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Yes는 1968년 런던에서 결성된 영국의 프로그레시브 록 밴드이다. 초기 멤버는 보컬리스트 존 앤더슨, 베이시스트 크리스 스콰이어, 기타리스트 피터 뱅크스, 키보디스트 토니 케이, 드러머 빌 브루포드로 구성되었다. 이들은 더 신, 트래픽과 같은 당시의 인기 밴드의 백 밴드로 활동하던 음악인들이 모여 창단했다. 밴드 이름은 기타리스트 피터 뱅크스의 제안으로 채택되었으며, 간결하면서도 긍정적인 느낌을 주는 단어를 선택했다는 설이 유력하다.

결성 직후, 그들은 런던의 마퀴 클럽과 같은 유명 클럽에서 정기적으로 공연을 시작했다. 1969년, 애틀랜틱 레코드와 계약을 체결하고 데뷔 싱글 "Sweetness"를 발매했다. 같은 해 7월, 첫 정규 앨범 《Yes》를 발표했다. 이 데뷔 앨범은 주로 도어스나 비틀즈의 곡을 커버한 트랙이 포함되어 있었고, 원작 재해석에 중점을 둔 편곡으로 주목을 받았다. 그러나 아직 그들만의 독창적인 사운드를 완전히 구축하지는 못한 상태였다.

초기 라인업은 불안정했으며, 1970년 첫 앨범 발매 후 기타리스트 피터 뱅크스가 탈퇴했다. 그는 스티브 하우로 교체되었고, 이 변화는 밴드의 음악적 발전에 결정적인 전환점이 되었다. 또한 키보디스트 토니 케이도 얼마 지나지 않아 밴드를 떠났고, 그의 자리는 리크 웨이크먼이 차지하게 되었다. 이 새로운 라인업(앤더슨, 스콰이어, 하우, 웨이크먼, 브루포드)을 통해 Yes는 본격적으로 복잡하고 교향악적인 프로그레시브 록의 길로 접어들게 된다.

1970년대 초반부터 중반까지가 Yes의 전성기로, 이 시기 발매된 네 장의 정규 앨범은 프로그레시브 록의 정점을 보여주는 걸작으로 평가받는다. 1971년의 *Fragile* 앨범은 릭 웨이크먼의 합류로 음악적 스펙트럼이 크게 확장되었고, 대표곡 "Roundabout"을 통해 첫 번째 미국 톱 10 싱글을 기록하며 상업적 성공의 문을 열었다. 이 앨범은 각 멤버의 솔로 퍼포먼스를 담은 짧은 트랙과 밴드가 함께 연주한 긴 곡을 조화시킨 구성이 특징이었다.

전성기의 정점은 1972년 발매된 *Close to the Edge* 앨범이었다. 전체 3트랙만으로 구성된 이 앨범은, 특히 18분이 넘는 동명의 타이틀곡 "Close to the Edge"를 통해 서사시적 규모와 정교한 구조, 기술적 완성도를 극한까지 끌어올렸다. 이 앨범은 비평적 찬사와 함께 영국 앨범 차트 4위, 미국 3위에 오르는 성과를 거두었다. 이어 1973년과 1974년에 발매된 *Tales from Topographic Oceans*와 *Relayer*는 밴드의 실험 정신을 이어갔다.

이 시기 Yes는 라이브 공연에서도 정교한 무대 세트와 완벽에 가까운 연주 실력을 선보이며 최고의 인기를 구가했다. 특히 *Close to the Edge* 앨범의 성공은 밴드를 세계적인 헤드라이너 반열에 올려놓았고, 프로그레시브 록 장르의 대표주자로서의 위치를 확고히 했다.

1970년대 후반, Yes는 음악적 방향성과 멤버 교체라는 도전에 직면했다. 1978년 발매된 《Tormato》는 일부 실험적인 요소를 담았으나, 이전 앨범들의 상업적 성공과 비평적 호응을 따라가지 못했다. 이 시기 밴드 내부에는 창의적 고갈과 음악적 견해 차이로 인한 갈등이 존재했다. 이러한 불안정한 상황 속에서, 키보디스트 릭 웨이크먼이 1979년 두 번째로 탈퇴하게 된다.

1980년, Yes는 음악 산업의 변화에 발맞추어 큰 변혁을 시도했다. 트레버 혼과 제프 다운스라는 두 명의 새로운 멤버를 영입하고, 밴드 이름을 Cinema로 잠정 변경하기도 했다. 그러나 최종적으로는 Yes라는 이름을 유지한 채, 1980년 앨범 《Drama》를 발매했다. 이 앨범은 프로그레시브 록보다는 더 직설적인 하드 록과 뉴 웨이브의 영향을 보여주었고, 기존 팬층으로부터 엇갈린 반응을 얻었다. 《Drama》 투어 이후, 밴드는 사실상 활동을 중단한 상태에 이르렀다.

1980년대 중반, Yes는 가장 상업적으로 성공한 시기를 맞이한다. 1983년, 트레버 래빈이 주도한 90125 앨범 작업에 존 앤더슨과 크리스 스콰이어, 토니 케이, 앨런 화이트가 합류하면서 밴드는 재결성되었다. 싱글 〈Owner of a Lonely Heart〉는 빌보드 핫 100 차트 1위를 기록하며 밴드 역사상 가장 큰 히트를 쳤고, 앨범 《90125》는 플래티넘을 기록했다. 이 시기의 사운드는 당시 유행하던 신스팝과 강한 팝 록 요소를 융합한 형태였다. 1987년 앨범 《Big Generator》도 상업적 성공을 거두었으나, 내부적 마찰이 다시 표면화되기 시작했다.

1990년대와 2000년대는 지속적인 멤버 변화와 법적 분쟁의 시기였다. 1988년 존 앤더슨이 탈퇴하고 ABWH[1]를 결성하는 등 파편화 현상이 발생했다. 이후 1991년 《Union》 앨범을 통해 두 파벌이 합류해 8인조 체제로 활동하기도 했으나, 이는 일시적이었다. 1990년대 중후반부터는 존 앤더슨, 스티브 하우, 크리스 스콰이어, 앨런 화이트를 중심으로 한 라인업이 《Talk》(1994), 《Keys to Ascension》(1996-1997), 《The Ladder》(1999) 등의 앨범을 발표하며 활동을 이어갔다. 2000년대에는 《Magnification》(2001)을 마지막으로 정규 앨범 발매가 중단되었고, 주로 라이브 공연 위주의 활동이 지속되었다.

2010년대에 접어들며 창립 멤버들의 건강 문제와 탈퇴가 이어졌다. 2015년, 창립 멤버이자 밴드의 상징적인 베이시스트 크리스 스콰이어가 사망했다. 이는 밴드에 커다란 타격이었다. 이후 보컬리스트 존 앤더슨도 건강상의 이유로 투어에 참여하지 못하게 되었다. 2017년, Yes는 로큰롤 명예의 전당에 헌액되는 영예를 안았으나, 이 시점의 밴드는 오랜 역사 동안 수많은 멤버 변화를 겪은 상태였다. 2021년과 2022년, 드러머 앨런 화이트와 기타리스트 스티브 하우가 차례로 탈퇴를 선언했다. 결국 2023년, 남아 있는 멤버들이 밴드의 해체를 공식 발표하며, 55년에 걸친 Yes의 활동은 막을 내리게 되었다.

Yes의 음악은 프로그레시브 록 장르의 정수로 평가받으며, 특히 1970년대 초중반의 작품에서 그 특징이 두드러진다. 이 시기의 음악은 록의 기본 프레임을 넘어 클래식 음악의 구조와 재즈의 즉흥성을 도입하여 대규모의 서사적 구성을 추구했다. 단순한 3분짜리 팝 곡 대신, 20분이 넘는 대곡을 하나의 앨범 사이드 전체에 배치하는 방식을 채택했으며, 이는 당시 LP 레코드 매체의 물리적 한계를 음악적 표현의 도구로 전환한 사례였다.

그들의 프로그레시브 록적 접근은 복잡한 리듬 변화, 확장된 화성 진행, 그리고 각 멤버의 뛰어난 기량을 극대화하는 데 중점을 두었다. 스티브 하우의 세련된 기타 연주와 릭 웨이크먼의 화려한 신시사이저 및 멜로트론 운용은 신화나 과학 소설을 소재로 한 음악적 여정에 풍부한 색채를 더했다. 특히 웨이크먼은 바흐의 영향을 받은 퓨전적인 키보드 연주로 밴드 사운드의 중추적 역할을 담당했다.

이들의 곡 구성은 전형적인 밴드 형태를 넘어, 오케스트라의 악장(樂章) 구분을 연상시키는 여러 개의 명확한 섹션으로 나뉘었다. 한 곡 안에서도 서정적인 발라드 부분, 강렬한 록 연주, 복잡한 기악 퍼포먼스, 그리고 서정적인 코러스가 유기적으로 연결되었다. 이러한 구조는 청자에게 단순한 듣기가 아닌, 하나의 음악적 드라마를 경험하도록 유도했다.

Yes의 음악은 전통적인 록 음악의 틀을 뛰어넘는 복잡한 구성과 각 멤버의 탁월한 연주 기법이 결합된 형태를 보여준다. 이들의 곡은 단순한 A-B-A 형식을 따르기보다는 여러 개의 테마와 변주, 그리고 종종 대위법적 요소가 결합된 확장된 소나타 형식에 가깝다. 예를 들어, 1972년 발매된 앨범 Close to the Edge의 동명 타이틀곡은 18분이 넘는 연주 시간 동안 명확하게 구분되는 여러 개의 섹션으로 구성되어 하나의 서사시적 여정을 완성한다. 이러한 구조는 청자에게 단순한 청취가 아닌 음악적 탐험을 요구한다.

연주 기법 측면에서 각 멤버의 기량은 이러한 복잡한 구성을 실현시키는 핵심이었다. 기타리스트 스티브 하우는 재즈와 클래식 음악의 영향을 받은 빠른 아르페지오와 독특한 핑거 스타일 주법으로 복잡한 화성 진행을 선보였다. 베이시스트 크리스 스콰이어는 멜로디 라인을 연주하는 리드 베이스 스타일로 유명했으며, 그의 트레블리 사운드는 밴드의 음악에 독특한 저음역의 선율성을 더했다. 키보디스트 릭 웨이크먼과 그의 후임자들(패트릭 모라즈, 토니 케이 등)은 신시사이저, 멜로트론, 해먼드 오르간 등 다양한 키보드를 활용해 풍부한 음색과 교향악적 스케일을 창출했다.

이러한 구성과 연주의 복잡성은 리듬 섹션에서도 두드러진다. 드러머 빌 브루퍼드는 전통적인 4/4 박자를 벗어난 불규칙한 박자와 정교한 필인을 구사하며 곡의 긴장감과 변화를 이끌었다. 보컬리스트 존 앤더슨의 높은 테너 음색과 종종 난해한 가사는 이 복잡한 음악적 배경 위에 서정적인 층위를 더하는 역할을 했다. 결과적으로 Yes의 음악은 각 악기 파트가 독립적인 멜로디 라인을 가지면서도 전체적으로 조화를 이루는, 마치 실내악과 같은 밀도와 정교함을 갖추게 되었다.

Yes는 1970년대와 1980년대를 중심으로 다수의 정규 앨범을 발매하며 프로그레시브 록 장르의 발전에 크게 기여했다. 그들의 디스코그래피는 밴드의 음악적 진화와 멤버 교체를 반영하는 중요한 기록이다.

초기 작품인 1969년의 데뷔 앨범 《Yes》와 1970년의 《Time and a Word》는 사이키델릭 록과 아트 록의 영향을 받았지만, 밴드의 독자적인 정체성을 찾아가는 과정을 보여주었다. 전성기의 시작을 알린 《The Yes Album》(1971)은 스티브 하우의 합류로 기타 사운드가 강화되었고, 〈Starship Trooper〉와 같은 곡에서 확장된 연주와 실험적 구조가 두드러졌다. 이어서 발매된 《Fragile》(1971)과 《Close to the Edge》(1972)는 릭 웨이크먼의 화려한 신시사이저 연주와 함께 밴드의 음악이 정점에 달했음을 보여주는 걸작으로 평가받는다. 특히 《Close to the Edge》는 사이드 길이의 한 트랙으로 앨범 전체를 구성하는 등 야심찬 구성을 선보였다.

1970년대 후반부터 1980년대에 이르는 앨범들은 시장의 변화와 멤버 변동에 따라 다양한 스타일을 시도했다. 《90125》(1983)는 트레버 래빈의 합류로 인한 변화를 상징하며, 싱글 〈Owner of a Lonely Heart〉로 대중적인 성공을 거두었다. 이 앨범은 밴드의 사운드에 팝과 AOR 요소를 강하게 도입한 전환점이었다. 이후 《Big Generator》(1987)와 1990년대의 《Union》(1991), 《Talk》(1994) 등을 발매했으나, 멤버십의 불안정과 음악 산업 환경 변화 속에서 초기와 같은 영향력을 유지하기는 어려웠다. 2000년대 이후에도 《The Ladder》(1999), 《Fly from Here》(2011), 《Heaven & Earth》(2014) 등의 앨범을 꾸준히 발매하며 활동을 이어갔다.

Yes는 정규 앨범 외에도 여러 장의 싱글과 EP를 발매하며, 때로는 정규 앨범에 수록되지 않은 독특한 트랙을 선보이거나 주요 곡을 홍보하는 역할을 했다. 초기에는 싱글이 라디오 방송용 편집 버전으로 발매되는 경우가 많았으나, 점차 수집가들을 위한 보너스 트랙이나 라이브 녹음이 포함되기도 했다.

주요 싱글 목록은 다음과 같다.

특히 1980년대 초 트레버 래빈이 합류한 후 발매한 "Owner of a Lonely Heart" 싱글은 강력한 신스팝과 펑크 록 리듬을 접목시켜 상업적으로 큰 성공을 거두었고, 이는 밴드의 새로운 사운드를 대중에게 각인시키는 계기가 되었다.

EP로는 1974년에 발매된 *The Yes EP*가 유명하다. 이 EP에는 "Roundabout"의 편집 버전과 "America"의 커버 버전, 그리고 "Sweet Dreams"의 신곡 버전이 수록되어 있다. 또한 1991년 *Union* 투어 기간에는 네 명의 기타리스트가 함께 연주하는 모습을 담은 라이브 EP *Yesyears*가 한정판으로 발매되기도 했다. 이러한 싱글과 EP들은 Yes의 광범위한 음악적 스펙트럼과 시대별 변화를 보여주는 중요한 보조 자료 역할을 한다.

Yes의 멤버 구성은 그룹의 긴 역사 동안 매우 역동적이었다. 밴드는 1968년 런던에서 보컬리스트 존 앤더슨과 베이시스트 크리스 스콰이어를 중심으로 결성되었다. 초기 라인업에는 기타리스트 피터 뱅크스, 키보디스트 토니 케이, 드러머 빌 브루포드가 포함되었다. 이 초기 구성은 1970년 데뷔 앨범 《Yes》와 이듬해 《Time and a Word》를 발표했다.

1970년대에 걸쳐 멤버 교체가 빈번하게 일어났으며, 이는 밴드의 사운드 진화에 직접적인 영향을 미쳤다. 1970년 기타리스트 스티브 하우가 피터 뱅크스를 대체했고, 1971년 키보디스트 릭 웨이크먼이 토니 케이를 대체했다. 드러머 빌 브루포드는 1972년 앨런 화이트로 교체되었다. 이 시기의 라인업(앤더슨, 스콰이어, 하우, 웨이크먼, 화이트)은 《Fragile》(1971), 《Close to the Edge》(1972), 《Tales from Topographic Oceans》(1973) 등 밴드의 전성기를 이끈 클래식 앨범들을 제작했다. 1970년대 후반에는 키보디스트 패트릭 모라즈와 보컬리스트 트레버 혼이 합류하는 등 변화가 계속되었다.

1980년대와 1990년대에도 멤버 변화는 지속되었다. 가장 주목할 만한 변화는 1980년대 초 보컬리스트 존 앤더슨이 탈퇴하고 트레버 혼이 보컬을 맡은 것이었다. 이 시기 키보디스트 제프 다운스와 기타리스트 트레버 라빈이 합류하여 밴드의 사운드를 더 팝 지향적으로 변화시켰다. 1980년대 후반과 1990년대에는 다양한 멤버들의 재결합과 이탈이 반복되었다. 2000년대 이후에도 활동은 계속되었으나, 창립 멤버인 크리스 스콰이어의 2015년 사망은 밴드 역사에 큰 변화를 가져왔다[5].

이러한 빈번한 멤버 교체는 내부적 갈등과 음악적 방향성에 대한 의견 차이에서 비롯된 경우가 많았다. 그러나 각 시대별 라인업은 고유한 음악적 성과를 남겼으며, 이는 Yes가 단일한 음악적 정체성보다는 진화하는 음악적 협업체로서의 정체성을 갖게 하는 요인이 되었다.

크리스 스콰이어는 밴드의 리듬 섹션을 책임지며 독특한 리드 베이스 기타 연주로 유명했다. 그의 베이스 라인은 단순한 반주를 넘어 멜로디와 리듬을 동시에 구축하는 핵심 요소였다. 그는 릭 웨이크먼과 함께 밴드의 초기 사운드를 정의하는 데 결정적인 역할을 했다.

존 앤더슨은 특유의 높고 선명한 테너 보컬과 시적인 가사 작사 능력으로 밴드의 정체성을 형성했다. 그의 목소리는 밴드의 복잡한 연주 위에 휴머니즘적인 서정성을 더하는 매개체 역할을 했다. 또한 많은 곡의 작사와 멜로디 구상을 주도했다.

스티브 하우는 밴드의 기타리스트로서 정교한 픽킹과 풍부한 하모니 진행을 선보였다. 그의 연주는 프로그레시브 록의 복잡성과 아트 록의 미학을 결합했으며, 특히 긴 기타 솔로를 통한 서사적 표현이 두드러졌다.

키보디스트의 역할은 여러 멤버에 걸쳐 변화했으며, 각자 독특한 색채를 더했다. 릭 웨이크먼은 신시사이저와 멜로트론을 활용한 웅장한 사운드 스케이프를 창조했고, 패트릭 모라즈는 재즈에 기반한 즉흥적이고 복잡한 연주 스타일을 도입했다.

Yes는 1970년대 프로그레시브 록 장르를 대표하는 밴드 중 하나로, 그 음악적 실험성과 예술적 완성도로 인해 록 음악사에서 중요한 위치를 차지한다. 특히 기존의 블루스나 로큰롤에 기반한 록 음악의 틀을 벗어나, 클래식 음악과 재즈의 영향을 깊이 받은 복잡한 구성, 확장된 연주 시간, 그리고 정교한 아트 록적 접근을 대중적인 성공과 결합시켰다는 점에서 의의가 있다. 이는 록 음악이 단순한 춤추기 위한 음악이 아닌, 청취와 감상을 위한 하나의 예술 형식으로 진화할 수 있음을 증명한 사례가 되었다.

그들의 활동은 프로그레시브 록의 황금기를 상징하며, 《Fragile》 (1971년)과 《Close to the Edge》 (1972년) 같은 앨범은 장르의 정점으로 평가받는다. 당시 음악 산업에서 장르의 상업적 한계를 넓히는 데 기여했으며, 복잡한 음악적 구조를 가진 곡들이 라디오에서 방송되고 차트 상위권에 오르는 것이 가능함을 보여주었다. 이는 킹 크림슨이나 제네시스 같은 동시대 밴드들과 함께, 록 음악의 기술적, 개념적 가능성을 크게 확장시켰다.

결국 Yes의 유산은 특정 시대를 넘어서 록 음악이 지닌 예술적 포텐셜에 대한 지속적인 질문을 던진다는 점에 있다. 그들의 음악은 록, 팝, 실험 음악의 경계를 흐리게 했고, 이는 후대 아티스트들이 장르의 규범에 도전하는 데 중요한 선례가 되었다.

Yes의 음악적 혁신과 실험 정신은 1970년대 이후 수많은 프로그레시브 록 및 아트 록 밴드에 지대한 영향을 미쳤다. 특히 그들의 복잡한 곡 구성, 교향악적 편곡, 그리고 각 멤버의 탁월한 연주 실력은 장르의 기준을 높이는 데 기여했다. 1980년대와 1990년대에 등장한 네오 프로그레시브 록 운동의 선구자격 밴드들, 예를 들어 Marillion, IQ, 펜드래곤 등은 Yes의 사운드와 미학을 명확하게 계승했다고 평가받는다.

1990년대 이후의 프로그레시브 메탈 장르에도 그 영향력은 뚜렷하다. 드림 시어터는 Yes의 긴 서사적 곡 구조와 기술적 기악 연주를 현대적으로 재해석한 대표적인 예이다. 밴드의 기타리스트 존 페트루치와 베이시스트 존 마이어는 스티브 하우와 크리스 스콰이어의 연주 스타일에서 영감을 받았다고 밝힌 바 있다. 또한 Tool, 오페스와 같은 밴드들도 정신적, 음악적 선배로서 Yes를 꼽는다.

Yes의 영향은 록 장르를 넘어서기도 했다. 비틀즈의 폴 매카트니는 크리스 스콰이어의 독창적인 베이스 라인에 대해 칭찬을 아끼지 않았다. 2000년대 인디 록과 익스페리멘털 록 신에서도 그들의 유산은 발견된다. 뉴욕의 실험적 록 밴드 디 어썸은 Yes의 정교한 하모니와 대담한 곡 전개 방식을 높이 평가했다. 이처럼 Yes는 단순한 하나의 밴드를 넘어, 음악적 야망과 기술적 완성도를 결합하려는 수많은 아티스트에게 영원한 롤 모델로 남아 있다.