이 창작 주체가 되며, 대부분 작사자나 작곡자가 불명이다. 이는 민요가 특정 개인의 예술적 산물이라기보다 공동체의 생활과 감정에서 우러나와 집단적으로 다듬어지고 전승되기 때문이다. 따라서 민요는 악보에 기록되기보다는 입에서 입으로 전해지며, 전승 과정에서 가락과 사설이 변형되거나 지역별로 다양한 변이형이 생기기도 한다.

민요의 표현 특성은 국민적인 감정을 자연스럽게 반영한다는 점이다. 노랫가락에는 해당 민족의 모국어가 가진 고유한 악센트와 리듬이 깊이 반영되어, 언어와 음악이 불가분의 관계를 이룬다. 예를 들어, 활동적이고 활발한 민족성은 리듬이 분명한 노래를 낳는 반면, 우울한 정서를 가진 민족에게는 서정적인 노래가 발달하기도 한다. 이러한 특성 덕분에 민요는 한 민족의 정서와 문화적 정체성을 이해하는 중요한 창구가 된다.

민요는 그 내용과 기능에 따라 다양한 장르로 나뉜다. 일상의 노동을 다루는 노동요, 신앙과 의식을 위한 의식음악, 사랑이나 이별 같은 개인적 정서를 표현하는 가창 민요, 역사적 사건이나 인물을 담은 서사시적 성격의 것 등이 있다. 또한 아시아, 유럽, 아메리카 등 지역에 따라 독특한 음악적 색채와 주제를 지니고 있어, 세계 각지의 민요를 비교 연구하면 문화적 다양성을 엿볼 수 있다.

민요는 현대에도 대중음악, 영화 음악, 광고 등 다양한 매체에서 소재로 활용되며 지속적인 영향을 미치고 있다. 특히 포크 음악 부흥 운동에서는 전통 민요를 재해석하거나 현대화하는 시도가 활발히 이루어졌다. 이처럼 민요는 고정된 유산이 아닌, 시대와 함께 호흡하며 재창조되는 살아있는 음악 전통이다.

무용음악은 춤을 반주하거나 춤과 함께 연주되는 전통음악의 한 형태이다. 이 음악은 춤의 동작과 리듬, 분위기를 직접적으로 표현하고 강화하는 역할을 하며, 특정 춤의 형태와 긴밀하게 연결되어 발전해왔다. 전 세계 다양한 문화권에서 독특한 무용음악이 존재하며, 이는 종종 해당 지역의 사회적 의식, 축제, 또는 일상적인 여가 활동의 일부를 이루고 있다.

무용음악은 대개 강한 리듬과 반복적인 악구를 특징으로 한다. 장단과 박자가 매우 중요하며, 춤추는 사람들의 발걸음과 몸짓을 이끌어내는 구심점 역할을 한다. 사용되는 악기는 지역에 따라 다르지만, 타악기와 리듬 악기가 특히 두드러지게 활용되는 경우가 많다. 예를 들어, 스페인의 플라멩코에는 기타와 캐스터네츠, 손바닥치기가, 한국의 살풀이나 강강술래에는 장구와 북, 소리가 중요한 요소가 된다.

이러한 음악은 단순한 반주를 넘어서, 춤의 서사나 감정을 전달하는 매개체이기도 하다. 의식음악의 성격을 띤 춤, 예컨대 굿이나 샤머니즘 의식에서의 춤에 동반되는 음악은 영적인 세계와의 소통을 도우며, 축제나 경축 행사에서의 춤음악은 공동체의 기쁨과 단합을 표현한다. 따라서 무용음악은 해당 문화의 미학, 사회 구조, 신앙 체계를 이해하는 중요한 창구가 된다.

의식음악은 특정한 종교적 또는 사회적 의식, 제례, 축제와 결합되어 연주되는 전통음악의 한 형태이다. 이 음악은 단순한 예술적 표현을 넘어 의식의 필수적인 구성 요소로 기능하며, 의식의 진행을 돕고 신성한 공간을 조성하거나 참여자들의 집단적 정체성을 강화하는 역할을 한다. 불교 의식에서의 범패, 유교 제례에서의 아악, 또는 샤머니즘 의식에서의 굿 음악 등이 대표적인 예이다. 이러한 음악은 종종 특정한 악기 편성, 선율 구조, 연주 방식을 따르며, 구전을 통해 대대로 전승된다.

의식음악은 그 기능에 따라 크게 제의적 음악과 세속적 의식음악으로 구분될 수 있다. 제의적 음악은 신이나 조상과의 소통, 기원, 치병, 축복 등의 목적을 가지며, 무속 의식이나 종교 의례에서 발견된다. 반면, 세속적 의식음악은 결혼식, 장례식, 성년식, 농경 의식, 수확 축제 등 사회 공동체의 중요한 삶의 순간을 기념하고 규정하는 데 사용된다. 예를 들어, 한국의 농악은 마을 공동체의 결속과 농사철의 중요한 단계를 알리는 세시풍속과 깊이 연관되어 있다.

의식음악의 특징은 반복적 리듬, 특정 선법의 사용, 그리고 종종 트랜스 상태를 유도하는 단조로운 선율 진행에 있다. 악기 사용도 매우 특징적이며, 꽹과리, 징, 북과 같은 타악기나 피리, 대금 같은 관악기가 의식의 분위기를 고조시키는 데 중요한 역할을 한다. 이러한 음악은 악보보다는 구전과 실습을 통해 전승되며, 연주자들은 단순한 음악가가 아닌 의식 수행자로서의 지위를 가진다.

기악 독주곡은 가창 없이 단일 악기로 연주되는 전통 음악의 한 형태이다. 이는 연주자의 개인적 기량과 악기의 고유한 음색을 최대한 부각시켜, 민족적 정서나 철학적 사상을 순수한 멜로디와 리듬으로 표현한다는 특징을 지닌다. 구전에 의해 전승되며, 대부분 작곡가가 불명인 경우가 많다. 이러한 독주곡은 종종 민요나 의식음악에서 유래된 선율을 바탕으로 하여, 오랜 시간에 걸쳐 정제되고 세련된 형태로 발전해 왔다.

세계 각지의 전통 음악에는 해당 문화권을 대표하는 독주 레퍼토리가 풍부하게 존재한다. 예를 들어, 동아시아에서는 거문고나 가야금 같은 현악기를 이용한 독주곡이, 중앙아시아에서는 돔브라나 탄부르의 연주가 발달했다. 인도의 시타르나 라바브, 중동의 우드나 카눈 또한 깊은 역사를 가진 독주 악기들이다. 유럽의 켈트 하프나 발칸 반도의 가슬라, 아프리카의 코라나 발라폰 연주 역시 이 범주에 속한다.

기악 독주곡의 연주는 단순히 악보에 기재된 음을 재현하는 것을 넘어, 즉흥적 요소와 장식음이 크게 개입된다. 이는 연주자가 매 순간마다 곡을 재창조하는 과정으로, 전승 방식이 악보에 의존하기보다 구술과 시범에 의한 사제관계를 중심으로 이루어지는 이유이기도 하다. 따라서 같은 곡이라도 연주자나 지역, 시대에 따라 세부적인 표현에서 뚜렷한 차이를 보인다.

이러한 독주 전통은 현대에 이르러 클래식 음악의 레퍼토리로 편입되거나, 크로스오버 협연의 소재로 활발히 활용되며 새로운 생명력을 얻고 있다. 전통 기악 독주곡은 해당 문화의 정체성을 담은 소중한 유산이자, 세계 음악의 다양성을 보여주는 핵심 요소로 자리 잡고 있다.

관현악은 여러 종류의 악기들이 함께 어우러져 연주하는 음악 형태이다. 전통음악에서 관현악은 종종 궁중 음악, 의식 음악, 또는 민속 무용의 반주로 발전했다. 서양의 교향악단과는 달리, 많은 문화권의 전통 관현악은 그 지역 특유의 악기 편성과 연주법을 가지고 있으며, 이는 각 사회의 미적 감각과 사회적 기능을 반영한다. 예를 들어, 인도네시아의 가믈란 악단은 금속 타악기와 현악기로 구성되어 복잡한 리듬과 선율을 만들어내며, 일본의 가가쿠 악대는 궁중 의식에서 사용되는 정교한 편성과 연주 형식을 갖추고 있다.

전통 관현악의 악기 편성은 크게 현악기, 관악기, 타악기로 구분할 수 있으며, 지역에 따라 특정 악기가 중심을 이룬다. 동아시아에서는 거문고, 가야금과 같은 현악기와 대금, 피리 같은 관악기가 조화를 이루는 반면, 동남아시아에서는 공후나 다양한 형태의 징과 꽹과리 같은 타악기가 두드러진다. 이러한 악기들은 단독으로 연주될 때와는 다른 풍부한 음향과 집단적 합주 효과를 창출한다.

많은 전통 관현악은 구전과 악보를 병행하여 전승되며, 연주자들 간의 암묵적인 약속과 즉흥 연주의 요소가 포함되기도 한다. 공연은 종종 특정 계절이나 의식, 축제와 결부되어 사회적 결속과 문화적 정체성을 강화하는 역할을 한다. 현대에 들어서는 이러한 전통 관현악이 새로운 작품 창작의 소재가 되거나, 서양 음악의 편성과 결합하여 현대적 변용을 이루는 경우도 많다.

동아시아 지역의 전통음악은 중국, 한국, 일본, 몽골 등에서 독특하게 발전해왔다. 이 지역의 음악은 대체로 유교와 불교 사상의 영향을 깊이 받았으며, 자연과 조화를 중시하는 철학적 배경이 음악적 표현에 반영되는 경우가 많다. 특히 궁정이나 종교 의식에서 연주되는 정악(正樂)과 서민들 사이에서 구전되던 속악(俗樂)이 공존하며 발전해왔다. 악기 측면에서는 거문고, 가야금, 쟁, 피리와 같은 현악기와 관악기가 풍부하게 사용되었으며, 장구, 북과 같은 타악기도 리듬을 구성하는 중요한 요소로 자리 잡았다.

한국의 전통음악은 크게 정악과 민속악으로 나눌 수 있다. 정악에는 종묘제례악과 같은 궁중 의식음악과 산조, 가곡 같은 기악 독주곡과 성악곡이 포함된다. 민속악에는 각 지역의 민요, 판소리, 산조 등이 있으며, 특히 판소리는 이야기를 노래와 말, 몸짓으로 표현하는 독특한 예술 형식이다. 이러한 음악들은 대부분 구전 방식으로 전승되어 왔으며, 작사자나 작곡자가 분명하지 않은 경우가 대부분이다.

중국의 전통음악은 광활한 영토와 다양한 민족 구성에 따라 그 종류가 매우 다양하다. 한족 음악으로는 고전적인 궁정음악과 함께 곤곡과 같은 극음악이 발달했으며, 이민족 음악으로는 몽골의 후미와 티베트 불교의 의식음악 등이 유명하다. 중국 음악에서는 정(箏), 피파, 얼후 등의 악기가 두드러지게 사용된다.

일본의 전통음악은 노(能), 가부키 등의 전통 공연 예술과 깊이 연관되어 있다. 가가쿠는 궁중 의식음악으로, 한국과 중국의 아악의 영향을 받아 발전했으며, 매우 느리고 장엄한 템포가 특징이다. 한편, 샤미센을 반주 악기로 사용하는 민요와 민속악도 활발히 전승되고 있다. 몽골의 전통음악은 유목 생활과 밀접한 관련이 있으며, 후미라고 불리는 독특한 목소리 기법은 자연의 소리를 모방한 것으로 알려져 있다.

동남아시아의 전통음악은 열대 우림과 섬나라, 다양한 민족과 종교가 공존하는 지역의 풍부한 문화적 배경을 반영하며 매우 다양하고 복합적인 양상을 보인다. 이 지역의 음악은 대체로 가믈란 앙상블과 같은 금속 타악기 중심의 관현악, 전통 춤과 밀접하게 결합된 극음악, 그리고 구전으로 전승되는 서민들의 민요가 주요한 형태를 이룬다. 특히 인도네시아의 자바섬과 발리섬, 태국, 캄보디아, 미얀마 등지에서는 궁정 의식과 힌두교 및 불교 의식에 뿌리를 둔 정교한 예술음악이 발달했다.

가믈란은 동남아시아 전통음악을 대표하는 악기군으로, 청동으로 만든 공금, 징, 고대 등 다양한 타악기로 구성된다. 이 음악은 사이클릭 리듬과 슬렌드로, 펠로그라는 독특한 음계 체계를 바탕으로 하며, 합주를 통해 복잡하면서도 조화로운 소리를 만들어낸다. 태국과 캄보디아의 관현악인 피팟 앙상블 역시 가믈란과 유사한 금속 타악기를 사용하지만, 오보에에 가까운 피나 리드 오르간과 같은 관악기가 선율을 주도하는 점이 특징이다.

한편, 필리핀, 베트남, 라오스 등의 음악은 중국 음악의 영향이 상대적으로 더 두드러지며, 단소, 현악기, 다양한 북류가 많이 사용된다. 특히 필리핀의 전통 음악에는 스페인 식민 지배의 흔적이 남아 기타와 같은 서양 악기가 자연스럽게 융합되기도 했다. 지역에 따라 산악 지대나 외딴 섬의 소수민족 집단에서는 입으로 부는 현악기나 바구니 같은 독특한 재료의 악기를 사용하는 원시적인 형태의 음악이 보존되어 있기도 하다. 이러한 음악들은 대부분 구전 전승되며, 지역 사회의 의식, 노동, 일상 생활과 깊이 연관되어 있다.

남아시아 지역의 전통음악은 인도 아대륙을 중심으로 한 방대하고 복잡한 음악 전통을 포함한다. 이 지역의 음악은 종교, 철학, 그리고 사회적 계층 구조와 깊이 연관되어 있으며, 특히 인도의 클래식 음악 체계가 그 중심을 이룬다. 인도의 클래식 음악은 크게 북인도의 힌두스타니 음악과 남인도의 카르나틱 음악으로 나뉘며, 각각 독특한 이론, 연주 방식, 레퍼토리를 발전시켜 왔다. 이러한 예술 음악 외에도, 각 지역과 공동체마다 수많은 민속 음악과 민요가 풍부하게 전승되고 있다.

남아시아 전통음악의 핵심은 라가와 탈라라는 개념에 기반한다. 라가는 멜로디의 골격을 이루는 음계 체계이자 특정한 분위기와 시간대를 지닌 선율 유형이다. 탈라는 리듬의 순환적 구조를 의미하며, 복잡한 리듬 패턴을 조직한다. 이러한 이론적 틀 안에서 시타르, 타블라, 사로드, 비나 같은 다양한 악기들이 사용된다. 음악은 종종 종교 의식, 결혼식, 농업 행사 등 삶의 다양한 측면과 밀접하게 결합되어 공연된다.

파키스탄과 방글라데시의 음악도 인도 음악 전통과 많은 부분을 공유하면서도 독자적인 색채를 띤다. 파키스탄의 카와리와 가잘 같은 성악 형식은 수피즘의 신비주의 철학과 깊은 연관이 있다. 네팔, 스리랑카, 부탄 등의 국가들도 각자의 지리적, 문화적 환경에서 형성된 독특한 민속 음악 전통을 지니고 있으며, 이는 지역의 축제와 일상생활 속에서 살아 숨 쉬고 있다.

중앙아시아의 전통음악은 유목 생활과 실크로드를 통한 문화 교류의 깊은 역사를 반영하며, 튀르크계와 몽골계 민족의 독특한 음악 전통이 발달해 왔다. 이 지역의 음악은 광활한 초원과 사막의 자연 환경, 그리고 이슬람교 수용 이후의 종교적 영향이 복합적으로 작용하여 형성되었다. 마두나 도시라 같은 서사시의 구전 전통이 강하며, 음유시인인 아킨이나 바흐시가 돔브라나 코무즈 같은 전통 악기를 연주하며 서사시와 민요를 전승하는 역할을 해왔다.

주요 특징으로는 목가음악과 서사음악이 두드러지며, 호메이라고 불리는 후두창 기법이 유명하다. 이는 한 명의 연주자가 동시에 낮은 피조음과 높은 선율을 내는 독특한 창법으로, 몽골과 투바 공화국, 알타이 지역에서 특히 발달했다. 민요는 주로 일상 생활, 사랑, 자연 찬미, 역사적 사건을 주제로 하며, 유목민의 삶과 정신을 잘 보여준다.

중앙아시아는 다양한 국가와 민족으로 구성되어 있어 지역별로 음악적 색채가 뚜렷하다. 카자흐스탄과 키르기스스탄에서는 쿠이라고 불리는 기악 독주곡이, 우즈베키스탄과 타지키스탄에서는 마콜이라 불리는 정교한 성악 모음곡이 발달했다. 투르크메니스탄의 음악은 전통적으로 바흐시에 의한 서사 전승과 깊이 연관되어 있다. 이 지역의 음악은 소련 시대를 거치며 공식화되고 체계화되는 과정을 겪었으며, 현대에 들어서는 월드뮤직 장르에서 그 독창성을 인정받고 있다.

서아시아와 중동 지역의 전통음악은 고대 문명의 발상지로서 풍부한 역사적 층위와 다양한 민족·종교적 배경을 반영한다. 이 지역의 음악은 주로 구전으로 전승되며, 대부분 작사자나 작곡자가 불명인 경우가 많다. 지역의 모국어 악센트와 리듬이 노랫가락에 자연스럽게 반영되어, 국민적 감정을 표현하는 매개체 역할을 해왔다.

이 지역의 전통음악은 크게 아랍 음악, 터키 음악, 페르시아 음악 등으로 구분할 수 있으며, 공통적으로 마카음이라 불리는 독특한 선법 체계를 중요한 기반으로 삼는다. 악기로는 우드(류트), 카눈(치터), 네이(플룻), 다양한 형태의 프레임 드럼 등이 널리 사용된다. 음악은 종종 시 낭송, 종교 의식, 그리고 사회적 모임과 깊이 연관되어 있다.

특히 수피즘 의식에서의 음악과 춤은 중요한 영적 표현 수단으로 자리 잡았으며, 터키의 메블레비 교단의 선회 의식이 대표적이다. 한편, 페르시아의 전통 음악은 정교한 이론 체계와 즉흥 연주의 미학으로 유명하다. 이처럼 서아시아와 중동의 전통음악은 고도의 정신성과 예술성을 동시에 지니고 있으며, 현대에 이르러서도 세계 음악 장르에 지속적인 영향을 미치고 있다.

유럽의 전통음악은 각 지역의 역사, 언어, 생활 양식에 따라 매우 다양한 형태로 발달했다. 서부 유럽에서는 켈트족의 전통이 강한 스코틀랜드와 아일랜드에서 독특한 포크 음악이 발달했으며, 잉글랜드의 민요는 상대적으로 귀족적인 클래식 음악의 영향 아래에 있다. 이탈리아의 민요는 특히 나폴리를 중심으로 한 남부 지방에서 풍부하며, 스페인의 민요는 춤곡과 밀접하게 연관되어 호타나 플라멩코와 같은 리듬감 넘치는 형태를 띤다. 프랑스의 민요는 언어의 특성상 미묘한 뉘앙스를 지니며, 독일의 민요는 합창 전통과 결합되어 구성이 견고하고 소박한 특징을 보인다.

중앙 및 동부 유럽의 전통음악은 민족적 이동과 혼합의 역사를 반영한다. 헝가리의 민요는 바르토크 벨러와 코다이 졸탄에 의해 체계적으로 수집되어 현대 음악에 큰 영향을 미쳤다. 러시아의 전통음악은 광활한 영토와 다양한 민족을 배경으로 하여, 볼가강의 뱃노래와 같이 우울하고 힘찬 정서가 특징이다. 체코와 오스트리아 같은 지역에서는 예술 음악이 매우 발달했으나, 순수 민요의 전통은 상대적으로 약한 편이다.

북유럽 국가들의 전통음악은 자연 환경과 깊은 연관을 가진다. 노르웨이와 핀란드의 민요에는 그레고리오 성가의 선법 영향이 나타나기도 하며, 어두우면서도 중후한 분위기가 감돈다. 스위스의 알프스 산악 지방에서는 요들이라는 독특한 발성법이 발달했다. 이러한 유럽 각지의 전통음악은 대부분 구전에 의해 전승되었으며, 지역의 모국어 악센트와 리듬이 선율에 자연스럽게 반영되어 민족적 정체성을 드러낸다.

아프리카의 전통음악은 대륙의 광활한 면적과 수많은 민족, 언어, 문화적 다양성을 반영하여 매우 풍부하고 복합적인 양상을 보인다. 이 음악은 주로 구전으로 전승되며, 음악을 직업으로 삼지 않는 서민들에 의해 창작되고 발전해 왔다. 대부분의 경우 작사자나 작곡자가 명확하지 않으며, 각 지역의 모국어와 그 고유의 악센트 및 리듬이 노랫가락에 자연스럽게 반영되어 국민적 감정을 표현한다.

아프리카 전통음악의 가장 두드러진 특징은 복잡한 리듬과 타악기의 광범위한 사용이다. 폴리리듬과 콜 앤 리스폰스 형식이 널리 퍼져 있으며, 드럼, 실로폰, 마림바, 라멜라폰 같은 다양한 타악기와 코라 같은 현악기가 중요한 역할을 한다. 음악은 종종 의식, 축제, 노동, 구전 역사 전달 등 사회 생활의 다양한 측면과 긴밀하게 결합되어 있다.

지역에 따라 음악적 특성이 뚜렷이 구분되는데, 예를 들어 서아프리카의 그리오 전통은 역사와 족보를 노래하는 전문 음악가들에 의해 유지되며, 코라 연주가 발달했다. 반면 중앙아프리카의 피그미족 음악은 복잡한 폴리포니와 자연을 소재로 한 것이 특징이다. 남아프리카는 이소카타미아와 같은 화성적 특징을 지닌 합창 음악으로 유명하다.

이러한 전통음악은 아프리카 계 미국인 음악을 비롯해 블루스, 재즈, 록, 레게 등 전 세계 대중음악에 지대한 영향을 미쳤다. 오늘날에도 많은 지역에서 전통 양식이 살아있으며, 동시에 현대적인 아프리카 팝 음악과 결합하여 새로운 형태로 진화하고 있다.

아메리카 대륙의 전통음악은 원주민 음악과 유럽, 아프리카 등에서 이주해 온 다양한 민족의 음악이 혼합되어 독특한 양상으로 발전했다. 북아메리카와 라틴아메리카로 크게 구분되며, 지역과 민족 집단에 따라 그 특성이 뚜렷하게 다르다.

북아메리카에서는 미국과 캐나다의 전통음악이 두드러진다. 미국의 경우, 아메리카 원주민의 토착 음악, 아프리카에서 강제 이주된 흑인들의 영가와 워크 송, 그리고 영국 및 아일랜드 등 유럽 이민자들이 가져온 발라드와 춤곡이 복합적으로 영향을 미쳤다. 특히 애팔래치아 산악 지방에서는 밴조와 피들을 사용한 컨트리 음악의 근간이 되는 민요가 보존되었으며, 카우보이들의 작업 노래도 독자적인 장르를 형성했다. 캐나다에서는 퀘벡 지역의 프랑스계 민요와 켈트 음악의 영향이 강한 애틀랜틱 캐나다 지역의 음악이 유명하다.

라틴아메리카의 전통음악은 스페인과 포르투갈의 식민 지배와 아프리카 노예 무역의 깊은 영향을 받아 매우 다채롭다. 멕시코의 마리아치는 바이올린과 트럼펫, 다양한 기타류를 사용하는 활기찬 앙상블 음악으로 유명하다. 쿠바에서는 아프리카 리듬과 스페인 멜로디가 결합된 손과 룸바가, 아르헨티나와 우루과이에서는 탱고가 발전했다. 브라질의 삼바와 보사노바 역시 아프리카 리듬이 근간을 이룬 대표적인 음악 장르다. 안데스 산맥 지역(페루, 볼리비아, 에콰도르 등)에서는 케나 플루트와 차랑고 등의 악기를 사용하는 선율 위주의 음악이 발달했다.

이처럼 아메리카의 전통음악은 대륙 고유의 토착 문화와 이주민들의 문화가 오랜 시간 동안 융합된 결과물이며, 이 과정에서 새로운 악기, 리듬, 연주 형식이 끊임없이 창조되었다. 이 음악들은 주로 구전으로 전승되었으며, 지역 사회의 의식, 노동, 여가, 저항의 수단으로서 기능해왔다.

오세아니아 지역의 전통음악은 오스트레일리아와 뉴질랜드를 비롯한 태평양의 수많은 섬나라들에서 발달한 독특한 음악 전통을 포괄한다. 이 지역의 음악은 대부분 구전으로 전승되며, 지역 공동체의 생활, 신화, 자연 환경과 깊이 연관되어 있다. 악기보다는 인간의 목소리를 중심으로 한 노래와 율동이 두드러지며, 특히 폴리네시아와 멜라네시아, 미크로네시아의 섬들에서는 다성부 합창과 복잡한 리듬 패턴이 특징이다.

오스트레일리아 원주민인 애버리지니의 음악은 세계에서 가장 오래된 살아있는 음악 전통 중 하나로 평가받는다. 그들의 음악은 디저리두라는 독특한 목관악기의 울림과 함께, 조상과 자연계를 연결하는 '꿈의 시간' 이야기를 노래하는 데 중점을 둔다. 반면, 뉴질랜드의 마오리족은 전쟁의 춤인 하카와 함께 불리는 강력한 합창 음악으로 유명하다. 태평양 제도에서는 우크렐레와 같은 현악기와 다양한 타악기가 사용되며, 사회적 모임과 의식에서 음악과 춤이 필수적인 요소를 이룬다.