Depeche Mode

1977년, 영국 에식스주 배질던에서 밴드 노 람즈 인 더 다크가 결성되었다. 이 그룹은 데이비드 게이넘(보컬, 기타), 마틴 고어(기타), 앤디 플레처(키보드)를 중심으로 활동했다. 1979년, 빈스 클라크가 합류하면서 그룹의 음악적 방향이 신스팝과 일렉트로닉 음악으로 본격적으로 기울기 시작했다.

1980년, 그룹은 이름을 Depeche Mode로 변경했다. 이 이름은 프랑스 패션 잡지 'Depeche Mode'에서 따왔으며, '패속보' 또는 '신속한 유행'이라는 의미를 지닌다. 같은 해, 그룹은 첫 데모 테이프를 녹음했고, 런던의 클럽 'Bridge House'에서 열린 컴필레이션 음반 오디션에 참가해 성공적으로 선발되었다. 이를 계기로 Mute Records의 대표 대니얼 밀러의 눈에 띄어 계약을 체결했다.

초기 활동은 다음과 같은 주요 사건으로 요약할 수 있다.

1981년 말, 그룹의 주요 작곡가이자 키보디스트였던 빈스 클라크가 음악적 견해 차이를 이유로 탈퇴했다. 그의 공백은 새로 합류한 키보디스트/작곡가 앨런 와일더가 메꾸게 되었고, 이로써 고전적인 Depeche Mode의 라인업이 완성되었다. 첫 정규 음반 *Speak & Spell*은 밝고 경쾌한 신스팝 사운드가 주를 이루었지만, 클라크의 탈퇴 이후 그룹의 음악은 점차 어둡고 실험적인 방향으로 발전하는 계기가 되었다.

1982년 발매된 《A Broken Frame》은 빈스 클라크의 탈퇴 후 3인 체제로 녹음한 첫 음반이다. 이 시기부터 밴드는 프로듀서 대니얼 밀러와 협업하며 보다 어둡고 성숙한 사운드를 탐구하기 시작했다. 1983년 《Construction Time Again》과 1984년 《Some Great Reward》를 통해 인더스트리얼 음악의 샘플링 기법과 사회 비판적 가사를 본격적으로 도입하며 독자적인 음악 세계를 구축했다. 《Some Great Reward》의 수록곡 "People Are People"은 영국과 유럽, 특히 독일에서 큰 히트를 기록하며 밴드의 첫 번째 국제적 성공을 가져왔다.

1986년 《Black Celebration》은 더욱 음울하고 고딕적인 분위기를 강화한 작품으로, 이후 밴드의 정체성을 상징하는 중요한 음반이 되었다. 이어 1987년 발매한 《Music for the Masses》는 미국 시장을 본격적으로 공략했고, 이에 따른 "Music for the Masses Tour"는 1988년 로즈볼 스타디움에서의 콘서트를 필름으로 기록한 《101》로 이어지며 밴드의 세계적 인기를 증명했다.

전성기의 정점은 1990년 발매된 《Violator》로 평가된다. "Enjoy the Silence", "Personal Jesus", "Policy of Truth" 등 다수의 히트 싱글을 포함한 이 음반은 비평적, 상업적으로 모두 엄청난 성공을 거두었다. 《Violator》는 신스팝과 얼터너티브 록의 경계를 허물며 메인스트림 차트를 정복했고, 데페쉬 모드를 세계적인 슈퍼스타 반열에 올려놓았다. 이후 1993년 《Songs of Faith and Devotion》은 고스펠과 그런지 록의 요소를 가미한 실험적인 사운드로 또 다른 성공을 기록했지만, 투어 과정에서의 내부 갈등과 앤디 플레처의 건강 문제 등이 쌓이기 시작한 시기이기도 했다.

이 12년간의 시기는 데페쉬 모드가 영국의 한 신스팝 밴드에서 전 세계를 대표하는 일렉트로닉 록의 아이콘으로 성장하는 과정이었다. 그들은 실험적인 전자 사운드와 인간 본성, 신앙, 관계에 대한 깊이 있는 가사를 결합하며 독보적인 위치를 확립했다.

1995년 6월, 키보디스트이자 작곡가, 프로듀서였던 앨런 와일더가 창의적 차이를 이유로 밴드를 탈퇴했다. 이로써 Depeche Mode는 데이브 가한, 마틴 고어, 앤디 플레처의 3인조 체제로 재편되었다. 와일더의 탈퇴는 팬들과 비평가들 사이에서 밴드의 음악적 미래에 대한 우려를 불러일으켰으나, 밴드는 이듬해 발매한 *Ultra* (1997)로 이러한 의문에 답을 제시했다. 이 앨범은 가한의 약물 중독 문제와 재활 과정이라는 어두운 시기를 배경으로 만들어졌으며, *Barrel of a Gun*, *It's No Good* 같은 곡에서 보여준 무거운 사운드와 내성적인 가사는 밴드의 회복력과 지속력을 입증했다.

2000년대에 들어서 밴드는 *Exciter* (2001), *Playing the Angel* (2005), *Sounds of the Universe* (2009) 등의 정규 앨범을 꾸준히 발매하며 활동을 이어갔다. 이 시기의 작품들은 전성기의 거칠고 산업적인 사운드보다는 전자 음악의 다양한 실험과 정교한 프로덕션에 초점을 맞추는 경향을 보였다. 특히 *Playing the Angel*에서는 마틴 고어 외에 데이브 가한도 작곡에 참여하기 시작했으며, *Suffer Well* 같은 곡을 제공했다.

2010년대 이후에도 밴드는 *Delta Machine* (2013), *Spirit* (2017), *Memento Mori* (2023)를 발매하며 여전히 활발한 활동을 펼쳤다. 그러나 2022년 5월, 공동 창립 멤버이자 키보디스트였던 앤디 플레처가 갑작스럽게 사망하는 아픔을 겪었다. 플레처의 죽음은 밴드에 큰 공백을 남겼으나, 가한과 고어는 *Memento Mori* 투어를 통해 계속해서 공연을 이어나갔다. 2023년 발매된 *Memento Mori* 앨범은 플레처의 죽음과 코로나19 팬데믹의 영향을 반영한 작품으로, 밴드의 역사에서 또 다른 새로운 장을 열었다.

디페쉬 모드의 음악적 기반은 신스팝과 일렉트로닉 음악에 있다. 밴드는 1980년대 초반 신시사이저와 드럼 머신을 중심으로 한 전자 사운드를 대중 음악의 전면에 내세운 선구자 중 하나로 평가받는다. 초기에는 뉴 웨이브와 포스트펑크의 영향을 받은 밝고 경쾌한 신스팝을 선보였으나, 점차 어둡고 고딕적인 분위기의 사운드로 진화했다. 샘플링과 시퀀서를 적극 활용하여 기계적이면서도 감성적인 독특한 음악 세계를 구축했다.

그들의 사운드는 단순한 팝 음악의 범주를 넘어 다양한 일렉트로닉 장르에 영향을 미쳤다. 인더스트리얼 뮤직의 거친 리듬과 일렉트로닉 댄스 뮤직의 그루브를 흡수하여, 특히 1990년대 초반의 작품들에서는 테크노와 일렉트로니카의 요소가 두드러지게 나타난다. 마틴 고어의 멜로디와 앤디 플레처의 신스 텍스처, 앨런 와일더의 정교한 프로덕션이 결합되어 밴드만의 특징적인 음색을 만들어냈다.

디페쉬 모드의 악기 사용법은 시대에 따라 진화했다. 주요 악기 구성은 다음과 같다.

이러한 진화에도 불구하고, 밴드는 전자 악기를 음악의 핵심 도구로 고수하며 일렉트로닉 록의 중요한 축을 담당해왔다. 그들의 실험 정신은 전자 음악이 지닌 표현의 가능성을 넓히는 데 기여했다.

Depeche Mode의 가사는 주로 데이비드 게이넌이 작사하며, 어둡고 내성적이며 종종 사회 비판적인 주제를 다룬다. 초기에는 사랑과 낭만에 관한 가벼운 내용이 많았으나, 1983년 앨범 Construction Time Again을 기점으로 정치, 사회, 종교, 개인의 소외감과 같은 무거운 주제로 전환되었다. 이는 밴드의 음악적 정체성을 확립하는 데 결정적인 역할을 했다.

가사의 주요 주제는 소외, 고독, 욕망, 종교적 상징, 사회 비판 등으로 구성된다. "Personal Jesus"는 대중 매체와 인간 관계에서 찾는 위안을 풍자하며, "Enjoy the Silence"는 언어의 무력함과 침묵의 가치를 탐구한다. "People Are People"은 편견과 차별을, "Blasphemous Rumours"는 신에 대한 회의를 직설적으로 표현한다. 이러한 가사는 낙관적인 신스팝 장르의 전통과는 대비되는 어두운 분위기를 창출했다.

게이넌의 작사 스타일은 종종 은유와 상징을 사용하며, 직접적인 전달보다는 암시와 분위기에 의존한다. "Walking in My Shoes"는 타인의 입장에서 세상을 바라보는 어려움을, "Policy of Truth"는 진실의 이면에 숨은 고통을 다룬다. 그의 가사는 청자로 하여금 다양한 해석을 가능하게 하며, 이는 밴드의 음악이 깊이 있는 공감을 형성하는 이유 중 하나이다.

Depeche Mode는 1980년대와 1990년대를 거치며 형성한 독특한 일렉트로닉 음악과 어두운 미학이 수많은 후대 아티스트에게 지대한 영향을 미쳤다. 그들의 영향력은 신스팝, 얼터너티브 록, 인더스트리얼 음악, 일렉트로닉 댄스 음악 등 다양한 장르를 아우르며 확산되었다. 특히 마틴 고어가 작사·작곡한 내면적 갈등, 종교적 상징, 사회적 소외감을 다루는 가사는 많은 뮤지션에게 영감의 원천이 되었다.

1990년대에 두각을 나타낸 많은 얼터너티브 록 밴드들은 Depeche Mode의 사운드를 채용하거나 오마주했다. 나인 인치 네일스의 트렌트 레즈너는 그들의 어두운 일렉트로닉 사운드와 공격적인 퍼포먼스에 영향을 받았다고 밝혔으며, 스매싱 펌킨스의 빌리 코건도 팬임을 인정한 바 있다. 라디오헤드는 초기 작품에서 신스 기반의 텍스처를 탐구했으며, 콜드플레이와 린킨 파크 같은 밴드들도 인터뷰를 통해 Depeche Mode로부터의 영향을 언급했다.

2000년대 이후의 일렉트로닉 및 인디 음악 신에서도 그들의 유산은 지속되었다. 치프틴즈, 인터폴, 더 킬러스 등의 밴드는 신스와 기타를 결합한 사운드와 고어의 서정적인 가사 스타일에서 Depeche Mode의 흔적을 찾아볼 수 있다. 또한 수많은 일렉트로 클래시와 신스펑크 아티스트들은 Depeche Mode가 1980년대 주류에 정착시킨 일렉트로닉 음악의 기반 위에서 자신들의 음악을 구축했다.

Depeche Mode의 영향은 음악적 스타일을 넘어 패션과 시각 미학에도 미쳤다. 그들의 검은색 가죽 재킷과 산업적 무대 세트는 고딕 서브컬처와 얼터너티브 신의 아이콘이 되었으며, 이는 전 세계 수많은 팬과 아티스트의 스타일에 영감을 주었다. 이처럼 그들은 단순한 팝 밴드를 넘어, 현대 일렉트로닉 기반 음악의 중요한 교과서이자 문화적 아이콘으로 자리매김했다.

Depeche Mode의 초기 음반 활동은 밴드의 음악적 정체성을 탐구하고 확립하는 실험적인 시기였다. 이 시기의 음반들은 신스팝의 기본 틀 안에서도 다양한 전자 사운드와 어두운 분위기를 시도하며, 이후 그들의 독특한 음악 세계로 발전할 기반을 마련했다.

1981년 발매된 데뷔 음반 《Speak & Spell》은 주로 당시 리드 작곡가이자 보컬리스트였던 빈스 클라크의 영향 아래 제작되었다. 이 음반은 밝고 경쾌한 신스팝 사운드가 주를 이루었으며, 〈Just Can't Get Enough〉와 같은 싱글을 통해 대중적인 인기를 얻었다. 그러나 빈스 클라크의 탈퇴 후, 마틴 고어가 주된 작곡가로 부상하면서 밴드의 음악적 방향은 급격히 변화하기 시작했다.

1982년의 두 번째 음반 《A Broken Frame》와 1983년의 《Construction Time Again》은 이러한 전환기를 명확히 보여준다. 《A Broken Frame》는 고어가 작곡한 곡들로 채워졌으며, 전작보다 더 우울하고 성찰적인 가사와 실험적인 신스 사운드를 도입했다. 《Construction Time Again》에서는 새로운 멤버 앨런 와일더의 합류와 함께 샘플링 기술과 산업적인 소음을 음악에 적극적으로 활용하기 시작했고, 사회 정치적 비판을 담은 가사가 두드러졌다. 이 시기의 음반들은 다음과 같은 특징을 보인다.

이 세 장의 음반을 통해 Depeche Mode는 단순한 팝 밴드에서 일렉트로닉 사운드와 진지한 주제의식을 결합하는 독창적인 아티스트로의 초석을 다졌다. 특히 《Construction Time Again》의 실험은 다음 음반 《Some Great Reward》(1984)에서 더욱 발전되어, 밴드의 전성기 사운드로 직접 연결되었다.

1980년대 중반부터 1990년대 초반까지는 Depeche Mode가 음악적 정체성을 확립하고 상업적 정점에 오른 시기로, 이 시기에 발매된 몇 장의 음반이 밴드의 대표작으로 꼽힌다.

1986년 발매된 《Black Celebration》은 이전의 밴드 사운드에서 한 걸음 더 나아가 어둡고 고딕적인 분위기를 본격적으로 도입한 음반이다. 신디사이저를 활용한 무거운 리듬과 마틴 고어가 쓴 내성적이고 우울한 가사가 특징이다. 이 음반은 밴드가 단순한 신스팝 밴드를 넘어 더 깊은 정서와 주제를 탐구하는 아티스트로 자리매김하는 계기가 되었다. 1987년의 《Music for the Masses》는 이러한 어두운 사운드를 유지하면서도 대중적인 접근성을 높여 북미 시장에서의 돌파구를 마련했다. 〈Strangelove〉, 〈Never Let Me Down Again〉 같은 싱글과 대규모 월드 투어를 통해 밴드는 스타디움 규모의 공연을 소화할 수 있는 주요 밴드로 성장했다.

이 시기의 절정은 1990년 발매된 《Violator》이다. 이 음반은 Depeche Mode의 사운드를 완성시킨 걸작으로 평가받으며 전 세계적으로 엄청난 상업적 성공을 거두었다. 〈Personal Jesus〉, 〈Enjoy the Silence〉, 〈Policy of Truth〉 같은 히트 싱글들은 밴드의 시그니처 넘버가 되었다. 《Violator》는 강력한 일렉트로닉 비트, 세련된 프로덕션, 그리고 욕망, 금기, 소외와 같은 보편적 주제를 다루는 가사를 완벽하게 결합했다. 이 음반은 1990년대 일렉트로닉 팝과 얼터너티브 록에 지대한 영향을 미쳤다.

1993년 발매된 《Songs of Faith and Devotion》은 밴드가 사운드에 다시 한번 변화를 준 음반이다. 신디사이저 중심의 사운드에 라이브 드럼, 기타, 고스펠 합창 등을 적극 도입하여 더 거칠고 오르간 느낌이 강한 블루스/록 사운드를 추구했다. 〈I Feel You〉, 〈Walking in My Shoes〉 등의 곡은 이러한 새로운 방향성을 보여주었다. 이 음반은 비평적, 상업적으로 성공했으나, 제작 과정의 어려움과 밴드 내부의 갈등을 야기하여 이후 앨런 와일더의 탈퇴로 이어지는 중요한 분기점이 되었다[1].

1990년대 중반 이후 발매된 Depeche Mode의 후기 음반들은 밴드의 음악적 진화와 내부적 변화를 보여준다. 1997년 발매된 *Ultra*는 앨런 와일더의 탈퇴와 데이브 가한의 개인적 위기 이후 처음으로 내놓은 정규 음반이다. 이 음반은 마크 벨이 프로듀서로 참여하여 전자 음향을 기반으로 하면서도 블루스와 인더스트리얼 록의 어두운 분위기를 깊게 결합했다. *Ultra*는 밴드가 위기를 극복하고 새로운 음악적 정체성을 확립하는 과정을 담아냈다.

2000년대에 들어선 Depeche Mode는 보다 강력한 기타 사운드와 록적인 접근을 강조했다. 2001년 *Exciter*는 마크 벨의 프로듀싱 아래 상대적으로 미니멀하고 분위기 있는 사운드를 선보였으나, 2005년 *Playing the Angel*은 벤 힐리어와 함께 작업하며 다시금 어둡고 공격적인 일렉트로닉 록 사운드로 회귀했다. 이 음반은 가한이 처음으로 수록곡 작사 작곡에 참여한 점이 특징이다.

2010년대 이후의 음반들은 밴드의 전통적인 음악적 핵심을 유지하면서도 현대적인 프로덕션을 적용했다. *Delta Machine* (2013)은 블루스적 요소와 전자 음향의 조화를 추구했으며, *Spirit* (2017)은 정치적, 사회적 비판을 가사에 담아내며 날카로운 메시지를 전달했다. 2023년 발매된 *Memento Mori*는 앤디 플레처의 사망 이후 처음으로 발매된 음반으로, 죽음과 소멸을 주제로 한 우울하고도 숭고한 사운드스케이프를 구축했다.

Depeche Mode는 라이브 공연을 통해 그들의 음악적 위상을 공고히 했으며, 특히 대규모 월드 투어는 밴드 역사의 중요한 이정표가 되었다. 초기에는 비교적 소규모 공연을 주로 했으나, 1980년대 중반부터는 스타디움 규모의 공연장을 매진시키는 글로벌 투어를 정기적으로 진행했다. 1987-88년의 Music for the Masses Tour는 북미 시장에서의 돌파구를 마련했고, 로즈 볼에서의 콘서트는 라이브 음반 《101》과 다큐멘터리 영화로 기록되어 전설이 되었다.

1990년대의 《Violator》 앨범 프로모션을 위한 World Violation Tour(1990)와 《Songs of Faith and Devotion》 앨범을 지원한 Devotional Tour(1993-94)는 밴드의 상업적 정점을 보여주는 동시에, 극도로 강도 높은 일정과 내부 갈등으로 인해 위기로 기록되기도 했다. 후자의 투어는 14개월 동안 159회 공연이라는 초강행군이었다.

2000년대 이후에도 《Exciter》(2001), 《Playing the Angel》(2005-06), 《Delta Machine》(2013-14) 등을 위한 대규모 투어를 성공적으로 이어갔다. 2017-18년의 Global Spirit Tour는 밴드 역사상 가장 길고 광범위한 투어 중 하나로, 115개 이상의 공연을 통해 300만 명 이상의 관객을 동원했다[4]. 각 투어는 새로운 무대 디자인, 조명, 비주얼 아트를 도입하여 앨범의 콘셉트를 시각적으로 구현하는 데 중점을 두었다.

Depeche Mode의 라이브 공연은 강렬한 음악과 함께 혁신적인 시각적 연출로 유명하다. 초기에는 비교적 단순한 무대 세트를 사용했으나, 1980년대 후반부터는 대규모 투어를 통해 점차 공연의 규모와 완성도를 높여갔다. 특히 1990년대의 월드 바이올레이션 투어와 1990년대 후반의 엑사이터 투어는 당시 기준으로 매우 진보된 무대 기술과 조명, 대형 스크린을 활용한 비디오 아트를 선보이며 공연을 하나의 종합 예술로 승화시켰다.

무대 디자인의 핵심은 종종 산업적이거나 고딕적인 미학과 결합된 테크놀로지의 시각화다. 대형 LED 스크린, 추상적인 그래픽, 고압적인 조명 배열은 음악의 어두운 분위기와 내면적 갈등을 시각적으로 표현하는 도구로 기능한다. 무대 위에서는 멤버들, 특히 리드 보컬인 데이브 가한의 카리스마 넘치는 퍼포먼스와 함께 기계적인 비트와 신디사이저 라인이 조화를 이루는 모습을 강조한다.

시각적 요소의 기획과 디자인에는 오랜 협력자인 안톤 코르베인이 큰 역할을 했다. 그는 밴드의 뮤직비디오와 앨범 아트워크를 담당하는 동시에, 많은 투어의 무대 컨셉과 비주얼 콘텐츠를 설계했다[5]. 그의 작업은 공연에 통일된 예술적 방향성을 부여했다.

이러한 무대 연출은 Depeche Mode를 단순한 음악 공연이 아닌, 관객을 압도하는 감각적 체험으로 만들었다. 기술과 예술의 결합은 그들의 음악 세계관을 완성하는 필수적인 요소로 자리 잡았으며, 라이브 밴드로서의 위상을 공고히 하는 데 기여했다.