Pearl Jam (r1)

시애틀에서 결성된 펄 잼의 기원은 1990년으로 거슬러 올라간다. 기타리스트 스톤 고사드와 베이시스트 제프 아멘트는 이전에 함께 활동했던 그린 리버와 마더 러브 본이 해체된 후, 새로운 프로젝트를 모색하고 있었다. 그들은 가수 에디 베더와 드러머 데이브 크루센을 영입하여 밴드 머드하니를 결성했다. 이 시기의 밴드는 AC/DC와 같은 하드 록의 영향을 강하게 받은 사운드를 구사했다.

머드하니는 1990년에 데모 테이프를 녹음하고 소규모 공연을 시작했으나, 큰 주목을 받지는 못했다. 그러나 상황은 싱글 "Alive"의 데모 버전이 지역 라디오 방송국 KCMU에서 방송되면서 급변하기 시작했다. 이 곡은 청취자들로부터 폭발적인 반응을 얻었고, 이 소식을 들은 에픽 레코드가 밴드와 계약을 제의했다. 계약 직전, 드러머 데이브 크루센이 개인적 이유로 밴드를 떠나게 되었고, 그는 맷 캐머런으로 교체되었다. 새 드러머와 함께 밴드는 이름을 펄 잼으로 변경했다. 이 이름의 유래는 베더의 할머니가 만든 페퍼 잼에서 비롯되었다는 설이 유력하다[1].

1991년, 펄 잼은 데뷔 앨범 Ten을 발매했다. 초기에는 너바나의 Nevermind와 같은 그런지 붐의 그림자에 가려 상업적으로 느린 출발을 했으나, 강력한 라이브 공연과 "Alive", "Even Flow", "Jeremy" 같은 싱글들의 지속적인 방송으로 입소문을 타기 시작했다. "Jeremy"의 강렬한 뮤직 비디오는 MTV에서 높은 로테이션을 기록하며 밴드를 전국적인 주목 대상으로 만들었다. Ten 앨범은 결국 다이아몬드 인증을 받는 등 꾸준한 판매를 기록하며 1990년대를 대표하는 데뷔 앨범 중 하나로 자리매김했다.

1991년 발매된 데뷔 음반 Ten은 그런지 운동의 상업적 정점 중 하나로 자리매김했다. 이 음반은 발매 초기에는 서서히 주목을 받았으나, 싱글 "Alive", "Even Flow", "Jeremy"의 성공과 함께 1992년부터 1993년에 걸쳐 폭발적인 인기를 얻었다. 특히 "Jeremy"의 강렬한 뮤직비디오는 MTV에서 높은 로테이션을 기록하며 밴드의 이름을 전 세계에 알렸다. *Ten*은 미국에서만 1,300만 장 이상이 팔렸으며, 전 세계적으로는 2,000만 장 이상의 판매고를 올려 시대를 정의하는 음반이 되었다.

1993년 발매된 두 번째 음반 *Vs.*는 밴드의 성공을 공고히 했다. 이 음반은 발매 첫 주에 95만 장 이상이 팔리며 당시 사상 최고의 초동 판매 기록을 세웠다[2]. "Daughter", "Elderly Woman Behind the Counter in a Small Town", "Animal" 등 다양한 싱글들이 차트에서 좋은 성적을 거두었다. 밴드는 이 시기 MTV Unplugged에 출연하여 원석 같은 라이브 연주력을 선보이기도 했다. *Vs.*는 상업적 성공과 함께 평론가들로부터도 음악적 성숙과 사회 비판적 메시지를 인정받았다.

1994년 발매된 세 번째 음반 *Vitalogy*는 밴드가 직면한 갑작스러운 명성과 미디어의 집중적인 관심에 대한 반응을 담고 있었다. 음반은 초기에는 CD와 함께 바이닐 LP로만 발매되는 독특한 방식으로 선보였으며, "Spin the Black Circle", "Not for You", "Immortality" 등의 곡을 포함했다. 이 음반 또한 발매 첫 주 87만 장 이상을 팔아치우며 상업적 위력을 입증했고, 그래미 어워드 최우수 록 음반상을 수상했다. 이 세 장의 음반은 펄 잼을 1990년대 가장 영향력 있는 록 밴드 중 하나로 확고히 만드는 기반이 되었다.

1990년대 초반의 폭발적인 성공 이후, 밴드는 지속적인 음반 발매와 활발한 투어를 통해 록 음악계에서 중요한 위치를 유지해왔다. 2000년대에 들어서면서 스톤 고사드와 제프 아멘트의 부수 프로젝트 활동이 늘어나고, 멤버들의 개인적인 음악 활동도 두드러졌으나, 밴드의 정체성과 결속력은 유지되었다.

2000년대 후반부터 2010년대에 걸쳐 발매된 《Backspacer》(2009), 《Lightning Bolt》(2013), 《Gigaton》(2020) 등의 음반은 밴드의 진화하는 사운드를 보여주었다. 특히 《Gigaton》은 환경 문제를 주요 주제로 삼았으며, 밴드의 사회적 관심사를 반영했다. 이 시기 활동의 특징은 다음과 같다.

2020년대에 접어들어 밴드는 팬덤과의 강력한 유대를 바탕으로 여전히 활발한 활동을 이어가고 있다. 에디 베더는 솔로 활동과 사회 운동에 적극 참여하는 한편, 밴드 활동에도 전념하고 있다. 밴드는 새로운 세대의 록 팬들을 끌어들이며, 30년이 넘는 세월 동안 변치 않는 음악적 영향력을 증명하고 있다.

펄 잼의 사운드는 그런지와 얼터너티브 록을 기반으로 하지만, 전통적인 하드 록, 클래식 록, 펑크 록의 영향력도 강하게 드러난다. 밴드는 초기에는 시애틀의 그런지 신의 일원으로 분류되었으나, 빠르게 자신들만의 독특하고 다층적인 사운드를 발전시켰다. 스톤 고사드와 마이크 매크리디의 균형 잡힌 기타 라인은 거친 디스토션과 멜로디컬한 리프를 결합했으며, 제프 아멘트의 두드러지는 베이스 라인과 맷 캐머런의 강력하고 복잡한 드러밍이 그 토대를 이루었다.

이들의 음악은 단순한 장르 범주로 정의하기 어렵다. 1990년대 초반의 대표작인 〈Ten〉과 〈Vs.〉는 강렬한 록 발라드와 펑크 에너지를 동시에 보여주었고, 〈Vitalogy〉 이후의 작품에서는 익스페리멘털 록, 포크 록, 심지어 싸이키델릭 록의 요소들을 실험하기 시작했다. 에디 베더의 가창은 거칠고 감정적인 스타일에서부터 부드러운 내레이션에 이르기까지 폭넓은 표현력을 보여주며, 밴드의 사운드에 극적인 깊이를 더했다.

펄 잼의 진화하는 사운드는 아래 표와 같이 주요 음반을 통해 그 흐름을 확인할 수 있다.

결과적으로, 펄 잼의 음악적 정체성은 특정 장르에 고정되지 않고, 시대에 따라 진화하는 생동감 있는 하드 록의 한 형태로 정의된다. 그들은 그런지 운동에서 출발했으나, 그 범주를 넘어서 지속적으로 사운드를 재정의해 왔다.

에디 베더가 작사하는 Pearl Jam의 가사는 개인의 내면적 갈등, 사회 비판, 정치적 메시지, 그리고 인간 관계의 복잡성을 주로 다룬다. 초기 작품에서는 고립감, 분노, 우울증, 자살과 같은 무거운 정서가 두드러지게 나타난다. 대표곡 <Jeremy>는 학교 폭력과 방치로 인한 비극을, <Alive>는 복잡한 가족 관계와 정체성의 혼란을 암시하며, 이는 베더의 개인적 경험에서 비롯된 부분이 많다[5].

시간이 지나며 가사의 초점은 개인적 고통에서 보다 외향적이고 사회참여적인 주제로 확장되었다. 밴드는 환경 문제, 정치적 부패, 전쟁 반대, 언론의 자유, 노동자 권리 등 다양한 사회적 이슈에 목소리를 높였다. <Do the Evolution>은 인간의 진화를 비꼬며 탐욕과 파괴성을 비판하고, <World Wide Suicide>는 이라크 전쟁에 대한 항의를 담았다. 또한 <Bu$hleaguer>는 당시 조지 W. 부시 대통령을 직접적으로 풍자하기도 했다.

가사는 종종 은유와 상징을 사용하며, 직설적이기보다는 시적인 어조를 취한다. 자연 이미지(바다, 숲, 동물)와 일상적인 소재를 빌려 복잡한 감정과 생각을 표현하는 방식을 선호한다. 이러한 가사는 청취자에게 강력한 정서적 공명을 일으키며, 밴드의 음악적 힘과 결합하여 Pearl Jam만의 독특한 정체성을 형성하는 핵심 요소가 되었다.

현재 펄 잼의 멤버 구성은 밴드의 역사를 거치며 정착된 형태이다. 창립 멤버인 에디 베더(보컬), 제프 아멘트(베이스), 스톤 고사드(기타)와 마이크 매크리디(기타)가 핵심 라인업을 이루고 있다. 드러머 자리에는 맷 캐머런이 1998년부터 정식 멤버로 활동하며 가장 오랜 기간 밴드의 리듬을 책임지고 있다[8].

각 멤버는 음악적 기여뿐만 아니라 밴드의 운영과 예술적 방향성 설정에도 깊이 관여한다. 특히 제프 아멘트와 스톤 고사드는 많은 곡의 작곡을 주도하며 밴드 사운드의 근간을 형성한다. 에디 베더는 독특한 보컬 스타일과 함께 대부분의 가사를 작성하며, 마이크 매크리디의 기타 연주는 밴드의 사운드에 서정성과 날카로움을 더하는 요소이다.

이 라인업은 1998년 이후 20년 이상 변함없이 유지되어 왔으며, 이는 1990년대 초중반의 드러머 교체를 겪었던 밴드 역사상 가장 안정적인 시기이다. 멤버들은 각자의 솔로 프로젝트나 사이드 밴드 활동을 병행하기도 하지만, 펄 잼을 최우선의 음악적 활동으로 삼고 있다.

펄 잼의 결성 이후, 밴드는 여러 명의 멤버 변경을 겪었다. 초기 리드 기타리스트였던 마이크 매크리디는 1990년 밴드 결성에 핵심적인 역할을 했으나, 1994년 투어 중 탈퇴하게 된다. 그의 공석은 여러 세션 기타리스트를 거쳐, 결국 스톤 고사드의 추천으로 1998년 맷 카메론이 정식 멤버로 합류하며 채워졌다.

베이시스트 부문에서는 더 많은 변화가 있었다. 초기 멤버였던 제프 아멘트는 1991년 첫 정규 앨범 Ten 발매 직전 잠시 밴드를 떠났다. 이 기간 동안 마티키 버틀러가 세션으로 활동했으나, 아멘트는 곧바로 복귀하여 현재까지 활동 중이다. 한편, 초창기 드러머 데이브 크루센은 1991년 Ten의 녹음이 완료된 직후 밴드를 떠났다.

이후 합류한 잭 아이언스는 1998년까지 드러머로 활동하다가 탈퇴했으며, 맷 카메론이 그 뒤를 이었다. 이들 이전 멤버들은 밴드의 초기 사운드 형성에 기여했으며, 그들의 이탈은 펄 잼의 음악적 진화 과정의 일부로 기록된다.

1991년 8월 27일 에픽 레코드를 통해 발매된 Ten은 Pearl Jam의 데뷔 정규 음반이다. 이 음반은 그런지 운동이 주류로 떠오르는 시기에 등장하여 상업적 성공과 비평적 찬사를 동시에 거머쥐었다. 초기에는 서서히 인기를 얻었으나, 싱글 "Alive", "Even Flow", "Jeremy"의 성공과 이들의 강렬한 라이브 공연이 알려지면서 음반 판매량이 급증했다. Ten은 미국 빌보드 200 차트에서 2위까지 올랐으며, 전 세계적으로 1,300만 장 이상이 팔려 밴드의 대표작이자 1990년대를 대표하는 록 음반 중 하나로 자리 잡았다.

음반의 사운드는 얼터너티브 록과 하드 록의 기반 위에 에디 베더의 감정이 담긴 강렬한 보컬과 마이크 매크리디의 멜로딕한 기타 리프가 특징이다. 수록곡 "Black"과 "Release"에서는 감성적인 어쿠스틱 요소가 두드러지며, "Once"와 "Why Go"에서는 공격적인 에너지를 발산한다. 프로듀서 릭 패러쇼와의 협업은 당시 시애틀 신의 거친 생동감을 유지하면서도 충분히 정제된 사운드를 만들어냈다.

가사는 주로 고립감, 소외, 가족 관계의 복잡성, 청소년기의 고통과 같은 개인적이고 내성적인 주제를 다룬다. "Jeremy"는 학교 폭력과 방치된 청소년의 비극을, "Alive"는 생존과 정체성에 대한 모호한 감정을 탐구한다. 이러한 진솔한 서사는 당시 청년층의 공감을 크게 불러일으켰다.

시간이 흐르며 Ten은 초기 발매 당시의 성공을 넘어서서 하나의 문화적 아이콘이 되었다. 이 음반은 너바나의 Nevermind와 함께 1990년대 록 음악의 판도를 바꾼 결정적인 작품으로 평가받으며, Pearl Jam의 장기적인 성공의 초석을 마련했다.

1993년 발매된 Pearl Jam의 두 번째 스튜디오 음반이다. 이 음반은 밴드가 데뷔 음반 Ten의 상업적 성공 이후 느낀 압박감과 명성에 대한 복잡한 감정을 반영하며, 의도적으로 대중적 접근성을 낮추고 더 거칠고 실험적인 사운드를 추구했다.

음반은 폭발적인 성공을 거두었으며, 발매 첫 주에 95만 장 이상의 판매고를 기록하며 당시 빌보드 200 차트 역사상 가장 빠른 판매 속도를 보였다[10]. 타이틀곡 "Go"와 "Daughter", "Animal", "Dissident" 등이 싱글로 발매되었으며, 특히 반전 메시지를 담은 "Daughter"는 큰 인기를 끌었다. 음반의 가사는 사회적 소외, 가정 문제, 미디어 비판, 개인적 정체성 갈등 등 더욱 날카롭고 내성적인 주제들을 다루었다.

에디 베더의 강렬한 보컬과 마이크 매크리디의 리프 중심의 기타 연주가 특징이며, "W.M.A."와 같은 곡에서는 펑크 록과 얼터너티브 록의 실험적 요소가 두드러진다. 이 음반은 밴드가 그런지의 상업화 흐름에서 거리를 두고 자신들의 음악적 독립성을 확립하려는 의지를 명확히 보여준 작품으로 평가된다.

1994년 11월 22일 발매된 세 번째 스튜디오 음반이다. 이 음반은 밴드가 그런지 사운드에서 벗어나 더욱 실험적이고 다채로운 음악적 스펙트럼을 탐구한 전환점으로 평가받는다.

음반은 얼터너티브 록의 기반 위에 포크 록, 하드코어 펑크, 아트 록 등 다양한 요소를 혼합했다. 강렬한 록 넘버인 "Spin the Black Circle"과 "Last Exit"부터 어쿠스틱 발라드 "Nothingman", 서정적인 "Immortality"까지 곡들의 스타일이 매우 다양하다. 특히 7분이 넘는 길이의 실험적인 트랙 "Hey Foxymophandlemama, That's Me"는 당시 논란을 불러일으키기도 했다.

*Vitalogy*는 상업적으로도 큰 성공을 거두었다. 발매 첫 주에 877,000장 이상이 팔리며 빌보드 200 차트 1위에 올랐고, 미국에서만 5백만 장 이상의 판매고를 기록했다. 비평적으로도 호평을 받아, 음반의 야심찬 구성과 밴드의 성장을 증명하는 작품으로 인정받았다. 이 음반은 밴드가 초기의 성공에 안주하지 않고 예술적 진화를 꾀했음을 보여주는 중요한 이정표가 되었다.

펄 잼은 시애틀에서 활동했고 1990년대 초 그런지 운동의 상업적 성공과 대중화에 있어 핵심적인 역할을 한 밴드 중 하나이다. 그러나 그들은 자신들을 특정 장르에 가두는 것을 거부했고, 얼터너티브 록의 더 넓은 범주에 속한다고 여겼다. 밴드의 초기 사운드는 네버마인으로 세계적인 주목을 받은 너바나와 같은 동시대 시애틀 밴드들의 거친 하드 록과 펑크 록 영향력을 공유했지만, 펄 잼의 음악에는 클래식 록과 포크 록의 뿌리가 더 강하게 드러났다.

이들은 그런지 운동의 상징으로 자주 언급되지만, 그런지의 전형적인 'DIY' 정신과는 거리를 두었다. 펄 잼은 메이저 레이블인 에픽 레코드와 계약했고, 초기부터 대규모 투어와 뮤직비디오 제작에 적극적으로 참여했다. 이러한 접근은 일부 언론과 언더그라운드 씬으로부터 '상업적'이라는 비판을 받기도 했다. 특히 MTV와의 관계는 복잡했는데, 밴드는 뮤직비디오 방영을 거부하는 등 미디어 노출에 강력히 저항하는 모습을 보였다.

결국 펄 잼은 그런지 운동이 대중 음악계에 미친 광범위한 영향의 일부이자, 동시에 그 경계를 넘어선 독자적인 존재로 자리매김했다. 그들의 지속적인 성공과 예술적 진화는 단순한 '시애틀 사운드'의 일시적 유행을 넘어서는 밴드의 정체성을 증명했다.

Pearl Jam은 음악 활동 외에도 정치적, 사회적 문제에 적극적으로 개입해 온 것으로 유명하다. 밴드는 특히 선거 참여 독려, 환경 보호, 시민의 자유 옹호, 그리고 사회적 불평등 해소를 위한 활동에 주력해 왔다.

1990년대 초반부터 밴드는 록 더 보트(Rock the Vote) 캠페인에 참여하여 젊은 유권자들의 정치 참여를 독려했다. 또한, NAACP와 협력하거나 자체적으로 콘서트를 통해 기금을 모아 다양한 사회 운동을 지원했다. 2003년 이라크 전쟁 반대를 위한 Vote for Change 투어에 참여한 것은 그들의 정치적 입장을 가장 명확히 보여준 사례 중 하나이다[13]. 환경 문제에서는 와일드랜즈 재단과의 협업을 통해 야생 보호 구역 확보에 기여했으며, 기후 변화 대응을 촉구하는 공개 서한에 서명하는 등 지속적으로 목소리를 내고 있다.

이들의 사회적 활동은 음악 사업 자체에도 영향을 미쳤다. 1994년, 티켓마스터의 독점적 티켓 판매 관행과 높은 수수료에 반대하여 소송을 제기하고, 자체적인 티켓 판매 시스템을 구축하려 시도했다[14]. 또한, 대형 음반사와의 갈등 끝에 자체적으로 음반을 제작하고 배포하는 등 음악 산업의 구조적 문제에 맞서는 모습을 보였다. 이러한 행보는 Pearl Jam을 단순한 록 밴드를 넘어 사회적 양심을 가진 문화적 아이콘으로 자리매김하게 하는 데 기여했다.

Pearl Jam의 라이브 공연은 밴드의 정체성과 음악적 철학의 핵심을 보여주는 장이다. 그들의 공연은 정형화된 쇼보다는 매번 독특한 에너지와 즉흥성을 지니며, 특히 초기에는 격렬하고 신체적인 무대 매너로 유명했다. 보컬리스트 에디 베더는 종종 몸을 사리지 않는 열정적인 퍼포먼스를 선보이며, 기타리스트 마이크 매크리디와 스톤 고사드의 강력한 기타 리프와 교감한다. 밴드는 공연마다 세트리스트를 크게 변경하여 팬들에게 항상 새로운 경험을 선사하는 것으로도 유명하다.

라이브 공연에서의 즉흥 연장과 재해석은 Pearl Jam 음악의 중요한 부분이다. 녹음된 버전과는 다른 편곡, 길고 격렬한 기타 솔로, 그리고 곡들 사이의 자연스러운 이행을 통해 공연을 단순한 재생이 아닌 창조의 순간으로 만든다. 특히 Jam이라는 단어가 밴드 이름에 포함된 것처럼, 멤버들 간의 즉흥적인 합주와 교류는 공연의 백미를 이룬다.

팬과의 강력한 유대감은 Pearl Jam 라이브의 또 다른 특징이다. 밴드는 공식 부틀렉 시리즈를 통해 거의 모든 공연의 음원을 팬들이 구매할 수 있게 했으며, 티켓 가격을 낮게 유지하고 티켓 매매 업체의 횡포를 막기 위한 노력을 기울여 왔다[17]. 이러한 접근 방식은 공연을 상업적 행사보다는 음악적 소통의 장으로 인식하게 한다.

공연의 분위기는 곡의 선택에 따라 극적으로 변화한다. 강렬한 록 넘버들로 무대를 뜨겁게 달구다가도, 어쿠스틱 세션을 통해 내밀하고 감성적인 순간을 창출하기도 한다. 이러한 다이내믹한 구성은 관객을 단순한 관찰자가 아닌 공연의 일부로 끌어들인다. 결과적으로, Pearl Jam의 라이브는 녹음 스튜디오에서 포착된 그들의 음악이 가장 생생하고 진정한 형태로 구현되는 공간이다.

Pearl Jam은 정규 앨범 발매를 위한 월드 투어 외에도 다양한 특별 공연과 페스티벌 출연을 통해 활발한 라이브 활동을 이어갔다. 1990년대 초반 그런지 운동의 주역으로 급부상하며 대규모 투어를 시작했고, 2000년대에는 티켓 가격 인하 및 대형 공연장보다는 중소형 공간 선호 등 독자적인 공연 정책을 고수했다[18]. 특히 2000년대 중반부터는 매 앨범 투어마다 방문하는 도시에서 두 번의 공연을 진행하는 방식(백투백 쇼)을 자주 채택하여 열성적인 팬층을 확고히 했다.

주요 월드 투어는 다음과 같다.

2000년대 이후로는 뮤직 페스티벌에도 꾸준히 참여해왔다. 1992년 롤라팔루자, 1995년 레딩 앤드 리즈 페스티벌 헤드라이너를 비롯해, 2018년과 2022년에는 자체 주최한 시애틀의 시프트 페스티벌에 헤드라이너로 출연했다. 또한 2011년부터 2023년까지 10회 이상 오스틴 시티 리미츠에 출연하는 등 페스티벌 무대에서도 강력한 헤드라이너로서의 입지를 보여주었다.