Pink Floyd (r1)

1965년, 런던의 건축 학교에서 만난 로저 워터스, 닉 메이슨, 리처드 라이트는 시그마 6라는 이름의 밴드를 결성한다. 이들은 곧 시드 배럿을 기타리스트로 영입하고, 배럿이 제안한 두 개의 블루스 음악가 이름(핑크 앤더슨과 플로이드 카운실)을 조합해 핑크 플로이드라는 밴드명을 채택한다[3].

초기 핑크 플로이드는 런던의 언더그라운드 클럽, 특히 UFO 클럽에서 R&B와 표준 블루스 넘버를 주로 연주했다. 그러나 시드 배럿의 독창적인 작곡과 사이키델릭 문화의 영향으로 그들의 음악은 빠르게 변모하기 시작한다. 1966년 말부터는 배럿이 주도한 실험적인 사운드와 확장된 즉흥 연주가 공연의 중심이 되었다. 이 시기의 대표곡인 〈Interstellar Overdrive〉는 단순한 블루스 진행을 넘어선 프리폼의 즉흥 연주를 특징으로 하며, 이후 밴드의 음악적 정체성을 형성하는 초석이 된다.

1967년 3월, 밴드는 EMI의 컬럼비아 레이블과 계약을 체결하고 첫 싱글 〈Arnold Layne〉을 발표한다. 이 곡은 변태성을 주제로 한 가사로 방송 금지 처분을 받기도 했으나, 영국 차트에서 20위권에 진입하는 성과를 거둔다. 같은 해 8월에 발매된 데뷔 정규 음반 《The Piper at the Gates of Dawn》은 시드 배럿의 독보적인 창의성이 집약된 작품으로 평가받는다. 이 앨범은 유쾌하고 몽환적인 사이키델릭 록의 정수를 보여주었으며, 당시 애비 로드 스튜디오에서 녹음 중이던 비틀즈의 《Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band》와 함께 1967년 영국 사이키델릭 신의 양대 산맥으로 꼽힌다.

하지만 데뷔 앨범의 성공과는 별개로, 시드 배럿의 정신 건강은 심각한 악화를 겪기 시작했다. 과도한 LSD 사용과 정신적 압박으로 인해 그의 공연과 인터뷰 태도는 점점 예측 불가능해졌다. 1967년 말부터 밴드는 배럿의 불안정한 상태를 보완하기 위해 그의 옛 학교 친구이자 기타리스트인 데이빗 길모어를 세션 멤버로 영입하기에 이른다. 이는 1968년 초 배럿의 공식적인 탈퇴로 이어지는 결정적인 전환점이 된다.

이 시기는 핑크 플로이드가 창단 멤버이자 주요 작곡가였던 시드 배럿의 탈퇴 이후 새로운 음악적 정체성을 구축하고, 첫 번째 주요 성공을 거둔 시기이다. 1968년 초, 정신 건강과 약물 문제로 인해 밴드 활동이 어려워진 시드 배럿은 공식적으로 탈퇴하게 되었다. 그의 자리는 기타리스트이자 보컬리스트인 데이빗 길모어가 합류하여 채웠고, 베이시스트 로저 워터스가 점차 주도적인 작사가이자 개념 기획자로 부상하기 시작했다.

이들의 두 번째 정규 음반인 《A Saucerful of Secrets》(1968)은 이러한 과도기를 반영한다. 시드 배럿이 참여한 마지막 곡과 새로운 멤버 데이빗 길모어가 참여한 곡이 공존했으며, 11분 이상의 타이틀 트랙은 프로그레시브 록으로의 방향성을 보여주었다. 이후 《More》(1969)와 《Ummagumma》(1969)를 발표하며 실험을 지속했고, 1970년 발매한 《Atom Heart Mother》에서는 오케스트라와 합창단을 도입한 대규모 서사적 곡을 선보여 본격적인 개념 음반의 단초를 마련했다.

1971년 발표한 《Meddle》은 핑크 플로이드의 음악적 돌파구가 된 음반이다. 특히 B면을 모두 차지한 23분 길이의 곡 〈Echoes〉는 밴드의 협업과 음향 실험의 정점을 보여주었으며, 이후 작품들의 서사적 구조와 사운드 스케이프의 원형을 제시했다. 이어 1972년 발매한 《Obscured by Clouds》는 영화 사운드트랙 작업이었으나, 《Meddle》에서 확립된 서정적인 사운드를 계승하며 상업적 성과도 거두었다. 이 시기의 음반들과 투어를 통해 밴드는 점차 대중적인 인지도를 얻어갔고, 다음 시기의 세계적인 성공을 위한 토대를 완성하게 된다.

이 시기는 핑크 플로이드가 세계적인 명성과 상업적 성공의 정점에 오른 시기이다. 1973년 발매된 《The Dark Side of the Moon》은 밴드의 음악적 비전과 대중적 접근성을 완벽하게 결합한 작품이었다. 앨범은 개념 음반의 정수로, 삶, 죽음, 시간, 광기, 물질주의 등 보편적 주제를 탐구하는 가사와 혁신적인 음향 실험으로 구성되었다. 《Money》와 《Time》 같은 곡들은 라디오에서 큰 인기를 끌었고, 앨범은 빌보드 차트에 역사적으로 긴 기간 동안 머무르는 기록을 세웠다[4].

《The Dark Side of the Moon》의 엄청난 성공 이후, 밴드는 후속작에 대한 압박을 느꼈으나, 1975년 발매한 《Wish You Were Here》는 또 다른 걸작으로 자리매김했다. 이 앨범은 주로 음악 산업의 냉소성과 창의적 공허함, 그리고 정신적 건강으로 고통받던 창립 멤버 시드 배럿에 대한 그리움과 애도를 주제로 삼았다. 타이틀곡 《Wish You Were Here》와 9부작 모음곡 《Shine On You Crazy Diamond》는 밴드의 정서적 깊이와 서사적 작곡 능력을 보여주는 대표곡이 되었다.

이 시기의 투어는 점점 더 정교해진 무대 장치와 음향 시스템을 특징으로 했다. 《The Dark Side of the Moon》 투어에서는 360도 서라운드 사운드 시스템이 도입되었고, 이후 공연에서는 대형 투사 스크린과 복잡한 조명 효과가 활용되었다. 이러한 무대 쇼는 핑크 플로이드의 공연을 단순한 음악회가 아닌 종합적인 감각적 체험으로 승화시켰다.

1976년부터 1994년까지의 시기는 핑크 플로이드가 내부적 긴장과 창작적 차이로 인해 점차 해체의 길을 걸은 시기이다. 1979년 발매된 《The Wall》은 상업적 성공을 거두었지만, 밴드 내 관계는 더욱 악화되었다. 로저 워터스가 작사, 작곡, 컨셉의 대부분을 주도하며 점점 더 독재적인 역할을 수행했고, 이는 다른 멤버들, 특히 데이빗 길모어와의 마찰을 심화시켰다.

1983년 음반 《The Final Cut》는 사실상 워터스의 솔로 프로젝트에 가까웠으며, 이는 밴드의 기능적 해체를 의미했다. 1985년, 워터스는 핑크 플로이드가 "창조적 힘을 소진했다"며 공식적으로 해체를 선언하고 법적 조치를 통해 밴드 이름의 사용권을 독점하려 했다. 그러나 길모어와 닉 메이슨은 이에 반발하여 법정 다툼 끝에 밴드 이름을 계속 사용할 권리를 얻어냈다.

결국 워터스가 탈퇴한 후, 길모어와 메이슨, 리처드 라이트는 1987년 《A Momentary Lapse of Reason》을 발매하며 핑크 플로이드를 재구성했다. 이 음반과 이후의 세계 투어는 상업적으로 성공했지만, 많은 비평가들은 이 시기의 음악이 과거의 정신보다는 기술적 완성도에 치중했다고 평가했다. 1994년, 더욱 협업적인 분위기에서 만들어진 《The Division Bell》을 발매했으나, 이는 2014년까지 사실상 마지막 스튜디오 음반이 되었다. 이 시기의 끝자락에서 밴드는 명맥만 유지한 채 사실상 활동을 중단한 상태에 이르렀다.

2005년 7월 2일, 핑크 플로이드는 라이브 8 콘서트를 위해 네 명의 전성기 멤버(로저 워터스, 데이빗 길모어, 닉 메이슨, 리처드 라이트)가 24년 만에 재결합했다. 이 짧은 공연은 밴드의 역사적 불화를 일시적으로 잠재우고 전 세계적인 화제를 모았다. 그러나 이 공연은 일회성 이벤트에 그쳤고, 밴드의 공식적인 재결합으로 이어지지는 않았다.

2006년 7월, 창립 멤버이자 초기 리더였던 시드 배럿이 사망했다. 같은 해 9월, 키보디스트 리처드 라이트가 암으로 투병 중임이 알려졌고, 그는 2008년 9월 15일 세상을 떠났다. 라이트의 죽음은 핵심 4인 체제의 완전한 재결합 가능성을 사실상 종식시켰다.

2014년, 데이빗 길모어와 닉 메이슨은 20년 만의 새 스튜디오 음반 《The Endless River》를 발매했다. 이 음반은 주로 《The Division Bell》 시기의 미공개 세션 녹음을 기반으로 했으며, 리처드 라이트의 연주가 다수 포함되어 그에 대한 헌정적인 성격을 띠었다. 이후 2022년, 로저 워터스와 데이빗 길모어는 러시아의 우크라이나 침공과 관련된 공개 서한을 두고 다시 한번 공개적인 언론 논쟁을 벌였다. 두 창립 멤버 간의 관계는 지속적으로 악화된 상태를 유지하고 있다.

2023년을 기준으로, 데이빗 길모어와 닉 메이슨은 각자의 솔로 프로젝트에 주력하고 있으며, 로저 워터스는 대규모 솔로 투어를 진행 중이다. 밴드의 공식적인 활동은 없으며, 카탈로그 음반의 리마스터링 발매와 관련 상품 판매가 지속되고 있다. 라이트의 사망과 지속되는 내부 갈등으로 인해 핵심 멤버들의 완전한 재결합 가능성은 거의 없는 상태이다.

핑크 플로이드의 음악적 기반은 초기 사이키델릭 록에서 출발하여, 이후 프로그레시브 록의 선구자로 자리매김하는 과정을 거쳤다. 1960년대 중반, 창단 멤버이자 주요 작곡가였던 시드 배럿의 영향 아래 밴드는 환각적이고 즉흥적인 사운드를 탐구했다. 초기 싱글인 〈Arnold Layne〉과 〈See Emily Play〉, 그리고 데뷔 음반 《The Piper at the Gates of Dawn》 (1967)은 전형적인 영국식 사이키델리아를 보여주었으며, 간결한 팝 곡 구조에 왜곡된 기타 사운드와 초현실적인 가사를 접목시켰다.

배럿의 탈퇴 이후, 밴드는 보다 확장되고 복잡한 음악적 구조를 추구하기 시작했고, 이는 프로그레시브 록의 핵심 요소로 발전했다. 1970년대 초반 발매된 《Atom Heart Mother》 (1970)과 《Meddle》 (1971)은 관현악 편곡, 확장된 인스트루멘털 구간, 그리고 실험적인 테이프 루프 기법을 통해 이러한 전환을 명확히 보여주었다. 이 시기의 음악은 서사적이고 장편 형식의 작품을 지향했으며, 단순한 노래 모음집을 넘어 하나의 통일된 예술 작품으로서의 컨셉트 앨범 개념을 정립하는 데 기여했다.

사이키델릭과 프로그레시브의 요소는 밴드의 정체성 속에 융합되어 지속되었다. 전성기의 대표작인 《The Dark Side of the Moon》 (1973)과 《Wish You Were Here》 (1975)에서는 프로그레시브 록의 정교함과 사이키델릭 록의 분위기, 공간감이 결합되었다. 확장된 재즈 풍의 즉흥 연주, 복잡한 리듬 변화, 그리고 신시사이저와 음향 효과를 활용한 선구적인 사운드스케이프는 이 두 장르의 경계를 넘어선 독자적인 사운드를 창조했다.

이러한 진화를 통해 핑크 플로이드는 사이키델릭 록의 정신적 유산을 프로그레시브 록의 기술적 완성도와 결합시켰으며, 이는 이후 수많은 아티스트들에게 지대한 영향을 미쳤다.

핑크 플로이드는 개념 음반의 선구자로 평가받으며, 앨범 전체가 하나의 통일된 주제나 이야기를 담는 방식을 정립하는 데 크게 기여했다. 이들의 작품은 단순한 곡들의 모음이 아닌, 처음부터 끝까지 이어지는 서사적 구조와 철학적 개념을 가지고 있다. 이러한 접근법은 1970년대 프로그레시브 록의 주요 특징이 되었으며, 앨범을 하나의 완성된 예술 작품으로 인식하는 관점을 대중화했다.

대표적인 개념 음반인 《The Dark Side of the Moon》은 현대 생활의 압박, 광기, 죽음, 시간과 같은 보편적 주제들을 탐구한다. 앨범의 곡들은 서로 유기적으로 연결되어 있으며, 심장박동 소리, 시계 소리, 현금 등록기 소리 등의 효과음이 내러티브의 흐름을 이끈다. 《The Wall》은 더욱 확장된 서사 구조를 보여주는데, 주인공 핑크의 탄생부터 고립과 붕괴, 최종적인 벽의 붕괴까지의 이야기를 선형적으로 그려낸다. 이 앨범은 이후 동명의 영화로도 제작되었다.

이들의 개념 음반은 종종 사회 비판과 철학적 성찰을 담고 있다. 《Animals》은 조지 오웰의 소설 《동물 농장》을 차용하여 인간 사회를 비유적으로 풍자했고, 《Wish You Were Here》는 음악 산업의 상업화와 초기 멤버 시드 배럿에 대한 그리움과 상실감이라는 이중적 주제를 다룬다. 이러한 통합적 접근은 청자로 하여금 개별 곡보다는 앨범 전체를 집중해서 듣도록 유도했다.

핑크 플로이드의 서사적 구조는 음악적 요소뿐만 아니라 앨범 아트워크와 라이브 공연의 시각적 요소까지 포괄하는 총체적 예술 형식을 지향했다. 이는 앨범을 하나의 매체로서의 위상을 높이는 결과를 가져왔다.

핑크 플로이드는 록 음악의 경계를 넓히는 데 결정적인 역할을 한 실험적 사운드와 음향 효과의 선구자로 평가받는다. 그들은 전통적인 악기 연주를 넘어서 테이프 루프, 콘크리트 음악, 신시사이저, 그리고 다양한 일상의 소리를 음악의 핵심 요소로 도입했다. 특히 초기 작품에서 두드러진 사이키델릭 록의 영향 아래, 그들은 피드백, 딜레이, 핸즈 오프 연주 기법 등을 활용해 청각적 환각과 공간적 확장감을 창출했다. 이 과정에서 사운드 엔지니어와의 긴밀한 협업은 음악 제작의 필수적인 부분이 되었다.

음향 효과의 구체적인 활용은 앨범마다 독특한 정체성을 부여했다. 《The Dark Side of the Moon》에서는 심장 박동 소리, 현금 레지스터 소리, 웃음, 시계 초침 소리 등이 테이프 콜라주 기법으로 녹아들어 앨범의 주제인 시간, 광기, 물질주의를 구체화했다. 《Wish You Were Here》의 타이틀 곡에서는 라디오 튜닝 소리를 통해 거리감과 상실감을 표현했으며, 《Animals》에서는 개의 짖는 소리를 샘플링해 사용하기도 했다. 《The Wall》에서는 비행기 소리, 헬리콥터 소리, 폭력 장면의 효과음이 서사적 흐름을 강화하는 데 기여했다.

그들의 접근법은 당시의 기술적 한계를 뛰어넘는 혁신을 요구했다. EMS VCS 3 및 싱클라비어와 같은 초기 아날로그 신시사이저를 적극 도입했고, 빔스와 같은 독자적으로 개발된 효과 장치를 라이브 공연에 활용했다. 또한 쿼드러포닉 사운드와 같은 다채널 음향 시스템을 공연에 도입해 청중을 음악의 중심에 위치시키려는 시도를 지속했다. 이 모든 실험은 단순한 장식이 아니라, 음악의 개념과 정서를 전달하는 본질적인 매체로 기능하도록 설계되었다.

핑크 플로이드의 가사는 종종 실존주의, 소외, 광기, 자본주의, 전쟁, 권력의 남용과 같은 무겁고 철학적인 주제를 탐구한다. 초기에는 창단 멤버 시드 배럿이 주로 환각적이고 초현실적인 이미지를 담은 시적인 가사를 썼으나, 그의 탈퇴 이후 로저 워터스가 밴드의 주요 작사가로 부상하면서 가사의 무게와 사회 비판적 성격이 강해졌다.

워터스가 주도한 전성기 음반들의 가사는 현대 사회의 병리적 현상에 대한 날카로운 통찰을 담고 있다. 《The Dark Side of the Moon》은 시간, 돈, 죽음, 광기 등 삶의 압박 요인들을 다루었고, 《Wish You Were Here》는 음악 산업의 소외와 창의성 상실을, 《Animals》는 조지 오웰의 소설 《동물 농장》을 차용해 인간 사회를 탐욕스러운 돼지, 순종적인 개, 어리석은 양에 비유하며 계급 사회를 신랄하게 풍자했다. 《The Wall》은 주인공 핑크를 통해 전쟁, 권위적 교육, 결혼 실패, 스타덤의 고립 등이 쌓아올린 '벽'과 그로 인한 정신적 붕괴를 서사적으로 그려냈다.

이러한 가사는 단순한 반항이나 비관을 넘어서, 인간 조건의 본질에 대한 질문을 던지는 철학적 성찰의 성격을 띤다. 핑크 플로이드의 음악이 강력한 정서적 충격을 주는 이유는 혁신적인 사운드와 이러한 깊이 있는 가사 주제가 유기적으로 결합했기 때문이다. 이후 《The Division Bell》과 같은 음반에서는 데이빗 길모어와 리처드 라이트의 참여가 늘어나면서 소통과 화합에 대한 더 따뜻한 주제가 부각되기도 했다.

1973년 3월 1일 발매된 《The Dark Side of the Moon》은 핑크 플로이드의 여덟 번째 스튜디오 음반이다. 이 음반은 현대 생활의 압박, 정신 질환, 시간, 죽음, 탐욕과 같은 보편적 주제를 탐구하는 하나의 통합된 개념 작품으로 구성되었다. 음반은 EMI의 애비 로드 스튜디오에서 녹음되었으며, 밴드는 당시 최첨단 다중 트랙 녹음 기술과 테이프 루프, 실험적 믹싱 기법을 광범위하게 활용했다.

음악적으로 이 음반은 복잡한 코드 진행, 확장된 인스트루멘털 구간, 그리고 유기적으로 연결된 트랙들로 특징지어진다. 하트비트 소리, 시계 소리, 현금 레지스터 소리, 사람들의 인터뷰 발췌문 등 다양한 음향 효과와 컨셉적 사운드가 음악에 깊이 통합되어 풍부한 청각적 경험을 창출했다. 대표곡인 〈Money〉는 7/4 박자의 독특한 리프로 유명하며, 〈Time〉과 〈Us and Them〉은 밴드의 서정성과 사회 비판을 동시에 보여준다.

《The Dark Side of the Moon》은 상업적 성공과 비평적 찬사를 동시에 얻었다. 이 음반은 빌보드 200 차트에서 무려 917주 동안 머무르는 경이적인 기록을 세웠으며, 전 세계적으로 4,500만 장 이상이 판매된 것으로 추정된다. 힙그노시스 스튜디오가 디자인한 프리즘과 빛의 스펙트럼을 담은 간결한 커버 아트는 음악사에서 가장 상징적인 앨범 아트 중 하나로 자리 잡았다.

이 음반은 프로그레시브 록 장르의 결정체로 평가받으며, 음반을 하나의 완전한 예술 작품으로 보는 관념을 정립하는 데 크게 기여했다. 또한 기술적 완성도와 철학적 깊이로 인해 스튜디오 녹음의 새로운 기준을 제시했고, 이후 수많은 음악가들에게 지속적인 영감을 주었다.

1975년 발매된 《Wish You Were Here》는 핑크 플로이드의 아홉 번째 스튜디오 음반이다. 이 음반은 전 멤버 시드 배럿에 대한 애도와 함께, 음악 산업의 소외감과 허무함을 주된 주제로 삼는다. 전작 《The Dark Side of the Moon》의 엄청난 성공 이후 쏟아지는 기대와 압박 속에서 제작되었으며, 이로 인한 창작의 괴리감 역시 음반에 깊이 반영되었다.

음반은 총 5개의 트랙으로 구성되었으며, 두 개의 확장된 곡이 사이에 세 개의 짧은 곡을 끼우는 구조를 가진다. 오프닝 곡 〈Shine On You Crazy Diamond〉는 시드 배럿을 직접적으로 언급하며, 그의 천재성과 비극적 몰락을 애도하는 9부작 서사시이다. 타이틀곡 〈Wish You Were Here〉는 직접적이고 담백한 어쿠스틱 발라드로, 부재에 대한 간절함을 표현해 가장 널리 알려진 곡이 되었다. 〈Welcome to the Machine〉과 〈Have a Cigar〉는 음악 산업의 위선과 물질주의를 날카롭게 비판한다.

《Wish You Were Here》는 발매 당시 복잡한 녹음 기술과 실험적 접근으로 주목받았다. 예를 들어, 〈Shine On You Crazy Diamond〉의 서론 부분은 신시사이저와 기타 솔로가 조화를 이루는 서정적인 인스트루멘털로 유명하다. 또한, 음반 녹음 중 모습이 크게 변한 시드 배럿이 예상치 못하게 애비 로드 스튜디오를 방문한 일화는 전설로 남아 있다. 이 음반은 비평적, 상업적으로 큰 성공을 거두었으며, 핑크 플로이드의 걸작 중 하나로 꼽힌다.

《Animals》는 1977년 1월 발표된 핑크 플로이드의 열 번째 스튜디오 음반이다. 이 음반은 조지 오웰의 소설 《동물 농장》에서 영감을 받아, 인간 사회를 풍자하는 개념을 중심으로 구성되었다. 음반의 세 곡은 각각 개, 돼지, 양이라는 동물에 빗대어 사회 계층을 비판한다.

음반은 총 다섯 트랙으로 이루어져 있으며, 세 개의 주요 곡("Dogs", "Pigs (Three Different Ones)", "Sheep")과 두 개의 짧은 곡("Pigs on the Wing 1", "Pigs on the Wing 2")로 구성된다. 주요 곡들은 각각 10분이 넘는 길이로, 복잡한 기타 연주와 어두운 분위기의 사운드스케이프가 특징이다. 특히 "Dogs"에서는 데이빗 길모어와 로저 워터스의 기타 연주가 두드러지며, "Sheep"에서는 워터스의 독특한 보컬 처리와 전자 음향 실험이 나타난다.

이 음반은 브리티시 애비 로드 스튜디오에서 주로 녹음되었으며, 밴드의 이전 작품들보다 더 직설적이고 정치적인 가사가 돋보인다. 표지는 배터시 발전소 위를 나는 돼지 풍선 사진으로, 힙그노시스 디자인 팀이 제작했다. 음반은 상업적으로 성공했으며, 특히 "Pigs on the Wing"의 8트랙 버전은 전체 곡을 하나로 이은 특별 편집이 포함되기도 했다. 《Animals》는 밴드 내에서 로저 워터스의 창작 주도권이 강화되는 시기의 시작을 알리는 작품으로 평가된다.

《The Wall》은 1979년 11월 30일 발매된 핑크 플로이드의 열한 번째 스튜디오 음반이다. 이 음반은 주로 로저 워터스가 구상하고 작사·작곡한 록 오페라 형식의 개념 음반으로, 주인공 '핑크'의 삶을 통해 소외, 권위주의, 전쟁의 트라우마, 정신적 붕괴를 탐구한다. 워터스의 개인적 경험과 전 밴드 멤버 시드 배럿의 쇠퇴가 주요 영감이 되었다. 음반은 밴드 내 창작 과정의 긴장 속에서 제작되었으며, 워터스의 주도적 역할이 강화되었다.

음반은 총 26개의 트랙이 두 장의 LP에 걸쳐 하나의 연속적인 서사로 구성되어 있다. 〈Another Brick in the Wall, Part 2〉는 교육 체계의 획일성을 비판하며, 영국에서 밴드의 첫 번째이자 유일한 싱글 차트 1위 곡이 되었다. 〈Comfortably Numb〉과 〈Hey You〉 같은 곡들은 데이빗 길모어의 기타 연주와 보컬이 돋보인다. 음반은 복잡한 스토리텔링, 풍부한 사운드스케이프, 그리고 밥 에즈린의 공동 프로듀싱으로 특징지어진다.

《The Wall》은 상업적으로 큰 성공을 거두었으며, 특히 1980년대 초반 미국 차트에서 15주 연속 1위를 기록했다. 음반 아트워크는 단순하지만 강력한 흰색 벽돌 벽의 이미지를 사용했다. 이 음반은 1982년 앨런 파커 감독의 동명 뮤지컬 영화로 제작되었으며, 밴드의 역사상 가장 야심찬 라이브 공연인 《The Wall 투어》를 탄생시켰다. 이 투어는 거대한 벽을 무대에 쌓아 올리고 무너뜨리는 극적인 스펙터클로 유명하다.

음반은 평론가들로부터 엇갈린 평가를 받았지만, 시간이 지나며 현대 록 음악의 중요한 걸작으로 재평가되었다. 《The Wall》은 아티스트와 관객 사이의 '벽', 그리고 사회적 통제와 개인적 자유 사이의 갈등을 상징하는 강력한 메타포로 남아 있다.

《The Division Bell》은 1994년 3월 28일에 발매된 핑크 플로이드의 열네 번째 정규 스튜디오 음반이다. 이 음반은 1987년 《A Momentary Lapse of Reason》 이후 7년 만에 발매된 작품으로, 로저 워터스가 탈퇴한 후 데이빗 길모어가 주도하여 완성한 두 번째 음반에 해당한다. 음반 제목은 영국 의회의 본회의장에 설치되어, 의원들을 찬성과 반대 진영으로 나누는 종소리를 의미하는 용어에서 유래했다[6]. 이는 소통의 단절과 화합에 대한 음반의 중심 주제를 상징적으로 드러낸다.

음반은 데이빗 길모어와 리처드 라이트의 협업이 두드러지며, 특히 라이트는 《The Wall》 이후로 정규 멤버로서 이름을 올린 첫 음반이었다. 길모어는 작사가 폴리 샘슨과 공동으로 대부분의 곡을 작사·작곡했으며, 음반의 전체적인 사운드는 길모어의 특유의 감성적인 기타 연주와 라이트의 풍부한 신시사이저 텍스처로 특징지어진다. 녹음은 밴드의 자체 스튜디오인 애스터돔 스튜디오와 여러 다른 장소에서 이루어졌다.

《The Division Bell》은 상업적으로 큰 성공을 거두었다. 영국과 미국을 포함한 여러 국가에서 앨범 차트 1위를 기록했으며, 싱글 〈High Hopes〉와 〈Take It Back〉이 라디오에서 활발히 방송되었다. 특히 〈High Hopes〉는 밴드의 마지막 시대를 대표하는 곡으로 평가받는다. 음반 커버는 이전 핑크 플로이드 음반들의 아트워크를 담당한 스톰 소거슨이 디자인했으며, 두 개의 거대한 금속 조각상이 서로를 마주보는 모습을 담고 있어 다시 한번 소통과 분리의 개념을 시각화했다.

비평적으로는 당시 복잡한 개념과 정치적 메시지로 가득 찬 밴드 초기 및 중기 작품에 비해 음악적 깊이가 부족하다는 지적도 있었으나, 시간이 지나며 밴드 후기 사운드의 정수를 보여주는 우수한 작품으로 재평가받는 경향이 있다. 이 음반을 마지막으로 핑크 플로이드는 2014년 《The Endless River》를 발매하기까지 20년간 새로운 정규 음반을 내지 않았다.

핑크 플로이드는 1965년 런던의 건축 학교 학생들에 의해 결성되었다. 창립 멤버는 시드 배럿(리드 기타, 보컬), 로저 워터스(베이스 기타, 보컬), 리처드 라이트(키보드, 보컬), 닉 메이슨(드럼)이었다. 밴드의 초기 이름은 'Sigma 6'를 비롯해 여러 차례 바뀌었으며, 시드 배럿이 이전에 소유했던 블루스 음악가 핑크 앤더슨과 플로이드 카운실의 이름을 합쳐 'Pink Floyd Sound'로 정했다[7].

시드 배럿은 밴드의 초기 창의적 중심이자 주요 작곡가였다. 그의 독특한 사이키델릭 록 스타일과 즉흥 연주, 시적인 가사는 밴드의 정체성을 형성하는 데 결정적 역할을 했다. 1967년 발매된 데뷔 싱글 〈Arnold Layne〉과 첫 정규 음반 《The Piper at the Gates of Dawn》은 그의 음악적 비전을 선보였다. 그러나 배럿은 정신 건강 악화와 LSD 과다 복용의 영향으로 공연 능력이 급격히 저하되기 시작했다.

이 위기를 극복하기 위해 밴드는 1967년 말 데이빗 길모어를 리드 기타리스트로 영입하여 배럿을 보조했다. 그러나 상황은 호전되지 않았고, 1968년 4월, 배럿은 공식적으로 밴드를 떠났다. 그의 탈퇴는 핑크 플로이드의 역사에서 중요한 전환점이 되었다. 이후 밴드의 음악적 방향은 로저 워터스와 리처드 라이트, 그리고 새로 합류한 데이빗 길모어가 주도하게 되었다. 초기 4인 체제의 멤버 구성은 다음과 같다.

핑크 플로이드의 전성기 멤버는 일반적으로 1968년 시드 배럿의 탈퇴 이후부터 1985년 로저 워터스의 탈퇴 이전까지, 밴드의 가장 상업적이고 예술적 성공을 이끈 핵심 라인업을 가리킨다. 이 시기의 구성원은 베이시스트이자 주요 작사가였던 로저 워터스, 기타리스트이자 보컬리스트였던 데이빗 길모어, 드러머 닉 메이슨, 그리고 키보디스트 리처드 라이트로 이루어졌다.

데이빗 길모어는 1968년 초 시드 배럿의 불안정한 상태를 보완하기 위해 영입되어, 곧 정식 멤버가 되었다. 그의 정밀하고 감정적인 기타 연주와 부드러운 보컬은 밴드 사운드의 새로운 축을 형성했다. 리처드 라이트는 다양한 키보드와 신시사이저를 다루며 밴드의 공간감과 서사적 분위기를 창조하는 데 중추적 역할을 했다. 그의 보컬 하모니 또한 핑크 플로이드의 특징적인 사운드에 기여했다. 닉 메이슨은 드럼 연주 외에도 밴드의 실험적 음향 효과 작업에 깊이 관여했으며, 로저 워터스는 점차 작사와 콘셉트 구상에서 주도적인 위치를 차지하게 되었다.

이 4인 체제는 《The Dark Side of the Moon》, 《Wish You Were Here》, 《Animals》, 《The Wall》 등 역사적인 앨범들을 제작하며 밴드의 정점을 구가했다. 그러나 내부적 긴장은 점차 증가했는데, 특히 로저 워터스의 독단적인 리더십에 대한 다른 멤버들의 불만이 컸다. 이러한 갈등은 《The Wall》 투어 중 리처드 라이트가 해고되는 결과로 이어졌으며, 그는 이후 《The Final Cut》까지 세션 멤버로만 참여했다. 결국 1985년 로저 워터스가 밴드를 공식적으로 떠나면서 전성기의 4인 체제는 막을 내렸다.

핑크 플로이드는 정규 멤버 외에도 많은 세션 음악가와 투어 멤버를 통해 그 사운드와 라이브 공연을 풍부하게 만들어왔다. 특히 복잡한 스튜디오 작업이나 대규모 투어에서는 추가적인 연주자와 보컬리스트의 참여가 필수적이었다.

가장 오랜 기간 동안 밴드와 협업한 인물은 키보디스트이자 백보컬리스트인 릭 라이트의 아내였던 도리스 토리이다. 그녀는 1973년 《The Dark Side of the Moon》 투어부터 1981년 《The Wall》 투어까지 정기적으로 투어에 참여하며 주요 백보컬 파트를 담당했다. 키보디스트 존 캐린은 1970년대 초반 투어와 《The Dark Side of the Moon》 녹음에 기여했으며, 색소폰 연주자 딕 패리는 《The Dark Side of the Moon》과 《Wish You Were Here》 앨범에서 독주를 선보이며 밴드 사운드의 중요한 일부가 되었다.

1980년대와 1990년대의 대규모 투어에서는 더 많은 세션 멤버들이 합류했다. 1987년 《A Momentary Lapse of Reason》 투어부터는 기타리스트 팀 렌윅, 키보디스트 조니 미첼(가수와는 동명이인), 색소폰 연주자 스콧 페이지 등이 정규 투어 멤버로 활동했다. 1994년 《The Division Bell》 투어에서는 백보컬리스트 샘 브라운, 더라 디아바테, 캐롤라인 다일이 합류해 보컬 하모니를 강화했다. 이들의 기여는 스튜디오 앨범을 재현하는 라이브 공연에 있어 매우 중요했다.

핑크 플로이드의 초기 공연은 사이키델릭 록과 프로그레시브 록의 경계를 탐험하는 실험의 장이었다. 1966년부터 1968년 사이, 특히 런던의 UFO 클럽과 같은 언더그라운드 장소에서, 그들은 단순한 음악 연주를 넘어선 총체적인 감각 경험을 추구했다. 공연은 종종 긴 즉흥 연주 세션으로 이루어졌으며, 시각적 요소와 결합된 환각적인 사운드스케이프를 특징으로 했다.

이 시기의 공연에서 가장 두드러진 요소는 시드 배럿의 기타 연주와 리더십, 그리고 혁신적인 라이트 쇼였다. 배럿의 기타는 날카로운 피드백과 불규칙한 리프를 생성했으며, 이는 당시의 정형화된 팝 음악과는 거리가 멀었다. 무대 뒤에서는 슬라이드 프로젝터, 유성 잉크, 액체 빛 기계를 이용한 추상적인 빛과 색의 쇼가 펼쳐졌다. 이 시각적 요소는 밴드의 초기 히트곡인 〈Interstellar Overdrive〉나 〈Astronomy Domine〉와 같은 곡들의 우주적이고 몽환적인 분위기를 강화하는 역할을 했다.

공연의 구조 자체도 유동적이었다. 곡들은 서로 자연스럽게 흘러다녔고, 때로는 한 시간 가까이 지속되는 즉흥적인 잼 세션으로 이어지기도 했다. 이는 청중을 수동적인 관객이 아니라 공연의 일부로 끌어들이려는 의도였다. 이러한 실험적인 접근은 1967년 발매된 데뷔 음반 《The Piper at the Gates of Dawn》의 정신을 그대로 반영했으며, 핑크 플로이드를 런던 언더그라운드 음악 신의 선두주자로 자리매김하게 했다.

1970년대 중반부터 핑크 플로이드는 라이브 공연을 단순한 음악 연주를 넘어선 종합적인 시각적 체험으로 발전시켰다. 이 시기의 공연은 대형 무대 세트, 정교한 조명, 그리고 다양한 특수 효과를 활용한 스펙터클 쇼의 정점으로 평가받는다. 특히 1977년 《Animals》 투어와 1980-81년 《The Wall》 투어는 당시 기준으로 혁신적이고 거대한 규모의 무대 제작으로 유명해졌다.

《Animals》 투어에서는 거대한 풍선 형태의 돼지 에일리언이 무대 위를 떠다녔으며, 공연장 천장에 매달린 이 돼지는 공연의 상징이 되었다. 《The Wall》 투어는 이 개념을 극한으로 끌어올려, 공연 중간에 무대와 객석 사이에 실제로 벽을 쌓는 퍼포먼스를 선보였다. 이 벽은 공연 후반부에 무너지며 강렬한 클라이맥스를 형성했다. 또한 무대 위에는 거대한 인형과 프로젝션 영상이 활용되어 앨범의 서사적 내용을 시각적으로 구현했다.

이러한 대형 쇼의 핵심 요소는 다음과 같았다.

이러한 공연 방식은 라이브 록 공연의 패러다임을 바꾸었으며, 이후 많은 아티스트들이 대형 투어에서 스토리텔링과 시각적 스펙터클을 중시하는 방향으로 영향을 받았다. 그러나 동시에 막대한 제작 비용과 복잡한 로지스틱스를 필요로 했고, 이는 밴드 내부의 경제적 부담과 갈등의 원인 중 하나가 되기도 했다.

1979년 앨범 《The Wall》을 지원하기 위해 기획된 투어는 밴드 역사상 가장 야심찬 라이브 프로덕션 중 하나로 기록된다. 1980년 2월부터 1981년 6월까지 북미와 유럽에서 단 31회의 공연만이 이루어졌는데, 이는 엄청난 규모의 무대 세트와 높은 운영 비용 때문이었다[9]. 공연은 앨범의 서사에 맞춰 진행되었으며, 무대와 관중석 사이에 점차 폴리스톤 블록으로 쌓인 거대한 벽이 공연 중에 완성되는 것이 핵심 퍼포먼스였다.

이 투어의 무대 기술은 획기적이었다. 40피트 높이의 벽은 투명한 부분도 있어 뒤에서 조명이 비추면 실루엣 공연이 가능했고, 공연 후반에는 완성된 벽 전체가 영상 프로젝션 스크린으로 활용되었다. 또한 거대한 에니메트로닉스 인형, 비행기 모형이 관중석 위를 지나는 연출, 그리고 벽이 무너지는 드라마틱한 피날레는 당시 라이브 공연의 한계를 재정의했다. 이러한 요소들은 단순한 음악 공연을 넘어 총체적인 멀티미디어 예술 작품에 가까운 경험을 선사했다.

《The Wall》 투어는 경제적으로는 큰 성공을 거두었지만, 밴드 내부 관계에는 균열을 가져왔다. 공연의 복잡성과 강도는 멤버들을 지치게 했으며, 특히 로저 워터스의 독단적인 아티스틱 통제에 대한 불만이 고조되는 계기가 되었다. 이 투어 이후 밴드는 사실상 활동을 중단했고, 워터스는 1985년 밴드를 떠나게 된다. 그러나 1990년 베를린 장벽 붕괴 기념 공연에서 워터스가 주도한 《The Wall》 라이브 공연이 다시 한번 역사적인 순간을 기록하기도 했다.

2010년부터 2013년까지 데이빗 길모어와 닉 메이슨이 주도한 "The Wall Live" 투어는 기술의 발전을 통해 원작의 정신을 새로운 차원으로 끌어올렸다. 이 투어는 더욱 정교해진 영상과 조명, 그리고 확장된 세트리스트로 1980년대 투어를 재해석했으며, 전 세계 200회가 넘는 공연을 성공적으로 마치며 《The Wall》이 시대를 초월한 작품임을 다시 한번 증명했다.

핑크 플로이드는 1970년대 프로그레시브 록 장르를 정의하고 상업적 정점으로 이끈 선구자로 평가받는다. 그들의 음악은 기존의 단순한 팝 곡 구조를 벗어나, 확장된 연주 시간, 복잡한 구성, 그리고 철학적 깊이를 가진 개념 음반을 정립하는 데 결정적 역할을 했다. 《The Dark Side of the Moon》과 《The Wall》 같은 작품은 음반 하나가 하나의 완결된 예술 작품이 될 수 있음을 증명하며, 이후 수많은 아티스트에게 앨범 단위의 창작에 대한 영감을 주었다.

그들의 영향은 음악적 접근법과 기술적 혁신 양쪽에서 나타난다. 데이빗 길모어의 감정적이고 서정적인 기타 연주 스타일은 하드 록과 프로그레시브 록 기타리스트들의 표준이 되었다. 또한 밴드는 테이프 루프, 신시사이저, 샘플링, 정교한 라이브 음향 시스템을 적극적으로 도입하여 공연의 규모와 가능성을 재정의했다. 이러한 실험 정신은 아트 록, 포스트 록, 심지어 일부 일렉트로닉 음악 장르의 발전에도 간접적으로 기여했다.

또한, 힙합과 일렉트로닉 프로듀서들 사이에서 그들의 음반, 특히 《The Dark Side of the Moon》은 풍부한 보컬 샘플과 독특한 사운드 효과의 원천으로 자주 샘플링되며, 영향력을 록 장르를 넘어 확장시켰다. 결국 핑크 플로이드는 음악을 단순한 엔터테인먼트가 아닌 청각적, 시각적, 개념적 총체 예술로 승격시키는 데 기여함으로써, 현대 록 음악의 지형도를 근본적으로 바꾼 밴드 중 하나로 기록된다.

핑크 플로이드의 앨범 아트와 시각적 요소는 그들의 음악만큼이나 독창적이고 상징적이며, 밴드의 정체성과 철학을 시각적으로 구현하는 핵심 요소였다. 특히 그래픽 디자인 스튜디오 히포노시스와의 협업은 이 분야에서 혁명적인 성과를 낳았다. 히포노시스의 공동 설립자인 스톰 토거슨과 오브리 파월은 《A Saucerful of Secrets》 (1968)부터 《The Division Bell》 (1994)에 이르기까지 대부분의 앨범 커버와 관련 시각 자료를 디자인하며, 밴드의 음악 세계관을 완성하는 데 결정적인 역할을 했다.

앨범 커버는 단순한 포장을 넘어 음악의 개념을 압축적으로 표현하는 매체였다. 《The Dark Side of the Moon》 (1973) 커버에 등장하는 프리즘과 빛의 스펙트럼은 음반의 주제인 빛, 색, 시간, 정신적 압박을 단순하면서도 강력하게 상징한다. 《Wish You Were Here》 (1975)의 커버는 상업성에 대한 비판과 부재를 주제로, 불타는 비즈니스맨의 이미지와 보이지 않는 핸드셰이크라는 아이러니한 장면을 담았다. 《Animals》 (1977)은 조지 오웰의 소설 《동물 농장》에서 영감을 받아, 런던의 배터시 발전소 위를 나는 거대한 돼지 풍선(알지)을 등장시켜 사회 계급 비판을 시각화했다.

라이브 공연과 투어에서의 시각적 스펙터클은 그 규모와 혁신성으로 전설이 되었다. 《The Wall》 투어(1980-81)는 공연 중 무대와 관객 사이에 점차 쌓여가는 거대한 벽이 공연의 핵심 서사 장치가 되었으며, 제럴드 스카페의 애니메이션을 프로젝션하는 등 다중 매체를 활용한 극적인 쇼를 선보였다. 이외에도 《The Dark Side of the Moon》 투어에서 사용된 원형 스크린과 레이저 쇼, 《Momentary Lapse of Reason》 투어(1987-89)의 거대한 침대와 서커스 풍선 등은 공연을 단순한 음악회가 아닌 종합 예술 체험으로 승화시켰다. 이러한 요소들은 앨범 아트와 함께 핑크 플로이드를 청각과 시각이 완벽하게 융합된 예술 집단으로 확고히 자리매김하게 했다.

핑크 플로이드의 음악과 상징은 영화, 텔레비전, 문학 등 다양한 대중문화 영역에 지속적으로 등장하며 영향을 미쳤다. 특히 《The Dark Side of the Moon》과 《The Wall》은 단순한 음반을 넘어 문화적 아이콘으로 자리 잡았다.

영화에서는 《The Wall》이 동명의 실험적 영화로 제작되었으며, 《The Dark Side of the Moon》의 수록곡 〈Brain Damage〉와 〈Eclipse〉는 《매트릭스》의 예고편에 사용되는 등 여러 영화의 사운드트랙에 삽입되었다[12]. 텔레비전 프로그램에서는 《심슨 가족》과 《사우스 파크》 같은 애니메이션에서 밴드와 그 음악을 풍자하거나 오마주하는 에피소드가 방영되었다.

《The Dark Side of the Moon》의 프리즘 앨범 커버는 가장 잘 알려진 그래픽 디자인 중 하나로, 패러디와 오마주의 대상이 되었다. 또한, 《The Wall》의 주인공 핑크와 상징적인 '벽'은 소외와 권위에 대한 저항을 표현하는 강력한 비유로 널리 인용된다. 이들의 음악은 스포츠 경기장의 응원가부터 정치 시위의 배경 음악에 이르기까지 다양한 맥락에서 재해석되고 사용되었다.

시드 배럿은 핑크 플로이드의 창립 멤버이자 초기 리더로서, 밴드의 초기 사이키델릭 록 사운드와 독특한 이미지를 형성하는 데 결정적인 역할을 했다. 그러나 1967년부터 그의 정신 건강과 약물 남용 문제가 심각해지면서 밴드 활동에 차질이 생기기 시작했다. 그는 공연 중에 가끔 제대로 연주하지 못하거나 무대 위에서 멍하니 서 있기만 하는 등 점차 예측 불가능한 행동을 보였다[16]. 이러한 상황은 밴드의 음악적 발전과 실용적인 운영 측면에서 큰 부담이 되었다.

결국 1968년 4월, 밴드는 투어에 동행하던 음악가이자 친구인 데이빗 길모어를 영입해 배럿의 공백을 메우기로 결정했다. 초기에는 배럿이 작곡과 스튜디오 작업에만 참여하고 길모어가 라이브 공연을 담당하는 체제로 운영되었으나, 이는 오래가지 못했다. 같은 해 4월 6일, 배럿은 공식적으로 밴드를 떠났다. 그의 탈퇴는 음악적 견해 차이나 개인적 불화보다는 건강상의 이유가 주된 원인이었다.

탈퇴 후 배럿은 1970년 두 장의 솔로 앨범인 *The Madcap Laughs*와 *Barrett*를 발표했지만, 이후 완전히 음악계에서 은퇴하고 고향인 케임브리지로 돌아갔다. 그는 평생을 은둔 생활을 하며 그림에 전념했고, 2006년 7월 7일 췌장암으로 사망했다. 그의 짧았지만 강렬한 음악적 유산과 비극적인 이야기는 핑크 플로이드의 신화와 역사에서 빠질 수 없는 부분이 되었다. 밴드는 이후 《Wish You Were Here》 (1975)와 같은 앨범을 통해 그를 추모하는 노래를 만들기도 했다.

로저 워터스와 데이빗 길모어의 갈등은 1970년대 후반부터 서서히 쌓여왔으며, 1980년대 중반 핑크 플로이드의 사실상 해체와 함께 법정 다툼으로 표면화되었다. 갈등의 핵심은 밴드 이름과 음반 카탈로그에 대한 권리, 그리고 창의적 주도권을 누가 갖느냐는 문제였다. 1985년 로저 워터스는 밴드가 해체되었다고 선언하며 법적 조치를 통해 핑크 플로이드 상표 사용을 금지하려 했으나, 데이빗 길모어와 닉 메이슨은 이를 따르지 않고 밴드 활동을 계속하기로 결정했다.

이후 양측은 법정 공방을 벌였으며, 1987년 결국 법원은 워터스의 요청을 기각하고 길모어와 메이슨이 핑크 플로이드 이름을 사용할 권리를 인정했다. 이 판결은 워터스가 탈퇴한 후 발매된 앨범 《A Momentary Lapse of Reason》(1987)의 정당성을 부여했다. 그러나 재정적 권리 문제는 별도로 논의되어, 워터스는 밴드의 주요 자산인 《The Dark Side of the Moon》을 포함한 1980년대 이전 음반에 대한 저작권 수익을 계속 받는 대신, 향후 핑크 플로이드 활동에 대한 소유권 주장을 포기하는 합의가 이루어졌다[17].

이 분쟁은 2000년대 중반 일시적인 화해와 함께 라이브 8 공연에서의 재결합 무대를 낳기도 했으나, 근본적인 관계 회복까지는 이어지지 않았다. 이후에도 양측은 인터뷰를 통해 서로를 비난하는 등 공개적인 논쟁을 지속했으며, 이 갈등은 밴드 역사에서 창의적 동반자 관계가 어떻게 경쟁과 소유권 다툼으로 변질될 수 있는지를 보여주는 상징적 사례가 되었다.

《The Wall》의 주인공 핑크 플로이드는 제2차 세계대전 중 아버지를 잃고, 억압적인 학교 교육과 과잉보호적인 어머니, 불안정한 결혼 생활을 겪으며 점차 사회로부터 고립된다. 이 과정은 단순한 개인의 정신붕괴 이야기를 넘어, 당대 영국 사회와 권력 구조에 대한 날카로운 비판으로 읽힌다.

앨범은 교육 제도, 미디어, 전쟁, 관료주의 등을 '벽'을 쌓는 요소로 묘사한다. 특히 〈Another Brick in the Wall, Part 2〉의 "We don't need no education"이라는 가사는 획일화된 교육을 거부하는 구호로 해석되며, 뮤직비디오에서 나타나는 학생들의 가면과 공장 컨베이어 벨트 이미지는 체제에 순응하도록 길들여지는 개인을 상징한다[18]. 후반부 〈Run Like Hell〉, 〈Waiting for the Worms〉 등에서는 파시스트적 지도자의 등장과 맹목적인 추종을 묘사하며, 권위주의 체제의 위험성을 경고한다.

로저 워터스는 이 작품을 냉전 시대의 소외와 소통 단절에 대한 응답으로 설명했다. 그러나 앨범의 정치적 메시지는 다양한 맥락에서 재해석되었다. 어떤 비평가는 이를 자본주의 사회에 대한 좌파적 비판으로 보는 반면, 다른 해석자는 과도한 개인주의와 패배주의를 조장한다고 비판하기도 했다. 1990년 베를린 장벽 붕괴 직후 열린 《The Wall》 라이브 공연은 앨범의 상징성을 국제적 화합의 메시지로 전환시켰으며, 이후 워터스의 솔로 투어에서도 반전, 인권 문제 등 현대 정치적 이슈와 결합되어 공연된다.