Rush (r1)

리드 싱어 겸 베이시스트 게디 리와 기타리스트 앨릭스 라이프슨은 1968년 가을 토론토에서 존 러트시를 드러머로 영입해 밴드를 결성했다. 밴드 이름은 게디 리의 형제가 제안한 'Rush'로 확정되었다. 이들은 영국의 하드 록 밴드인 레드 제플린과 크림의 영향을 강하게 받아 활동을 시작했으며, 토론토의 클럽과 고등학교 무대를 중심으로 공연을 이어갔다.

1973년, 그들은 첫 번째 싱글 〈Not Fade Away〉/〈You Can't Fight It〉을 자체 레이블 'Moon Records'를 통해 발매했다. 이 싱글의 성공으로 그들은 데모 테이프 작업에 착수했고, 이 테이프는 클리블랜드의 영향력 있는 라디오 DJ 도나 할퍼린의 주목을 받게 된다. 할퍼린은 이들의 음악을 적극적으로 방송했고, 이는 결국 머큐리 레코드의 자회사인 문 레코드와의 계약으로 이어졌다.

1974년 3월, 그들은 데뷔 앨범 《Rush》를 발매했다. 이 앨범에는 이후 밴드의 대표곡이 된 〈Working Man〉이 수록되어 있었는데, 이 곡은 미국 중서부의 블루칼라 노동자들의 공감을 얻으며 라디오에서 큰 인기를 끌었다. 그러나 앨범 발매 직후, 드러머 존 러트시는 음악적 방향성 차이와 투어 생활의 부담을 이유로 밴드를 떠났다.

러트시의 빈자리는 닐 피어트로 채워졌다. 피어트는 1974년 7월 14일 첫 공연을 치렀고, 그의 합류는 밴드의 운명을 바꾸는 결정적 계기가 되었다. 피어트의 테크니컬하고 복잡한 드럼 연주 스타일, 그리고 시적인 가사 쓰기 능력은 Rush의 음악을 근본적으로 재정의하는 시작점이었다. 그 해 말, 피어트가 참여한 첫 앨범 《Fly by Night》의 녹음이 준비되었다.

1975년 발매된 2112는 러시의 전환점이 되었다. 이전 음반인 Caress of Steel의 상업적 실패에도 불구하고, 밴드는 자신들의 음악적 비전을 고수했고, 이 앨범은 특히 북미에서 열렬한 팬층을 확보하는 데 성공했다. 사이드 1을 장식한 20분 분량의 서사시적 곡 "2112"는 에인 랜드의 소설에 영향을 받은 반집단주의적 주제를 담고 있어 밴드의 철학적 가사 작법의 정점을 보여주었다.

1976년부터 1981년까지 러시는 국제적인 성공을 거두며 가장 생산적이고 영향력 있는 시기를 보냈다. 이 시기 발매된 A Farewell to Kings (1977), Hemispheres (1978), Permanent Waves (1980), Moving Pictures (1981)는 모두 비평적, 상업적 성과를 거두었다. 특히 *Permanent Waves*의 "The Spirit of Radio"와 *Moving Pictures*의 "Tom Sawyer", "Limelight"는 라디오에서 크게 히트하며 밴드를 메인스트림에 진입시켰다.

이 시기의 음악은 복잡한 프로그레시브 록 구조와 접근 가능한 팝 감각의 독특한 조화를 특징으로 한다. 닐 피어트의 시적이고 개념적인 가사, 게디 리의 독창적인 베이스 라인과 보컬, 알렉스 라이프슨의 테크니컬한 기타 연주, 그리고 피어트의 정교한 드럼 연주가 결합되어 러시만의 사운드를 완성했다. 1981년 발매된 *Moving Pictures*는 미국에서 4위까지 오르며 밴드의 최고 상업적 성공을 기록했고, 이후 다이아몬드 인증을 받았다.

이 기간 동안의 성공은 엄청난 규모의 월드 투어로 이어졌다. 밴드는 점점 더 정교해지는 라이브 쇼를 선보이며 공연 능력으로도 명성을 쌓았다. 1981년 투어의 라이브 공연은 이후 Exit...Stage Left 라이브 음반과 비디오로 발매되어 그들의 전성기 라이브 위력을 증명했다.

1982년 발매된 Signals는 Rush의 음악적 전환점을 확실히 보여주었다. 이전 작품들에서 보조적으로 사용되던 신시사이저가 음악의 전면으로 부상했고, 기타 리프보다는 키보드와 신시사이저의 멜로디와 텍스처가 주도적인 역할을 했다. 타이틀곡 "Subdivisions"는 전형적인 신시사이저 팝 사운드와 복잡한 리듬 구조를 결합하며, 당시 밴드의 새로운 방향성을 상징적으로 보여주었다. 이 시기의 변화는 프로그레시브 록의 정수를 유지하면서도 1980년대의 새로운 음악 기술과 트렌드를 적극적으로 수용한 결과였다.

1984년의 Grace Under Pressure와 1985년의 Power Windows는 이러한 실험을 더욱 깊이 있게 발전시켰다. 신시사이저와 샘플러, 드럼 머신을 활용한 정교한 프로덕션과 편곡이 두드러졌다. 특히 "The Big Money"나 "Mystic Rhythms" 같은 곡들은 밴드의 기술적 완성도와 함께 사회적, 정치적 주제를 다루는 가사의 깊이를 유지했다. 이 시기 게디 리의 베이스 기타 연주는 신시사이저 베이스 라인과의 조화를 이루기 위해 더욱 멜로디컬하고 복잡해지는 진화를 보였다.

1987년의 Hold Your Fire와 1989년의 Presto로 이어지는 후반부에는 신시사이저의 사용이 정점에 달했으나, 동시에 점차 기타의 비중을 다시 높이는 조정의 시도도 나타났다. "Force Ten"이나 "Show Don't Tell" 같은 곡들은 여전히 풍부한 키보드 레이어를 특징으로 했지만, 밴드는 과도한 전자 음악적 요소에 대한 일부 팬들의 비판을 의식하기 시작했다. 1980년대 말, Rush는 프로그레시브 록의 기반 위에 구축된 자신들만의 독특한 신시사이저 록 사운드를 정립한 상태였다.

1990년대에 들어서면서 Rush는 신시사이저를 적극 활용한 사운드에서 벗어나 다시 기타 중심의 하드 록 사운드로 회귀하는 변화를 보였다. 1991년 발매한 《Roll the Bones》와 1993년 《Counterparts》는 이러한 방향 전환을 명확히 보여주는 앨범이었다. 특히 《Counterparts》는 얼터너티브 록의 흐름을 받아들여 더욱 거칠고 직설적인 사운드를 추구했다. 1996년 《Test for Echo》를 발매하고 월드 투어를 진행한 후, 밴드는 개인적인 시간을 가지기 위해 활동을 잠정 중단했다.

이 휴식기는 1997년 닐 피어트의 개인적 비극[1]으로 인해 길어졌다. 밴드의 미래가 불확실해 보였으나, 멤버들은 서로에 대한 존중과 우정을 바탕으로 다시 모였다. 2002년, 그들은 5년 만에 새 앨범 《Vapor Trails》로 컴백하여 어둡고 감정적인 주제를 다뤘다. 이후 《Snakes & Arrows》(2007)와 《Clockwork Angels》(2012)를 발표하며 꾸준한 창작 활동을 이어갔다. 《Clockwork Angels》는 콘셉트 앨범 형식으로 만들어져 초기 프로그레시브 록 시절의 야심을 다시 떠올리게 했다.

2015년, Rush는 마지막 대규모 투어인 《R40 Live》 투어를 성공적으로 마쳤다. 이 투어는 밴드의 40년 이상에 걸친 경력을 조명하는 내용이었다. 그러나 닐 피어트의 건강 문제[2]로 인해 더 이상의 대규모 투어는 어려워졌다. 2018년 1월, 앨릭스 라이프슨은 한 인터뷰에서 밴드가 더 이상 투어나 새 앨범 작업을 하지 않을 것이라고 공식적으로 밝혔다. 이로써 Rush의 활동에 사실상 종지부가 찍혔다. 2020년 1월 7일, 닐 피어트가 뇌종양으로 사망하면서 밴드의 역사는 완전한 끝을 맞이했다.

게디 리 (본명 게리 리 웨인리브)는 리드 보컬, 베이스 기타, 키보드를 담당하는 멤버이다. 그는 1953년 9월 29일 캐나다 온타리오주에서 태어났으며, 밴드의 창립 멤버이자 주요 작사가이다. 그의 독특한 보컬 톤과 복잡한 베이스 라인 연주는 Rush 사운드의 핵심 요소이다.

알렉스 라이프슨 (본명 알렉산더 조리아스 라이프슨)은 리드 기타와 백킹 보컬을 담당한다. 그는 1953년 8월 27일 캐나다 브리티시컬럼비아주에서 태어났으며, 역시 밴드의 창립 멤버이다. 그의 기타 연주는 멜로디와 테크닉을 결합한 스타일로, 프로그레시브 록과 하드 록의 경계를 넘나든다.

닐 피어트 (본명 닐 엘우드 피어트)는 드럼, 타악기, 그리고 밴드의 가사를 담당했다. 그는 1952년 9월 12일 캐나다 퀘벡주에서 태어났다. 1974년 7월에 존 러트시의 후임으로 합류하여 밴드의 고정 라인업을 완성했다. 그는 뛰어난 테크니션으로 널리 인정받았으며, 철학적이고 문학적인 가사로 유명했다. 닐 피어트는 2020년 1월 7일 뇌종양으로 사망하여, 밴드는 실질적으로 활동을 종료한 상태이다.

이 세 명의 라인업은 1974년부터 2018년까지 40년 이상 변함없이 유지되었으며, 록 역사상 가장 오래 지속되고 존경받는 트리오 중 하나로 기록된다.

초기 라인업에는 앨릭스 라이프슨 (기타), 게디 리 (베이스, 보컬), 존 러트시 (드럼)이 포함되었다. 이 라인업으로 데뷔 음반인 《Rush》 (1974)를 녹음했다. 그러나 러트시는 음악적 방향성에 대한 견해 차이와 투어 생활에 대한 부담을 이유로 밴드를 떠났다.

러트시의 공석은 닐 피어트가 채웠다. 피어트는 1974년 7월 라이브 공연을 앞두고 합류하여, 이후 밴드의 고정 멤버이자 주요 작사가로 자리 잡았다. 이 변화는 Rush의 음악이 본격적으로 프로그레시브 록 방향으로 발전하는 결정적 계기가 되었다.

초기에는 단기간 활동한 멤버들도 있었다. 최초의 드러머는 존 러트시의 형제인 제프 러트시였다. 또한, 최초의 보컬리스트로 린디 영이 있었으나, 그는 첫 번째 싱글 〈Not Fade Away〉/〈You Can't Fight It〉 (1973) 녹음 후 밴드를 떠났다. 이로 인해 게디 리가 리드 보컬을 맡게 되었다.

Rush의 음악은 프로그레시브 록의 핵심 요소와 탁월한 연주 실력, 즉 테크니컬리티가 결합된 독특한 스타일로 정의된다. 밴드는 초기부터 긴 연주 시간, 복잡한 곡 구조, 그리고 서사시적인 가사를 특징으로 하는 프로그레시브 록의 전통을 따랐다. 1970년대 중반 발매된 《2112》와 《A Farewell to Kings》 같은 앨범은 이러한 접근법의 정점을 보여주며, 하나의 주제를 깊이 탐구하는 다악장 구성의 곡들을 선보였다.

이들의 프로그레시브 록은 단순한 형식적 실험이 아니라, 각 멤버의 뛰어난 기량에 기반을 두었다. 닐 피어트의 드럼 연주는 정교한 리듬 패턴과 독창적인 필인으로 유명하며, 알렉스 라이프슨의 기타 리프와 솔로는 멜로디와 테크닉을 겸비했다. 게디 리의 베이스 라인은 단순한 리듬 악기의 역할을 넘어 선율적이고 복잡한 독주와도 같았으며, 그의 보컬과 함께 키보드를 동시에 연주하는 모습은 라이브 공연의 백미였다.

1980년대에 접어들며 밴드는 신시사이저의 비중을 높여 음악에 더욱 풍부한 질감과 현대적인 사운드를 도입했다. 《Moving Pictures》와 《Signals》 같은 앨범에서 프로그레시브 록의 복잡성은 더욱 정제되고, 강력한 팝 감각과 결합되었다. 이 시기의 음악은 여전히 변박자와 정교한 편곡을 유지했지만, 곡의 길이는 상대적으로 짧아지고 후크가 더욱 두드러졌다.

Rush의 프로그레시브 록과 테크니컬리티는 하드 록, 헤비 메탈, 심지어 뉴 웨이브의 요소까지 흡수하며 지속적으로 진화했다. 그 결과, 그들의 음악은 단순한 장르 분류를 거부하는 독자적인 영역을 구축했으며, 기술적 완성도와 예술적 야심을 모두 추구하는 수많은 후배 뮤지션들에게 지대한 영향을 미쳤다.

닐 피어트가 주로 담당한 Rush의 가사는 철학, 과학, 문학, 사회 비판 등 다양한 지적 주제를 탐구하는 것으로 유명하다. 초기에는 아인 랜드의 객관주의 철학에서 강한 영향을 받아 개인주의와 반집단주의를 주제로 한 곡들을 많이 썼다. 대표적으로 1975년 앨범 Caress of Steel의 'The Fountain of Lamneth'와 1976년 앨범 2112의 사이드 1 타이틀 곡이 이 시기의 산물이다.

1980년대에 접어들면서 가사의 초점은 인간 관계, 사회 현상, 기술 발전의 양면성 등 보다 보편적인 주제로 확장되었다. 'Subdivisions'는 교외 생활의 획일화와 소외감을, 'The Spirit of Radio'는 상업화된 라디오 산업을 풍자한다. 또한 'Red Barchetta'는 자유에 대한 이야기를, 'YYZ'는 순수 기악곡으로 토론토 피어슨 국제공항의 IATA 코드에서 제목을 가져오는 등 다양한 영감을 보여준다.

그들의 가사는 종종 서사시적 구조와 문학적 비유를 사용한다. 'Xanadu'는 새뮤얼 테일러 콜리지의 시 '쿠블라 칸'에서, 'The Trees'는 우화를 통해 사회적 갈등을 묘사한다. 후기 작품에서는 더욱 개인적이고 내성적인 성향을 띠며, 삶, 시간, 회한에 대한 성찰이 두드러진다. 이러한 지적이고 문학적인 가사는 Rush를 단순한 록 밴드를 넘어 문화적 현상으로 자리매김하게 하는 핵심 요소 중 하나이다.

러시의 악기 연주는 각 멤버의 탁월한 기량과 세 멤버가 만들어내는 밀도 높은 합주가 특징이다. 게디 리의 정교하고 테크니컬한 기타 연주, 알렉스 라이프슨의 정확하고 복잡한 베이스 기타 라인, 닐 피어트의 뛰어난 테크니컬과 표현력을 갖춘 드럼 연주는 각각 독보적인 영역을 구축했다. 특히 피어트의 드럼 솔로는 그들의 라이브 공연에서 빠질 수 없는 하이라이트였다.

편곡 측면에서 러시는 프로그레시브 록의 전형적인 긴 곡 구조와 변박자를 적극적으로 활용했다. 대표곡 〈2112〉나 〈Xanadu〉와 같은 곡들은 하나의 앨범 사이드를 모두 차지하는 서사시적인 스케일과 여러 개의 동기(motif)가 발전하는 형식을 보여준다. 이들은 전통적인 AABA 형식을 벗어나, 하나의 주제가 변주되고 발전하며 새로운 섹션으로 자연스럽게 전환되는 방식을 선호했다.

악기 편성과 음색에도 지속적인 실험이 이루어졌다. 1980년대 초반부터는 신시사이저와 시퀀서를 본격적으로 도입하여 사운드의 스펙트럼을 확장했다. 이 시기에는 기타 리프보다 신시사이저 패드와 선율이 주도하는 곡들이 많아졌으며, 라이프슨은 스틱과 베이스 페달 신시사이저 같은 새로운 악기도 연주했다. 그러나 1990년대 이후에는 다시 기타 중심의 록 사운드로 회귀하는 경향을 보였다.

그들의 합주는 세 명이지만 풍부하게 들리는 비결은 각자의 연주가 멜로디, 리듬, 하모니의 역할을 동시에 수행하는 데 있다. 라이프슨의 베이스 라인은 단순한 저음 지원을 넘어 선율적이고 리드미컬한 독립성을 가지며, 리의 기타와 피어트의 드럼은 서로의 리듬 패턴을 정교하게 엮어내 복잡한 텍스처를 창조한다. 이로 인해 러시의 음악은 여러 번 듣더라도 새로운 디테일을 발견할 수 있는 깊이를 지니게 되었다.

1970년대 Rush는 초기 블루스 록 기반의 하드 록에서 점차 독자적이고 복잡한 프로그레시브 록 사운드로 진화하는 과정을 보여주었다. 이 시기의 음반들은 밴드의 정체성을 확립하고, 게드디 리의 서사적이고 문학적인 가사 세계를 본격적으로 선보이는 시발점이 되었다.

1974년 발매된 데뷔 앨범 《Rush》는 크림 (밴드)과 레드 제플린의 영향을 받은 블루스 하드 록 스타일을 보여주었으나, 상업적으로 큰 성공을 거두지는 못했다. 이듬해인 1975년의 《Fly by Night》는 닐 피어트가 드러머 겸 주요 작사가로 합류하면서 밴드의 전환점을 마련했다. 타이틀곡 "Fly by Night"과 서사시적인 곡 "By-Tor & the Snow Dog"을 통해 더욱 진보적인 사운드와 개념적 가사의 단초를 열었다. 같은 해 말 발매된 《Caress of Steel》은 "The Fountain of Lamneth"와 같은 장편 서사곡을 시도했으나 당시 대중과 비평가로부터 냉담한 반응을 받으며 상업적으로 실패했다.

이러한 실험의 정점이자 대중적 성공의 돌파구는 1976년의 《2112》였다. 20분 이상의 장편 타이틀 트랙은 아인 랜드의 객관주의 철학에서 영감을 받은 반유토피아 서사시를 담았으며, 강력한 리프와 테크니컬한 연주로 압도적인 에너지를 발산했다. 이 앨범은 캐나다에서 플래티넘을 기록하며 밴드의 입지를 확고히 했다. 이후 《A Farewell to Kings》(1977)와 《Hemispheres》(1978)를 통해 그들의 프로그레시브 록 스타일은 절정에 달했다. 전자에서는 시그니처 곡 "Closer to the Heart"와 함께 알렉스 라이프슨의 클래식 기타 도입과 복잡한 편곡이 두드러졌고, 후자에서는 사이드 전체를 차지하는 "Cygnus X-1 Book II: Hemispheres"를 통해 사회적 갈등을 신화적 알레고리로 풀어내는 야심찬 구상을 완성했다.

1970년대 말에 발표된 《Permanent Waves》(1980)는 밴드의 또 다른 변화를 예고했다. "The Spirit of Radio"와 "Freewill" 같은 곡들은 여전히 높은 연주 실력을 유지하면서도 더욱 정제되고 접근 가능한 팝 감각을 도입하여, 1980년대의 새로운 시대를 준비하게 했다.

1980년대는 Rush가 신시사이저와 뉴 웨이브의 영향을 받아 음악적 진화를 거친 시기이다. 이 시기의 음반들은 밴드의 정체성을 유지하면서도 당시의 새로운 음악 트렌드를 적극적으로 수용한 특징을 보인다.

1980년 발매된 *Permanent Waves*는 이 과도기의 시작을 알린 음반이다. 타이틀곡 "The Spirit of Radio"는 팝적인 멜로디와 복잡한 리듬 변화를 결합했고, "Natural Science"와 같은 곡에서는 여전히 프로그레시브 록의 서사성을 유지했다. 이듬해인 1981년에 나온 *Moving Pictures*는 밴드의 상업적 정점이자 예술적 성취를 동시에 이룬 걸작으로 평가받는다. "Tom Sawyer", "Limelight", "YYZ"와 같은 곡들은 라디오에서 크게 히트했으며, 여전히 밴드의 대표곡으로 꼽힌다. 특히 "YYZ"는 악기 연주의 비르투오소성을 보여주는 기악곡으로 유명하다.

1980년대 중반으로 접어들며, 밴드는 신시사이저의 비중을 더욱 강화했다. 1982년의 *Signals*는 신시사이저 사운드가 전면에 등장한 첫 음반으로, "Subdivisions"는 소외감과 획일화된 삶을 다루며 큰 공감을 얻었다. 1984년의 *Grace Under Pressure*는 냉전 시대의 불안과 사회적 압박감을 테마로 한 어두운 분위기의 음반이었다. 이후 *Power Windows* (1985)와 *Hold Your Fire* (1987)는 정교하게 레이어링된 신시사이저 텍스처와 복잡한 편곡이 특징이었으나, 일부 팬들은 과도한 전자 음향을 비판하기도 했다. 1989년의 *Presto*는 다시 기타 사운드를 전면으로 내세우는 방향으로의 회귀를 시도한 음반이었다.

1990년대에 접어들면서 Rush는 신시사이저를 과도하게 사용한 1980년대의 사운드에서 벗어나, 다시 기타 중심의 더 무겁고 유기적인 록 사운드로의 회귀를 시도했다. 1993년 발매된 *Counterparts*와 1996년의 *Test for Echo*는 이러한 경향을 잘 보여주는 앨범으로, 프로그레시브 록의 복잡성과 얼터너티브 록 시대의 간결함을 절충한 작품이었다. 특히 *Counterparts*는 베이시스트 겸 보컬리스트인 게디 리가 프로듀싱에 깊이 관여하며 밴드의 음악적 재정립을 이끌었다.

2000년대에는 2002년의 *Vapor Trails*로 6년 만에 컴백했다. 이 앨범은 드러머 닐 피어트의 개인적 비극[3]을 딛고 만든 작품으로, 가사와 음악 모두에서 강렬한 치유와 재기의 에너지를 담고 있다. 2007년의 *Snakes & Arrows*는 다시 한 번 프로그레시브 록의 정수를 보여주며, 밴드의 마지막 스튜디오 앨범인 2012년의 *Clockwork Angels*로 이어졌다.

*Clockwork Angels*는 Rush의 예술적 성과를 집대성한 콘셉트 앨범이었다. 스팀펑크를 배경으로 한 서사시적인 스토리와 함께, 밴드는 그들의 모든 음악적 역사—1970년대의 서사시적 구성, 1980년대의 강력한 훅, 2000년대의 무거운 기타 리프—를 하나로 융합했다. 이 앨범은 비평가들과 팬들로부터 폭넓은 찬사를 받으며, 그들의 장대한 커리어를 위엄 있게 마무리하는 작품이 되었다.

Rush는 프로그레시브 록과 하드 록의 경계를 확장하고, 기술적 완성도를 새로운 차원으로 끌어올린 선구자로 평가받는다. 밴드는 닐 피어트의 문학적이고 철학적인 가사, 게디 리의 독창적인 보컬과 베이스 라인, 알렉스 라이프슨의 표현력 있는 기타 연주, 그리고 세 멤버 모두의 탁월한 악기 연주 실력이 결합된 독특한 음악 세계를 구축했다. 이들의 음악은 복잡한 리듬 변화, 확장된 악곡 형식, 그리고 신시사이저를 포함한 다양한 음향 실험을 통해 1970년대 후반부터 1980년대 프로그레시브 록의 진화에 지대한 영향을 미쳤다.

Rush의 영향은 메탈과 프로그레시브 메탈 장르에서 특히 두드러지게 나타난다. 드림 시어터, 툴, 오페스, 메가데스의 데이브 머스테인, 스모킹 팝스의 빌리 코건 등 수많은 아티스트들이 Rush를 주요 영감의 원천으로 꼽았다[7]. 이들은 Rush로부터 기술적 정확성, 서사적인 곡 구성, 그리고 개인적 표현과 음악적 위업을 결합하는 방식을 배웠다. 또한, 프라이머스의 레스 클래폴과 같은 베이시스트는 게디 리의 멜로디컬하고 선도적인 베이스 연주 스타일에 깊은 영향을 받았다.

Rush는 상업적 성공과 예술적 진정성을 양립한 모범 사례로도 회자된다. 밴드는 메이저 레이블(머큐리 레코드)과의 오랜 협력 관계 속에서도 음악적 방향에 대한 완전한 통제권을 유지하며, 라디오 친화적인 싱글을 내놓으면서도 한편으로는 앨범 하나 전체가 하나의 개념을 이루는 콘셉트 앨범을 제작하는 등 아티스트로서의 독립성을 지켜냈다. 이는 이후의 많은 록 아티스트들에게 예술적 자율성의 중요성을 보여주는 길잡이가 되었다.

Rush는 장기간에 걸친 활동과 음악적 성취를 인정받아 다양한 상과 영예를 수상했으며, 여러 주목할 만한 기록을 세웠다.

가장 중요한 공식적 영예로는 록 앤 롤 명예의 전당 헌액을 꼽을 수 있다. 밴드는 2013년에 헌액되었으며, 헌액식에서 데이브 그롤과 테일러 호킨스가 그들의 곡을 연주하는 영광을 누렸다. 또한, 캐나다 음악 산업에서 최고의 영예인 캐나다 훈장을 1996년에 수훈했고, 캐나다 명예의 거리에 이름을 올렸다. 음악적 공로를 인정받아 그래미 어워드 최우수 록 악기 연주 부문을 2회 수상했으며, 수많은 주노상을 수상했다.

Rush는 앨범 판매량과 차트 성적 측면에서도 인상적인 기록을 보유하고 있다. 전 세계적으로 4천만 장 이상의 앨범을 판매했다. 미국에서 24장의 정규 앨범이 빌보드 200 차트에 진입했으며, 이 중 14장이 톱 10에, 5장이 1위에 올랐다[8]. 특히 1976년 발매된 《2112》는 캐나다에서 3x 플래티넘을 기록하는 등 밴드의 국제적 성공의 초석을 마련했다.

라이브 공연 분야에서도 Rush는 독보적인 기록을 남겼다. 밴드는 2010년과 2011년 캐나다 워킹 투어를 통해 캐나다 내 40개 이상의 도시에서 공연하며 가장 광범위한 국내 투어를 펼친 아티스트로 기네스 세계 기록에 이름을 올렸다. 또한, 클리블랜드의 하우스 오브 블루스에서 가장 많은 공연 횟수를 기록한 아티스트이기도 하다.