Talking Heads

데이비드 번과 크리스 프란츠는 1970년대 초 로드아일랜드 디자인 학교에서 만났다. 둘은 학교 신문을 통해 만나 공동 작업을 시작했으며, 이후 티나 웨이마우스가 합류하여 3인조 밴드 구성을 갖췄다. 밴드 이름 'Talking Heads'는 텔레비전 용어에서 따왔으며, 화면에서 어깨 위로만 보이는 사람을 지칭하는 말이었다[1].

1975년, 밴드는 뉴욕의 CBGB 클럽에서 첫 공연을 가졌다. 이 클럽은 당시 펑크 록과 뉴 웨이브 신의 중심지였으며, 라몬즈나 텔레비전 같은 밴드들의 연고지였다. Talking Heads의 초기 사운드는 긴장감 넘치는 간결한 기타 리프, 절제된 리듬 섹션, 그리고 번의 독특한 보컬 스타일이 특징이었다. 이는 당시의 거친 에너지를 지닌 펑크 록과는 차별화된, 지적인 접근으로 평가받았다.

1977년, 밴드는 사이어 레코드와 계약을 맺고 데뷔 EP 《Talking Heads: 77》를 발매했다. 이 앨범의 수록곡 〈Psycho Killer〉는 즉시 주목을 받으며 밴드의 첫 히트곡이 되었다. 이 곡은 번이 앨리스 쿠퍼의 음악에서 영감을 받아 쓴 것으로, 연쇄 살인범의 시점을 담은 가사와 강렬한 베이스 라인이 인상적이었다. 이 시기 밴드는 키보디스트 겸 기타리스트 제리 해리슨을 정식 멤버로 영입하여 4인조 체제를 완성했다.

1978년부터 1983년까지 Talking Heads는 음악적 정점을 찍으며 가장 혁신적이고 영향력 있는 작품들을 발표했다. 이 시기는 밴드가 아트 펑크의 기반을 확장하여 아프로비트, 펑크, 미니멀리즘 등 다양한 요소를 융합한 독특한 사운드를 완성한 시기였다. 프로듀서 브라이언 이노와의 협업은 이 진화에 결정적인 역할을 했다.

1979년 발매된 *Fear of Music*은 이 새로운 방향성을 예고했다. 타이틀곡 "Life During Wartime"과 "Heaven" 같은 트랙에서 더욱 풍부해진 리듬 섹션과 불안한 분위기가 두드러졌다. 이노의 참여는 음악에 공간적이고 텍스처적인 깊이를 더했다. 이 앨범은 상업적 성공보다는 비평적 찬사를 받으며 밴드의 예술적 성장을 입증했다.

전성기의 정점은 1980년의 걸작 *Remain in Light*로 이어졌다. 이 앨범은 아프리카 폴리리듬에 깊이 탐구하여 기타 리프보다는 중첩된 리듬 패턴과 복잡한 레이어링을 중심으로 구축되었다. "Once in a Lifetime"과 "The Great Curve" 같은 곡들은 밴드의 정체성을 재정의했다. 이 앨범은 음악 비평가들로부터 엄청난 찬사를 받았으며, 뉴 웨이브와 월드뮤직의 경계를 허물었다.

이후 밴드는 1983년 *Speaking in Tongues*로 더욱 대중적인 성공을 거두었다. 이 앨범은 *Remain in Light*의 실험적 접근을 유지하면서도 "Burning Down the House"와 "This Must Be the Place (Naive Melody)" 같은 캐치한 싱글을 통해 더 접근하기 쉬운 팝 감각을 선보였다. 이 앨범의 성공과 이어진 대규모 투어는 밴드를 메인스트림의 전면으로 끌어올렸다. 이 시기의 주요 앨범들은 다음과 같다.

1980년대 후반, 밴드 내부의 긴장이 고조되면서 데이비드 번의 독단적인 리더십과 다른 멤버들 간의 갈등이 표면화되었다. 1988년에 발매된 마지막 정규 앨범 *Naked* 이후, 밴드는 사실상 활동을 중단했다. 공식적인 해체 선언은 1991년 12월에 이루어졌다.

해체 이후, 각 멤버는 개별적인 음악 및 예술 활동을 이어갔다. 데이비드 번은 솔로 아티스트로서 세계 음악에 깊이 천착한 여러 앨범을 발매하며 성공적인 경력을 쌓았고, 뮤지컬 *Here Lies Love*를 공동 작곡하기도 했다. 크리스 프란츠와 티나 웨이마우스는 부부로서 톰 톰 클럽을 통해 계속 활동하며 큰 히트를 기록했고, 제리 해리슨은 프로듀서 및 모던 러버스의 멤버로 활동했다.

1990년대와 2000년대에 걸쳐 재결합 설문이 수차례 제기되었으나, 번의 거부로 실현되지 않았다. 그러나 2002년, 밴드는 로큰롤 명예의 전당에 헌액되었으며, 네 명의 원년 멤버 전원이 참석한 것이 공식 석상에서의 마지막 동반 출연이 되었다. 2023년, 티나 웨이마우스가 건강상의 이유로 은퇴를 선언하며[2], 밴드의 완전한 재결합 가능성은 사실상 사라졌다.

아트 펑크는 펑크 록의 반항적 에너지를 지니되, 전통적인 록 음악의 틀을 거부하고 예술적 실험성을 강조하는 장르를 가리킨다. 토킹 헤즈는 이러한 흐름의 선구자로, 단순한 3코드 펑크 록 대신 복잡하지 않으면서도 날카로운 기타 리프, 절제된 연주, 그리고 문학적이고 관찰적인 가사를 결합했다. 그들의 초기 사운드는 벨벳 언더그라운드나 조너선 리치먼과 같은 뉴욕 언더그라운드 신의 영향을 받았으며, 미니멀한 접근 속에 강렬한 긴장감을 담아냈다.

1970년대 후반, 토킹 헤즈는 뉴 웨이브 운동의 중심에 섰다. 뉴 웨이브는 펑크 록에서 파생되어 더 다채롭고 실험적이며, 때로는 전자 음악과 디스코 리듬의 영향을 받은 광범위한 음악 스타일을 포괄했다. 밴드는 펑크의 근본적인 태도를 유지하면서도 펑크의 단순한 공식에서 벗어나, 펑크, 펑크, 아프리카 리듬, 미니멀리즘, 실험적인 프로덕션 기법을 절충하는 독자적인 길을 개척했다.

이러한 혼합은 기존의 록, 펑크, 팝 장르 간의 경계를 모호하게 만들었다. 그들의 음악은 춤추기 좋은 비트 위에 불안하고 지적인 가사를 얹는 방식으로, 클럽 친화적이면서도 지적으로 도전적인 새로운 가능성을 보여주었다. 결과적으로 토킹 헤즈는 아트 펑크의 정수를 보여주는 동시에 뉴 웨이브가 단순한 유행이 아닌 지속적인 예술적 혁신의 장이 될 수 있음을 입증했다.

톰 톰 클럽의 크리스 프란츠와 티나 웨이마우스가 구성한 리듬 섹션은 밴드 사운드의 핵심적인 기반이었다. 그들의 연주는 펑크나 디스코의 단순한 반복과는 차원이 달랐다. 프란츠의 드러밍은 복잡한 아프로비트 리듬과 미니멀한 모터릭 드럼 패턴을 결합했고, 웨이마우스의 베이스 라인은 멜로디를 이루며 독립적으로 움직였다. 이 두 악기의 대화는 곡에 생동감 있는 토대를 제공하면서도, 데이비드 번의 독특한 보컬과 제리 해리슨의 기타, 키보드가 자유롭게 오를 수 있는 공간을 남겼다.

이러한 리듬 접근법은 미니멀리즘 음악의 영향을 강하게 받았다. 특히 작곡가 스티브 라이히와 필립 글래스의 작품에서 영감을 얻어, 짧은 악구의 지속적인 반복과 점진적인 변화를 음악에 도입했다. 한 번 설정된 리듬 패턴은 곡 전체에 걸쳐 지속되면서, 세부적인 악기들의 진입과 퇴장, 미묘한 변형을 통해 긴장감과 발전을 만들어냈다. 이는 "Once in a Lifetime"이나 "Born Under Punches (The Heat Goes On)"과 같은 곡에서 명확하게 드러난다.

그들의 미니멀리즘은 정적인 것이 아니라, 역동적이고 춤추기 쉬운 것이었다. 강박적인 리듬 루프 위에 레이어가 쌓여가면서 풍부한 사운드스케이프를 형성했고, 이는 브라이언 이노와의 협업 시기인 Fear of Music과 Remain in Light 앨범에서 정점에 이르렀다. 테크놀로지의 활용도 이 흐름에 기여했는데, 도류 박스를 사용한 드럼 머신의 프로그래밍된 비트와 생생한 라이브 드러밍을 결합하여 독특한 리듬 텍스처를 창조했다.

토킹 헤즈의 음악은 지속적인 사운드 실험과 혁신적인 프로덕션 기법으로 유명하다. 그들은 전통적인 록 악기 구성에 만족하지 않고, 아프리카 음악의 폴리리듬, 펑크의 에너지, 디스코의 그루브, 그리고 전자 음악의 신선한 소재를 융합하는 독자적인 방식을 추구했다. 특히 브라이언 이노와의 협업은 이 실험 정신을 가속화하는 계기가 되었다. 이노는 앰비언트 음악의 선구자로서, 스튜디오를 하나의 악기처럼 다루는 개념과 테이프 루프 등을 활용한 프로덕션 기법을 도입했다. 이는 밴드의 사운드를 단순한 연주를 넘어서서 스튜디오에서 구축되고 변형되는 총체적 사운드스케이프로 변화시켰다.

이들의 실험성은 앨범 제작 과정에 그대로 반영되었다. 예를 들어, 1980년작 Remain in Light는 전통적인 작곡 방식인 '멜로디-가사-리프'의 순서를 뒤집은 '리듬 트랙 먼저' 방식으로 제작되었다. 멤버들은 먼저 방대한 양의 즉흥 재즈 세션을 녹음한 후, 그 중에서 리듬 파트를 추출해 테이프 루프로 만들었다. 이후 이 루프 위에 기타 리프, 신시사이저 라인, 그리고 마지막으로 가사와 멜로디를 덧붙이는 방식을 취했다. 이 과정은 하나의 곡에 수많은 오버더빙 레이어가 쌓이는 결과를 낳았으며, 복잡하면서도 유기적인 사운드 텍스처를 창조했다.

프로덕션 측면에서도 그들은 당시 새롭게 등장한 기술을 적극적으로 수용했다. 드럼 머신과 신시사이저의 사용은 점차 확대되어, 후기 앨범에서는 전통적 록 악기와 전자 악기가 대등한 위치를 차지하게 되었다. 1983년작 Speaking in Tongues의 수록곡 'Burning Down the House'는 강력한 신스 베이스 라인과 기계적인 리듬이 특징이다. 또한, 샘플링과 디지털 편집 기술의 초기 형태를 탐구하며, 녹음된 소리를 자르고 재배열하는 작업을 통해 음악에 콜라주적인 효과를 부여했다.

이러한 실험적 접근은 음반 자체를 넘어 라이브 공연에도 영향을 미쳤다. 밴드는 무대에서도 테이프로 미리 제작한 리듬 트랙을 백킹 트랙으로 사용하거나, 확장된 라인업을 구성하여 스튜디오에서 구현한 복잡한 사운드를 재현하려고 노력했다. 토킹 헤즈의 사운드와 프로덕션 철학은 음악 제작 자체를 하나의 예술적 탐구 과정으로 격상시켰으며, 1980년대 이후의 얼터너티브 록과 일렉트로닉 댄스 음악에 지대한 영향을 남겼다.

데이비드 번은 미국의 음악가이자 영화 감독으로, 토킹 헤즈의 리드 보컬리스트이자 주요 작사가였다. 그는 밴드의 독특한 시각적, 음악적 아이덴티티를 형성하는 데 핵심적인 역할을 담당했다. 번은 스코틀랜드계 이민자 가정에서 태어났으며, 로드아일랜드 디자인 학교에서 공부하던 중 미술과 영화에 대한 관심을 키웠다.

그의 보컬 스타일은 평탄하고 서술적인 톤, 때로는 신경질적이고 불안해 보이는 연출이 특징이었다. 그는 가사에서 현대 도시 생활의 소외감, 일상의 부조리함, 사회적 관찰을 날카롭게 풀어냈다. 무대 위에서의 그는 종종 경직되고 기계적인 움직임을 보여주며, 이는 그가 표현하려는 불안과 어울리는 시각적 요소가 되었다.

토킹 헤즈 활동 외에도 그는 영화 감독으로서 활동하며 스톱 메이킹 센스[3]와 같은 작품을 연출했다. 또한 그는 다양한 솔로 음반을 발표하고 세계 음악에 깊은 관심을 보이며 여러 협업 프로젝트를 진행했다. 그의 작업은 아트 록, 뉴 웨이브부터 월드 뮤직에 이르기까지 폭넓은 영역에 영향을 미쳤다.

티나 웨이마우스는 토론토 출신의 음악가로, 베이스 기타 연주자이자 보컬리스트이다. 그녀는 데이비드 번과 함께 Talking Heads의 공동 창립 멤버이며, 밴드의 독특한 리듬 섹션의 핵심을 형성했다. 웨이마우스는 밴드의 음악적 정체성에 지대한 영향을 미쳤으며, 특히 펑크, 디스코, 아프리카 리듬이 결합된 그들의 사운드에서 그녀의 베이스 라인은 중요한 역할을 했다.

그녀의 베이스 연주 스타일은 미니멀하면서도 강력한 그루브와 멜로디성을 특징으로 한다. Remain in Light와 같은 앨범에서 그녀의 베이스 라인은 복잡한 폴리리듬 구조의 기초를 제공하면서도 독립적인 멜로디처럼 기능했다. 대표적인 곡인 "Psycho Killer"의 베이스 라인은 단순하지만 강렬한 훅으로, 밴드 초기 사운드를 정의하는 요소가 되었다. 또한 그녀는 "Genius of Love"로 유명한 사이드 프로젝트 Tom Tom Club을 동료 멤버인 크리스 프란츠와 함께 결성하여 성공을 거두었다.

티나 웨이마우스는 무대에서 차분하고 집중된 모습으로도 유명했으며, 데이비드 번의 과격한 퍼포먼스와 대비되는 안정감을 제공했다. 그녀의 연주와 음악적 기여는 수많은 후대의 베이시스트와 뮤지션들에게 영감을 주었다. Talking Heads 해체 후에도 그녀는 Tom Tom Club 활동을 이어갔으며, 다양한 아티스트와 협업하고 솔로 작업을 진행하는 등 왕성한 활동을 펼치고 있다.

크리스 프란츠는 타이니 웨이마우스와 함께 토킹 헤즈의 리듬 섹션을 구성한 베이시스트이자 작곡가이다. 그는 밴드의 독특한 펑크와 디스코, 아프로비트가 혼합된 리듬의 핵심을 담당했다. 프란츠의 베이스 라인은 미니멀하면서도 강력한 그루브를 바탕으로, 복잡한 리듬 구조 위에 단순하고 반복적인 멜로디를 얹는 밴드의 특징적 사운드를 구축하는 데 결정적 역할을 했다.

그는 데이비드 번의 가사와 멜로디를 받쳐주는 동시에, 제리 해리슨의 기타 및 키보드 리프와 긴밀하게 호흡하며 음악의 토대를 만들었다. 특히 브라이언 이노와 협업한 시기의 실험적 작품들에서 그의 리듬 감각은 더욱 두드러졌다. 《Remain in Light》 앨범의 수록곡 〈Once in a Lifetime〉이나 〈The Great Curve〉에서 그의 베이스 라인은 곡의 전체적인 에너지와 흐름을 주도하는 동력원과 같았다.

프란츠는 타이니 웨이마우스와의 호흡이 특히 뛰어났으며, 두 사람은 밴드 결성 전부터 음악적 파트너십을 형성하고 있었다. 그들의 리듬 섹션은 단순한 반주가 아닌, 곡의 구조와 분위기를 결정하는 주도적인 요소로 작용했다. 이 조합은 토킹 헤즈를 당시의 다른 뉴 웨이브나 펑크 록 밴드들과 구별되게 하는 가장 중요한 특징 중 하나로 꼽힌다.

밴드 해체 후에도 그는 타이니 웨이마우스와 함께 톰 톰 클럽 활동을 지속하며 프로듀서 및 세션 음악가로도 활약했다. 또한 그는 데이비드 번의 솔로 투어에서 베이시스트로 참여하는 등, 토킹 헤즈 해체 후에도 멤버들과의 협업 관계를 이어나갔다.

제리 해리슨은 1977년 데이비드 번, 티나 웨이마우스, 크리스 프란츠로 구성된 3인조 Talking Heads에 키보디스트 겸 기타리스트로 합류하여 밴드를 4인조로 확장한 인물이다. 그는 밴드의 두 번째 정규 앨범인 *More Songs About Buildings and Food*부터 해체 시기까지 모든 스튜디오 앨범에 참여하며, 밴드의 사운드를 풍부하게 만드는 데 결정적인 역할을 했다.

해리슨은 밴드 내에서 다재다능한 음악가이자 편곡가로 활약했다. 그는 키보드, 기타, 신시사이저 연주를 담당했으며, 특히 브라이언 이노와의 협업이 두드러진 *Remain in Light*와 같은 앨범에서 복잡한 리듬 구조와 미니멀리즘적인 신시사이저 텍스처를 구축하는 데 기여했다. 또한 *Once in a Lifetime*[4]과 같은 곡에서 중요한 기타 리프를 작곡하기도 했다.

해리슨은 프로듀서로서도 큰 족적을 남겼다. 그는 밴드의 *Fear of Music*, *Remain in Light*, *Speaking in Tongues* 앨범에서 공동 프로듀서로 참여했으며, 특히 Talking Heads의 사운드를 스튜디오에서 실현하는 데 핵심적인 기술적, 미학적 역량을 발휘했다. 그의 프로듀싱 능력은 밴드의 라이브 앨범 *Stop Making Sense*의 성공에도 기여했다.

Talking Heads 활동 이후, 해리슨은 성공적인 프로듀서 및 A&R 임원으로 경력을 이어갔다. 그는 라이프하우스의 히트 싱글 *Hanging by a Moment*[5]을 비롯해 버스티드, 더 본 조비스 등 다양한 아티스트의 앨범을 프로듀싱했다. 또한 1990년대에는 모던 라버토리스 레코드의 공동 설립자이자 A&R 담당자로 활동하며 더 프레이트렐스, 클리어 호라이즌 등의 밴드를 발굴하기도 했다.

1980년 10월에 발매된 네 번째 정규 앨범이다. 프로듀서 브라이언 이노와의 두 번째 협업으로, 아프로비트와 펑크의 리듬 구조에 깊이 탐구한 실험적인 작품으로 평가받는다.

앨범의 핵심은 폴리리듬과 층위를 이루는 퍼커션에 있다. 멤버들은 앨범 작업 전 파파 웨바와 필린 오케스트라 등 아프리카 리듬 음악을 광범위하게 연구했으며, 이를 바탕으로 기타 리프와 베이스 라인을 단순하고 반복적인 미니멀리즘 패턴으로 구성했다. 이로 인해 전통적인 록 음악의 구조보다는 겹겹이 쌓인 리듬과 오버더빙된 보컬이 중심이 되는 독특한 사운드가 완성되었다. 대표곡 "Once in a Lifetime"의 비디오는 데이비드 번의 특유한 연기와 안무로 MTV 시대의 아이콘이 되었다.

비평적으로 큰 찬사를 받았으며, 롤링 스톤이 선정한 역사상 가장 위대한 앨범 500선에 꾸준히 이름을 올린다. 이 앨범은 월드뮤직과 아트 록을 결합한 선구적 시도로, 이후 수많은 얼터너티브 록과 포스트펑크 뮤지션에게 지대한 영향을 미쳤다.

1983년 발매된 *Speaking in Tongues*는 Talking Heads의 여섯 번째 정규 앨범이다. 이 앨범은 실험적 사운드로 가득했던 이전 앨범 *Remain in Light* 이후, 보다 접근 가능한 팝 감각과 밴드의 독특한 리듬 감각을 융합한 작품으로 평가받는다. 브라이언 이노와의 협업에서 벗어나 밴드 자체적으로 프로듀싱을 담당했으며, 이는 더욱 직접적이고 즉흥적인 에너지를 기록하는 결과로 이어졌다.

앨범의 사운드는 강력한 펑크 리듬과 아프로비트의 영향을 받은 복잡한 그루브 위에, 데이비드 번의 독특한 보컬과 신시사이저 라인이 얹어진 구조를 가진다. 대표곡 "Burning Down the House"는 밴드 역사상 유일한 미국 빌보드 핫 100 톱 10 싱글이 되었으며, 강렬한 기타 리프와 중독성 있는 후렴구로 대중적인 인기를 끌었다. "This Must Be the Place (Naive Melody)"는 달콤하고 몽환적인 멜로디로, 밴드의 가장 아름다운 발라드 중 하나로 꼽힌다.

*Speaking in Tongues*는 음악적 성과뿐만 아니라, 독창적인 뮤직 비디오와 공연으로도 주목받았다. 앨범 커버는 로버트 라우셴버그가 제작한 회전식 플라스틱 디스크였으며, "Burning Down the House"와 "This Must Be the Place" 등의 비디오는 MTV를 통해 널리 방영되었다. 이 앨범을 지원하기 위한 투어는 이후 전설적인 공연 영화 *Stop Making Sense*로 기록되어, 밴드의 공연 예술적 측면을 확고히 했다.

1979년 발매된 세 번째 정규 앨범으로, 브라이언 이노가 공동 프로듀서로 참여하며 밴드의 사운드가 더욱 다층적이고 불안한 분위기로 진화하는 전환점이 되었다. 이전 작품들보다 더 어둡고 불안한 정서를 표방하며, 현대 도시 생활의 불안과 소외, 초현실적인 공포를 주제로 다루었다.

음악적으로는 아프로비트와 펑크 록의 리듬 구조 위에 날카로운 기타 리프와 불협화음, 반복적인 미니멀리즘 악구가 결합된 특징을 보인다. 수록곡 'Life During Wartime'은 강력한 디스코 비트와 생존주의적 가사가 조화를 이루는 명곡으로 꼽힌다. 'Heaven'과 같은 곡에서는 단순함과 정적 속에 내재된 감정을 효과적으로 전달하는 밴드의 능력이 드러난다.

앨범 커버는 그때까지 사용하던 버스터 클리블랜드의 사진 대신, 회색 콘크리트 텍스처를 배경으로 한 단순한 타이포그래피 디자인을 채택했다. 이는 앨범의 차가운 미학과 불안한 정서를 시각적으로 잘 표현했다. 비평적으로는 당시 호평을 받았으며, 시간이 지나며 그 실험성과 독창성이 재평가되어 역사상 가장 위대한 록 앨범 목록에 자주 이름을 올리게 된다.

데이비드 번의 감독하에 Talking Heads의 뮤직 비디오는 단순한 홍보 수단을 넘어 독립된 예술 작품으로 평가받는다. 특히 1983년 싱글 "Burning Down the House"와 "This Must Be the Place (Naive Melody)"의 비디오는 밴드의 독특한 시각 미학을 선보였다. 1984년에는 앨범 Speaking in Tongues의 투어를 기록한 공연 영화 Stop Making Sense가 개봉되었는데, 이 영화는 공연 영화 장르의 새로운 지평을 열었다[7]. 영화는 무대 장치를 최소화하고 점진적으로 확대되는 공연 구성, 그리고 데이비드 번의 독특한 무대 퍼포먼스에 집중하여 열광적인 평론가들의 호평을 받았다.

무대 위에서의 퍼포먼스는 밴드 정체성의 핵심이었다. 초기에는 아트 펑크의 간결함과 긴장감을 보여주었으나, 전성기에는 멤버 수를 확대하여 풍부하고 복잡한 리듬을 살린 대규모 라인업으로 공연했다. 데이비드 번의 움직임은 경직되고 기계적이면서도 불안하고 강박적인 에너지를 발산하여, 가사의 불안과 소외감을 시각적으로 표현했다. 이러한 무대 매너는 당시의 전형적인 록 스타 상을 의도적으로 거부하는 것이었다.

Stop Making Sense는 단순한 공연 기록을 넘어, 영화적 구성과 연출로 완성된 작품으로 자리잡았다. 영화는 밴드의 음악적 진화와 집단적 에너지를 포착했을 뿐만 아니라, 이후 수많은 공연 영화와 뮤직 비디오 제작에 지대한 영향을 미쳤다. 이를 통해 Talking Heads는 1980년대 뉴 웨이브 음악과 비주얼 아트, 공연 예술을 교차시키는 선구자 역할을 했다.

토킹 헤즈는 1980년대 이후 수많은 음악가와 장르에 지대한 영향을 미쳤다. 그들의 독특한 아트 펑크와 뉴 웨이브 접근법, 특히 아프로비트와 펑크 리듬의 혁신적 결합은 포스트펑크, 얼터너티브 록, 인디 록의 발전에 중요한 토대를 제공했다. 밴드는 복잡한 리듬 구조, 미니멀한 기타 리프, 실험적인 프로덕션 기법을 통해 기존 록 음악의 경계를 넓혔고, 이는 후배 음악가들에게 새로운 가능성을 제시했다.

특히 1980년대 말과 1990년대에 등장한 많은 얼터너티브 록 밴드들은 토킹 헤즈의 영향을 직접적으로 언급했다. R.E.M., U2의 초기 작품, 그리고 펄 잼과 같은 밴드들은 토킹 헤즈의 간결한 기타 사운드와 지적인 가사 스타일에서 영감을 받았다. 1990년대 브릿팝 운동에서도 그들의 영향력은 간과할 수 없었는데, 블러와 라디오헤드는 토킹 헤즈의 실험 정신과 정서 불안을 표현하는 방식을 자신들의 음악에 각색했다[8].

2000년대 이후의 인디 록, 댄스 펑크, 포스트펑크 리바이벌 장르에서도 그들의 유산은 계속해서 이어졌다. 인터폴, LCD 사운드시스템, 아케이드 파이어, 더 스트룹스 등의 밴드는 토킹 헤즈의 리듬 중심의 편곡, 신시사이저 사용, 그리고 무대 퍼포먼스에 대한 관점에서 명백한 영향을 받았다. LCD 사운드시스템의 제임스 머피는 데이비드 번의 디스코와 록의 융합 시도를 자신의 음악에서 직접적으로 계승하고 발전시켰다.

또한 크라우티드 하우스, 토마스 돌비, 데이비드 번의 솔로 작업은 월드 뮤직과 일렉트로닉 음악을 현대 인디 신에 접목하는 데 중요한 역할을 했으며, 이는 애니멀 콜렉티브나 베어즈와 같은 실험적인 팝 밴드들에게 길을 열어주었다. 토킹 헤즈의 영향력은 특정 장르를 넘어, 록 음악에 지적이고 예술적인 접근을 가능하게 한 선구자로서의 지위에 기인한다.