The Moody Blues

더 무디 블루스는 1964년 영국 버밍엄에서 결성되었다. 원래는 R&B와 비트 음악을 연주하는 밴드로 출발했으며, 당시에는 데니 레인이 리드 보컬을 맡았다. 초기 라인업은 레인(보컬, 기타), 마이크 핀더(베이스, 보컬), 레이 토머스(하모니카, 보컬), 클린트 워릭(드럼), 그레엄 엣지(드럼)로 구성되었다. 이들은 1965년 데뷔 싱글 "Go Now"로 영국 1위와 미국 차트 진입에 성공하며 주목을 받았다[2].

그러나 초기 성공 이후 밴드는 음악적 방향성에 대한 내부 갈등과 상업적 부진을 겪었다. 이 시기 데니 레인이 탈퇴했고, 1966년 저스틴 헤이워드(기타, 보컬)와 존 로지(키보드)가 새로 합류했다. 이 새로운 라인업은 밴드의 음악적 전환점이 되었다. 핀더, 토머스, 엣지, 헤이워드, 로지로 고정된 이 5인조 체제는 이후 밴드의 정체성을 확립하는 기반이 되었다.

결성 초기부터 1967년 사이, 밴드는 라이브 공연을 통해 새로운 음악을 실험하고 발전시켰다. 그들은 전통적인 팝/락 구조를 벗어나 더 긴 연주곡과 서사적인 가사를 시도하기 시작했다. 이 과정은 1967년 발매된 획기적인 앨범 Days of Future Passed로 이어지며, 프로그레시브 록과 심포닉 록의 선구자로서의 길을 열었다.

1967년 발매된 Days of Future Passed는 더 무디 블루스를 프로그레시브 록의 선구자로 자리매김하게 한 결정적 작품이다. 이 앨범은 록 밴드와 런던 페스티벌 오케스트라의 협연을 통해 하루의 시간 흐름을 서사적으로 담아냈으며, 록 음악에 서사적 구조와 교향악적 편곡을 본격적으로 도입한 최초의 사례로 평가받는다[3]. 특히 곡 사이에 낭송되는 시와 오케스트라의 간주는 하나의 완결된 이야기를 구성하며, 당시 주류를 이루던 3분 남짓한 싱글 형식의 음반 제작 관행을 과감히 벗어났다.

이후 밴드는 In Search of the Lost Chord (1968)와 On the Threshold of a Dream (1969)을 통해 콘셉트 앨범 제작을 지속하며 프로그레시브 록의 초기 형식을 공고히 했다. 그들의 음악은 멜로트론과 같은 신소리를 적극 활용하여 오케스트라의 풍성함을 스튜디오에서 구현했고, 철학적이고 신비로운 가사, 복잡한 곡 구조를 특징으로 했다. 이 시기의 작품들은 사이키델릭 사운드, 클래식, 그리고 실험적 록을 융합한 선구적 모범 사례를 제시했다.

이러한 혁신은 킹 크림슨, 핑크 플로이드, 예스와 같은 후기 프로그레시브 록 밴드들의 등장에 직접적인 길을 열었다. 더 무디 블루스는 단순한 팝 곡의 연속을 넘어 하나의 예술 작품으로서의 앨범, 즉 '앨범 오리엔티드 록'의 가능성을 최초로 대중적으로 증명한 선구자 역할을 했다.

1970년대 중반부터 밴드는 음악적 방향성을 재정비하며 활동을 이어갔다. 1978년 발매한 앨범 *Octave*는 7년 만의 정규 앨범이었으나, 창립 멤버인 마이크 핀더가 앨범 발매 직후 탈퇴하는 변화를 맞았다. 이후 1980년대에 저스틴 헤이워드와 존 로지를 중심으로 한 체제로 재편되었고, *Long Distance Voyager* (1981)와 *The Present* (1983) 같은 앨범을 통해 상업적 성공을 재확인했다. 이 시기의 싱글 "Gemini Dream"과 "The Voice"는 빌보드 핫 100 차트에 진입하며 인기를 끌었다.

1980년대 후반부터 1990년대 초반까지 밴드의 활동은 둔화되는 양상을 보였다. 1986년 앨범 *The Other Side of Life*의 타이틀 곡이 중간 정도의 히트를 기록했고, 1988년 앨범 *Sur la Mer*에서는 "I Know You're Out There Somewhere"가 일정한 인기를 얻었다. 그러나 1991년 앨범 *Keys of the Kingdom* 이후, 밴드는 새로운 스튜디오 앨범을 제작하지 않고 지속적인 월드 투어에 주력하는 국면으로 접어들었다.

1990년대와 2000년대에 걸쳐 The Moody Blues는 주로 라이브 공연과 베스트 앨범 발매를 중심으로 활동했다. 1997년에는 록 앤드롤 명예의 전당에 헌액되는 영예를 얻었다. 2000년대 후반에도 투어는 이어졌으나, 2012년을 마지막으로 정규적인 공연 일정이 사실상 중단되었다. 2018년 11월, 리드 보컬리스트이자 기타리스트인 저스틴 헤이워드가 사망하면서 밴드의 공식적인 해체나 무기한 활동 중단 상태가 되었다. 남은 창립 멤버인 존 로지와 그레임 엣지는 이후 별도의 프로젝트에 참여하며 개별 활동을 이어가고 있다.

더 무디 블루스는 심포닉 록의 발전에 결정적인 역할을 한 밴드로 평가받는다. 그들의 핵심적인 특징은 록 음악에 풀 오케스트라를 통합한 점이다. 이는 1967년의 획기적인 앨범 Days of Future Passed에서 처음으로 완전히 구현되었다. 이 앨범은 록 밴드와 런던 페스티벌 오케스트라가 협연하는 형태를 취했으며, 단순한 반주가 아닌 음악의 구조와 정서를 이끄는 주체로서 오케스트라를 활용했다.

그들의 접근법은 기존의 록 음악에 관현악법의 풍부한 질감과 서사적인 스케일을 부여했다. 전통적인 록 악기 구성(기타, 베이스, 드럼, 키보드) 위에 현악기, 목관악기, 금관악기의 층위가 더해져 웅장하면서도 감성적인 사운드를 창출했다. 특히 현악 섹션의 사용은 멜로디를 강화하고 몽환적이거나 비극적인 분위기를 극대화하는 데 효과적이었다.

이러한 실험은 당시 데카 레코드의 프로듀서였던 휴 멘덕의 제안으로 시작되었지만, 밴드는 이를 단순한 시도가 아닌 자신들의 음악 언어로 발전시켰다. 이후 앨범들에서도 오케스트라의 사용은 계속되었으며, 때로는 멜로트론과 같은 신시사이저를 통해 오케스트라 사운드를 모방하거나 보완하기도 했다. 그 결과, 그들의 음악은 록 음악과 클래식 음악의 경계를 허물고 새로운 아트 록의 지평을 열었다.

The Moody Blues는 1960년대 후반부터 1970년대 초반에 걸쳐 일련의 서사시적 콘셉트 앨범을 발표하며, 당시 록 음악의 경계를 확장하는 데 기여했다. 이들의 앨범들은 단순한 곡들의 모음집이 아닌, 하나의 통일된 주제나 이야기를 담은 하나의 완결된 예술 작품으로 기획되었다. 특히 초기 7장의 앨범은 각각 독특한 철학적, 정신적 탐구를 담고 있어, 밴드의 음악적 정체성을 형성하는 핵심이 되었다.

1967년의 데뷔 앨범 *Days of Future Passed*는 서사적 콘셉트 앨범의 초기 모범 사례이다. 이 앨범은 런던 페스티벌 오케스트라와의 협업을 바탕으로, 하루의 시간 흐름(아침부터 밤까지)을 음악으로 표현했다. 단순한 곡 배열을 넘어, 오케스트라의 간주곡과 시적인 내레이션을 통해 하나의 서사적 흐름을 만들어냈다. 이는 록 음악에 서사적 구조와 교향악적 스케일을 도입한 선구적 시도로 평가받는다.

이후 앨범들도 각각 명확한 탐구 주제를 가지고 있다. *In Search of the Lost Chord* (1968)은 인류의 정신적 탐구와 깨달음을, *On the Threshold of a Dream* (1969)은 꿈과 현실, 의식의 경계를 주제로 삼았다. *To Our Children's Children's Children* (1969)은 시간 여행과 미래에 대한 상상력을, *A Question of Balance* (1970)은 혼란스러운 세계 속에서의 균형 찾기를 다뤘다. 각 앨범은 앨범 아트워크부터 곡의 가사, 음악적 분위기까지 주제에 집중하여 설계되었다.

이러한 서사적 접근 방식은 앨범을 하나의 완성된 예술 형식으로 격상시켰다. The Moody Blues의 콘셉트 앨범은 이후 등장하는 많은 프로그레시브 록 밴드와 아티스트들에게 앨범 구성과 주제적 깊이에 관한 중요한 영감을 제공했다. 그들의 작업은 록 음악이 단순한 대중 오락을 넘어 철학적 사유와 서사적 표현의 매체가 될 수 있음을 증명했다.

더 무디 블루스의 음악은 1960년대 후반의 사이키델릭 음악 풍조와 서양 클래식 음악의 전통을 독특하게 결합한 것으로 평가받는다. 이들은 록 음악의 전자적 사운드와 실험적 정신에 고전 음악의 구조와 풍부한 화성을 도입하여, 당시의 사이키델릭 신을 단순한 환각적 경험을 넘어 철학적이고 서사적인 차원으로 끌어올렸다.

그들의 접근법은 단순한 장르 믹스가 아닌 본질적인 융합이었다. 예를 들어, 1968년 앨범 *In Search of the Lost Chord*는 시타르와 멜로트론 같은 악기를 사용하여 동서양을 아우르는 신비로운 사운드스케이프를 구축했으며, 타이틀곡 "The Word"는 그레고리오 성가의 영향을 받은 합창으로 종교적 무드까지 담아냈다[5]. 이는 단순한 하드 록 기반의 사이키델릭 사운드와는 구별되는, 교향악적 서사 구조를 가진 음악이었다.

이러한 융합의 핵심은 멜로트론의 적극적인 사용에 있었다. 이 키보드 악기는 테이프 루프를 통해 오케스트라, 합창, 현악기의 소리를 재현할 수 있어, 본격적인 오케스트라 동원이 어려운 록 밴드에게 교향악적 스케일을 가능하게 했다. 마이크 핀더가 연주한 멜로트론은 "Nights in White Satin"과 같은 곡에서 현악 사운드의 토대를 제공했고, "Legend of a Mind"에서는 환상적인 분위기를 연출하는 데 결정적 역할을 했다. 결과적으로 그들의 음악은 록의 리듬과 에너지를 유지하면서도 고전 음악의 정교함과 공간감을 지니게 되었다.

저스틴 헤이워드(Justin Hayward)는 더 무디 블루스의 리드 보컬리스트이자 수많은 히트곡의 작곡가 겸 기타리스트이다. 그는 1966년 데니 레인을 대신하여 밴드에 합류했고, 그의 합류는 밴드의 음악적 방향을 결정적으로 바꾸는 계기가 되었다. 헤이워드의 서정적인 작곡과 특유의 목소리는 밴드의 정체성을 형성하는 핵심 요소였다.

그는 Nights in White Satin, Tuesday Afternoon, Question 등 밴드의 가장 상징적인 곡들을 작곡했다. 특히 <Days of Future Passed> 앨범의 중심을 이루는 Nights in White Satin은 시간이 지나도 사랑받는 록 발라드의 고전이 되었다. 그의 작곡은 낭만적이고 사색적인 가사와 기억에 남는 멜로디로 특징지어진다.

헤이워드는 밴드 내에서 주로 리드 기타를 담당했으며, 그의 깔끔하고 감성적인 기타 연주는 밴드의 사운드에 중요한 색채를 더했다. 그는 솔로 활동도 꾸준히 이어갔으며, 여러 장의 솔로 앨범을 발표했다.

그는 더 무디 블루스의 전성기를 이끈 중심 인물로 평가받으며, 2018년 밴드의 활동 종료 때까지 핵심 멤버로 남아 있었다.

존 로지는 더 무디 블루스의 창립 멤버이자 드럼 연주자, 타악기 연주자, 작곡가, 가수로 활동했다. 그는 밴드의 초기 리듬 섹션을 구성하는 핵심 인물이었으며, 특히 복잡한 타악기 편성과 실험적인 연주 기법으로 밴드의 독특한 사운드에 기여했다. 로지는 심포닉 록과 프로그레시브 록으로의 전환기에 밴드의 리듬적 토대를 마련하는 데 중요한 역할을 했다.

그의 음악적 공헌은 단순한 드럼 연주를 넘어선다. 그는 멜로트론 연주에도 참여했으며, 《In Search of the Lost Chord》 앨범의 수록곡 "Legend of a Mind"와 같은 곡에서 리드 보컬을 맡기도 했다. 또한 《On the Threshold of a Dream》 앨범의 "Never Comes the Day"와 같은 곡을 공동 작곡하기도 했다. 그의 폭넓은 음악적 관심사는 밴드의 다양한 사운드 팔레트 확장에 영향을 미쳤다.

존 로지는 1966년 발매된 데뷔 앨범 《The Magnificent Moodies》 시절부터 1972년까지 밴드에 머물렀다. 그는 1972년 《Seventh Sojourn》 앨범 발매 후 건강 문제와 음악적 방향성에 대한 견해 차이를 이유로 밴드를 떠났다[6]. 그의 탈퇴는 밴드의 활동에 일시적인 중단을 가져오는 계기가 되었다.

그의 탈퇴 이후, 더 무디 블루스는 패트릭 모라즈를 새로운 드러머로 영입하며 활동을 계속했다. 존 로지는 밴드의 형성기와 음악적 정체성을 확립하는 결정적 시기를 함께한 창립 멤버로서 그 역사에서 중요한 위치를 차지한다.

마이크 핀더는 더 무디 블루스의 창립 멤버이자, 밴드 초기 사운드의 핵심을 담당한 베이시스트, 보컬리스트, 작곡가이다. 그는 1964년 버밍엄에서 결성된 밴드의 원년 멤버로, 저스틴 헤이워드와 존 로지가 합류하기 전인 R&B 및 비트 음악 중심의 시절부터 활동했다. 그의 깊고 묵직한 베이스 기타 연주는 밴드의 초기 히트곡 "Go Now"의 리듬 섹션을 이끌었으며, 후기 프로그레시브 록 시절에도 음악의 토대를 제공하는 중요한 역할을 했다.

그는 밴드 내에서 주로 보컬과 작곡을 담당했으며, "Really Haven't Got the Time", "So Deep Within You", "The Best Way to Travel" 등 여러 곡을 썼다. 특히 그의 목소리는 부드러운 테너 음색으로, 저스틴 헤이워드의 감성적인 보컬과 대비되는 따뜻하고 담백한 매력을 지녔다. 그는 멜로트론 연주에도 참여하며 밴드의 신비로운 사운드 스케이프 형성에 기여했다.

마이크 핀더는 1978년 앨범 *Octave* 작업 후 밴드를 떠났다. 그의 탈퇴는 음악적 방향에 대한 견해 차이와 개인적인 이유가 복합적으로 작용한 결과로 알려져 있다[7]. 이후 그는 음악 프로듀싱과 솔로 활동을 이어갔으며, 2018년에는 자신의 경험을 담은 회고록을 출간하기도 했다.

*Days of Future Passed*는 더 무디 블루스의 두 번째 스튜디오 앨범이자, 그들의 음악적 전환점이 된 작품이다. 1967년 11월 10일 데리엄 레코드를 통해 발매되었다. 이 앨범은 록 음악과 풀 오케스트라를 결합한 심포닉 록의 초기 걸작으로 평가받으며, 밴드의 첫 번째 주요 성공을 가져왔다.

앨범은 원래 데리엄 레코드의 부모 회사인 데카 레코드가 자신들의 신형 스테레오 음향 장비를 선전하기 위해 고안한 프로젝트에서 시작되었다. 데카는 드보르자크의 *신세계 교향곡*을 록 버전으로 편곡할 밴드를 찾고 있었으나, 더 무디 블루스는 이를 거부하고 자신들의 오리지널 곡을 오케스트라와 함께 녹음하는 아이디어를 제안했다. 결국 앨범은 록 밴드의 연주와 런던 페스티벌 오케스트라의 연주가 교차하며 하루의 시간 흐름을 담은 서사적 구조를 갖추게 되었다.

앨범의 핵심 트랙이자 밴드의 대표곡이 된 Nights in White Satin은 시적인 가사와 강렬한 오케스트레이션으로 유명하다. 이 곡은 발매 당시 큰 반향을 일으키지 못했으나, 1972년 재발매되어 미국과 영국 차트 상위권에 진입하며 전 세계적인 히트를 기록했다. 앨범의 다른 곡들도 'Dawn', 'The Afternoon', 'Evening' 등의 소제목 아래 하루의 각 시간대를 표현하며 하나의 통일된 이야기를 구성한다.

*Days of Future Passed*는 록 음악의 가능성을 확장한 선구적 앨범으로 남아 있다. 이 앨범은 콘셉트 앨범의 초기 사례이자, 록과 클래식의 경계를 허문 프로그레시브 록 장르의 중요한 기반을 마련했다는 평가를 받는다.

*In Search of the Lost Chord*는 더 무디 블루스의 네 번째 스튜디오 앨범으로, 1968년 7월에 발매되었다. 이 앨범은 밴드가 이전 작품인 Days of Future Passed에서 보여준 심포닉 록의 연장선상에 있으면서도, 당시 유행하던 사이키델릭 록과 월드 뮤직의 영향을 강하게 받아 음악적 탐구의 범위를 확장했다. 앨범의 제목과 컨셉은 신비로운 '잃어버린 화음'을 찾아가는 여정을 상징적으로 표현하며, 동양 철학, 신비주의, 우주적 탐구심을 주제로 삼았다.

앨범은 다양한 악기 실험으로 가득하다. 전통적인 록 악기 외에도 멜로트론, 탬부라, 시타르, 하프시코드, 플룻 등이 두드러지게 사용되어 풍부하고 이국적인 사운드스케이프를 구축한다. 특히 'The Best Way to Travel'에서는 초기 형태의 신시사이저 사운드가 도입되기도 했다. 이러한 실험성은 'Legend of a Mind'와 같은 트랙에서 명확히 드러나는데, 이 곡은 LSD 옹호자로 유명한 티모시 리어리를 주제로 한 사이키델릭 록 넘버이다.

전체적인 앨범 구조는 서사시적인 느낌을 주며, 각 곡들이 '잃어버린 화음'이라는 단일 주제 아래 연결된다. 'The Actor'와 같은 곡에서는 극적이고 서정적인 록 발라드의 모습을, 'Voices in the Sky'에서는 경쾌한 팝 감각을 보여주어 음악적 다양성을 유지한다. 앨범의 마지막을 장식하는 'The Word'와 'Om'은 만트라와 명상을 연상시키는 코러스를 통해 앨범의 정신적, 철학적 탐구를 정점으로 이끈다.

*In Search of the Lost Chord*는 상업적으로 성공하여 영국 앨범 차트 5위에 올랐고, 밴드의 음악적 진화를 보여주는 중요한 이정표가 되었다. 이 앨범은 더 무디 블루스를 프로그레시브 록의 선구자 중 하나로 확고히 자리매김하게 했으며, 록 음악에 서사적 개념과 신비로운 주제를 본격적으로 도입한 작품으로 평가받는다.

*On the Threshold of a Dream*은 더 무디 블루스의 네 번째 스튜디오 앨범으로, 1969년 4월 발매되었다. 이 앨범은 밴드가 데카 레코드를 떠나 자체 레이블인 Threshold Records를 설립한 후 발표한 첫 번째 작품이다. 앨범의 제목과 콘셉트는 그레이엄 엣지가 쓴 시에서 유래했으며, 꿈과 현실, 의식의 경계를 탐구하는 주제를 담고 있다.

앨범은 사이키델릭 사운드와 서사시적인 구조를 발전시킨 작품으로 평가된다. 전작인 *In Search of the Lost Chord*에 이어 콘셉트 앨범의 형식을 취했으며, 특히 사이키델릭 록과 심포닉 록의 결합을 더욱 공고히 했다. 멜로트론의 사용이 두드러지며, 오케스트라의 풍부한 음색을 록 음악에 접목시켰다. 대표곡인 "Lovely to See You"와 "Never Comes the Day"는 밴드의 특징적인 멜로디와 서정적인 가사를 보여준다.

앨범의 트랙 리스트는 다음과 같다.

이 앨범은 영국 앨범 차트에서 1위를 기록하며 상업적 성공을 거두었고, 밴드의 음악적 정체성을 확립하는 데 중요한 역할을 했다. 특히 "Have You Heard"와 "The Voyage"로 이어지는 서사시적인 곡 구성은 프로그레시브 록의 발전에 기여한 것으로 평가받는다.

"Nights in White Satin"은 The Moody Blues의 가장 상징적인 곡이자 1967년 발매된 Days of Future Passed 앨범의 핵심 트랙이다. 이 곡은 밴드가 런던 교향악단과 협업하여 실험한 심포닉 록 스타일의 정수를 보여준다. 곡은 저스틴 헤이워드가 작사·작곡하고 리드 보컬을 맡았으며, 서정적인 멜로디와 풍부한 오케스트레이션으로 특징지어진다.

곡의 구조는 전형적인 팝 송 형식을 벗어나 서사적인 구성을 취한다. 잔잔한 피아노와 헤이워드의 감성적인 보컬로 시작해, 점차 오케스트라의 웅장한 사운드가 더해지며 클라이맥스를 형성한다. 특히 곡의 말미에는 그레엄 엣지가 낭송하는 시 "Late Lament"가 이어지고, 다시 오케스트라의 주제 멜로디가 재현되어 앨범 전체의 순환 구조를 완성한다[8].

발매 당시 즉각적인 성공을 거두지는 못했지만, 1972년 재발매되어 빌보드 핫 100 2위에 오르며 전 세계적인 히트를 기록했다. 이후 수십 년에 걸쳐 여러 차례 재발매되고 라디오에서 꾸준히 방송되며 시대를 초월한 록 발라드의 고전으로 자리잡았다. 이 곡은 프로그레시브 록과 아트 록의 발전에 중요한 기여를 한 작품으로 평가받으며, The Moody Blues의 음악적 유산을 대표하는 곡이다.

"Tuesday Afternoon"은 The Moody Blues의 1967년 앨범 Days of Future Passed에 수록된 곡이다. 이 곡은 앨범의 낮 시간대를 상징하는 부분으로, "Afternoon"이라는 제목이 붙은 두 개의 트랙 중 하나이다. 원래 제목은 "Forever Afternoon (Tuesday?)"이었으나, 후에 단순화되었다.

곡은 저스틴 헤이워드가 작사, 작곡하고 리드 보컬을 맡았다. 평화로운 오후의 분위기를 담은 서정적인 가사와, 헤이워드의 특유의 맑은 보컬이 특징이다. 전자 오르간, 플루트, 그리고 런던 페스티벌 오케스트라의 현악 편곡이 어우러져 몽환적인 사운드를 완성한다. 곡의 중간에는 기타 솔로와 함께 템포가 살짝 빨라지는 변화가 있다.

"Tuesday Afternoon"은 싱글로 발매되어 북미 지역에서 상업적인 성공을 거두었다. 1972년 재발매되었을 때는 빌보드 핫 100 차트에서 24위까지 올랐다. 이 곡은 밴드의 라이브 공연에서 꾸준히 연주되는 대표곡 중 하나가 되었으며, 프로그레시브 팝의 초기 사례로 평가받는다.

"Question"은 더 무디 블루스의 1970년 싱글이자 동명 앨범 *A Question of Balance*의 수록곡이다. 이 곡은 밴드의 가장 상업적으로 성공한 싱글 중 하나로, 영국 싱글 차트에서 2위, 미국 빌보드 핫 100에서 21위에 올랐다.

곡은 두 개의 뚜렷한 섹션으로 구성된다. 빠르고 강렬한 어쿠스틱 기타 리프로 시작되는 첫 번째 부분은 사회적 불안과 전쟁에 대한 항의의 메시지를 담고 있다. 이후 곡은 느리고 명상적인 템포로 전환되며, 인생의 의미와 내적 평화에 대한 탐구로 주제가 이동한다. 이러한 대비되는 구조는 당시 세계가 직면한 외부적 갈등과 개인의 내적 성찰이라는 두 가지 '질문'을 동시에 표현한 것으로 해석된다.

저스틴 헤이워드가 작사·작곡하고 리드 보컬을 맡은 이 곡은 그의 특징적인 서정적인 가사와 강력한 어쿠스틱 기타 연주가 돋보인다. 녹음에는 존 로지의 멜로트론 연주도 포함되어 밴드의 서사시적 사운드에 기여했다. "Question"은 밴드의 라이브 공연에서 핵심 레퍼토리가 되었으며, 1978년 라이브 앨범 *Caught Live + 5*에도 수록되었다.