Alice Cooper편집자 확인

앨리스 쿠퍼는 1964년 애리조나주 피닉스에서 고등학교 동창인 빈스 퍼니어(보컬)와 글렌 벅스턴(기타)이 결성한 밴드 더 스파이더스에서 시작되었다. 당시 밴드는 주로 더 비틀즈와 더 롤링 스톤스의 곡을 커버하는 지역 밴드에 불과했다. 1965년, 덴시스 던어웨이(베이스), 존 스피치(드럼), 존 티미스(기타)가 합류하며 라인업이 확정되었고, 얼마 후 밴드명을 더 나즈로 변경했다.

1967년, 밴드는 로스앤젤레스로 활동 무대를 옮겼고, 곧이어 앨리스 쿠퍼로 다시 한번 이름을 바꾸었다. 이 독특한 밴드명은 빈스 퍼니어가 영국 민속에서 나온 이름이라고 주장했으나, 실제로는 17세기 마녀 재판에 등장하는 여성의 이름에서 따온 것으로 알려졌다[2]. 이 시기 그들은 프랭크 자파의 레이블인 Bizarre Records와 계약하며 첫 앨범 《Pretties for You》(1969)를 발표했으나, 당시의 실험적인 사이키델릭 록 사운드는 상업적 성공을 거두지 못했다.

1969년 디트로이트로 거점을 옮긴 것은 밴드의 전환점이 되었다. 디트로이트의 거친 하드 록과 가라지 록 신 scene은 그들의 음악적 방향에 큰 영향을 미쳤다. 밴드는 공연에 기괴한 분장, 가짜 피, 전기 의자 같은 소품을 도입하기 시작하며 점차 쇼크 록의 정체성을 구축해 나갔다. 1970년 발매한 세 번째 앨범 《Love It to Death》와 그 수록곡 〈I'm Eighteen〉이 빌보드 차트에서 중위권에 진입하며 첫 번째 주요 성공을 기록했다. 이 앨범은 프로듀서 밥 에즈린과의 협업을 시작하게 했고, 에즈린은 이후 밴드의 사운드와 비전을 형성하는 데 핵심적인 역할을 했다.

1970년대 초반, 앨리스 쿠퍼는 워너 브라더스 레코드와의 계약을 통해 본격적인 메이저 활동을 시작했다. 1971년 발매된 《Love It to Death》와 그 수록곡 I'm Eighteen은 밴드에게 첫 번째 빌보드 핫 100 진입곡이 되었으며, 이듬해 《School's Out》의 타이틀곡은 톱 10 히트를 기록하며 밴드를 스타덤에 올려놓았다[3]. 이 시기의 성공은 단순한 음악적 성과를 넘어, 쇼크 록이라는 새로운 공연 형식을 대중에게 각인시켰다.

1973년 《Billion Dollar Babies》 앨범은 밴드의 상업적 정점을 찍었다. 이 앨범은 빌보드 200 차트 1위를 차지했고, 타이틀곡과 No More Mr. Nice Guy 같은 싱글들은 국제적인 히트를 쳤다. 이들의 월드 투어는 당시 기준으로 매우 정교하고 과격한 공연 예술로 꾸며져 큰 화제를 모았다. 무대 위에서의 의사처형, 거대한 파이썬 사용, 가짜 피 분출 등은 관객에게 강렬한 충격을 선사하며 대중 매체의 집중적인 관심을 받았다.

이러한 메인스트림의 성공은 밴드 내부에 긴장을 초래하기도 했다. 주류 시장에서의 인기는 창의성에 대한 압박으로 이어졌고, 밴드 멤버들 사이의 음악적 견해 차이도 점차 커져갔다. 1974년 《Muscle of Love》 앨범 이후, 밴드는 일시적으로 해체 상태에 접어들게 된다. 그러나 이 짧은 전성기는 앨리스 쿠퍼를 록 역사에 길이 남는 아이콘으로 확고히 자리매김하게 했다.

1970년대 중반, 밴드의 성공 정점에 이르렀으나 내부적 긴장이 고조되었다. 앨리스 쿠퍼라는 이름이 밴드 전체를 지칭하는 동시에 프론트맨 빈스 퍼니어의 예명으로 사용되며 정체성 혼란이 발생했고, 퍼니어의 개인적 문제도 악화되었다. 이로 인해 1975년 앨범 Welcome to My Nightmare는 사실상 퍼니어의 첫 솔로 프로젝트로 기록되며, 오리지널 밴드 멤버들은 이 앨범 작업에 참여하지 않았다. 이는 밴드의 공식적 해체를 의미하는 사건이었다.

빈스 퍼니어는 앨리스 쿠퍼라는 예명을 계속 사용하며 솔로 아티스트로 활동을 이어갔다. 1970년대 후반부터 1980년대에 걸쳐 콘셉트 앨범을 지속적으로 발표하며 쇼크 록의 이미지를 유지했으나, 당시 음악 시장의 변화에 맞춰 사운드를 다소 변화시켰다. 1980년대에는 뉴 웨이브와 글램 메탈의 영향을 받은 작품들을 선보이기도 했다. 이 시기 대표적인 솔로 히트곡으로는 "How You Gonna See Me Now" (1978), "Clones (We're All)" (1980), "Poison" (1989) 등이 있다.

1980년대 후반, 퍼니어는 새로운 라인업의 앨리스 쿠퍼 밴드를 재편성하여 활동을 재개했다. 이 새로운 밴드는 주로 투어를 위한 라이브 밴드 성격이 강했으며, 스튜디오 앨범 작업에서는 퍼니어가 주축이 되어 다양한 세션 음악가들과 협업하는 방식이 정착되었다. 1990년대 초 발매한 앨범 Hey Stoopid (1991)과 The Last Temptation (1994)은 당시의 헤비 메탈 장르와 잘 조화를 이루며 상업적, 비평적 성공을 거두었다.

2000년대 이후 그의 활동은 더욱 공고해졌다. 그는 정기적으로 신보를 발표하고 세계 투어를 진행하며 살아있는 록 전설의 위상을 유지하고 있다. 오리지널 밴드 멤버들과의 관계는 시간이 지나며 정상화되어, 2011년 록 앤드 롤 명예의 전당에 빈스 퍼니어와 오리지널 밴드 멤버들이 공동 헌액되는 영예를 안았다. 이는 그룹의 역사적 중요성을 공식적으로 인정받는 순간이었다.

앨리스 쿠퍼는 무대 위에서 극적인 쇼크 록 공연을 선보인 선구자로 평가받는다. 그들의 공연은 단순한 음악 연주를 넘어서서 극장적인 스토리텔링과 충격적인 비주얼이 결합된 총체 예술에 가까웠다. 공연은 종종 고딕 소설이나 B급 호러 영화에서 영감을 받은 서사 구조를 따랐으며, 빈스 퍼니어가 연기하는 주인공이 다양한 고난과 비극을 겪는 모습을 보여주었다.

공연의 상징적인 요소는 단두대, 전기의자, 가짜 피, 거대한 뱀 등이었다. 특히 "School's Out" 투어에서는 빈스 퍼니어가 무대 위에서 교수형을 당하거나 단두대로 목이 잘리는 퍼포먼스를 선보였고, "Billion Dollar Babies" 투어에서는 거액의 지폐를 뿌리거나 거대한 괴물과 싸우는 장면이 포함되었다. 이러한 요소들은 관객에게 강렬한 시각적 충격을 주었을 뿐만 아니라, 당시 사회의 금기나 권위에 대한 풍자와 반항의 메시지를 담고 있었다.

이러한 공연 방식은 1970년대 록 음악계에 큰 파장을 일으켰다. 많은 보수적인 단체로부터 비난을 받았지만, 동시에 메탈과 글램 록 장르에 지속적인 영향을 미쳤다. 앨리스 쿠퍼의 공연 예술은 이후 키스, 메릴린 맨슨, 로보캅 등 수많은 아티스트에게 무대 퍼포먼스의 기본 템플릿을 제공했다. 그들의 공연은 음악, 연극, 공포, 희극을 혼합한 독특한 장르를 창조했으며, 록 콘서트를 '보여주는 쇼'의 개념으로 근본적으로 바꾸어 놓았다.

앨리스 쿠퍼의 사운드는 결성 초기 가필드 고등학교 동창들로 구성된 원년 밴드 시절부터 지속적으로 진화해왔다. 초기 작품인 *Pretties for You* (1969)와 *Easy Action* (1970)은 사이키델릭 록과 프로그레시브 록의 영향을 강하게 받았으며, 실험적인 사운드와 복잡한 곡 구성을 특징으로 했다. 이 시기의 음악은 상업적 성공을 거두지는 못했지만, 이후의 전성기를 위한 음악적 기반을 마련하는 단계였다.

1971년 발매된 *Love It to Death* 앨범부터 밴드는 프로듀서 밥 에즈린과 협업하며 명확한 방향성을 찾기 시작했다. 이 앨범의 대표곡 "I'm Eighteen"은 단순하고 강력한 리프와 직설적인 가사로 하드 록의 본격적인 사운드를 선보였다. 이후 *Killer* (1971)와 *School's Out* (1972)로 이어지는 전성기 동안 앨리스 쿠퍼 밴드는 하드 록을 기반으로 글램 록의 화려함과 극적인 공연 예술을 결합한 독자적인 장르를 구축했다. *Billion Dollar Babies* (1973)는 이 시기의 정점으로, 정교한 스튜디오 편집과 풍부한 사운드로 상업적, 예술적 성공을 동시에 거두었다.

1970년대 중반 이후 앨리스 쿠퍼의 솔로 활동은 당시의 음악 트렌드를 반영하며 다양한 장르를 수용했다. *Welcome to My Nightmare* (1975)는 컨셉트 앨범으로서의 서사성과 더불어 디스코와 팝의 요소를 도입했다. 1980년대에는 *Constrictor* (1986)와 *Raise Your Fist and Yell* (1987)을 통해 당시 주류를 이루던 헤비 메탈과 스래시 메탈의 영향을 받아 사운드를 더욱 무겁고 빠르게 진화시켰다. 1990년대와 2000년대에 들어서는 *The Last Temptation* (1994)에서의 고딕 록 테이스트, *Brutal Planet* (2000)의 인더스트리얼 메탈 시도 등 시대에 맞춘 실험을 계속했다.

최근 작품에서도 앨리스 쿠퍼는 진화를 멈추지 않았다. 2011년 발매된 *Welcome 2 My Nightmare*는 초기 작품의 정신을 계승하면서도 현대적인 하드 록 사운드를 유지했다. 2017년 *Paranormal*에서는 오리지널 밴드 멤버와의 협업 트랙을 수록하는 등 역사적 연결고리를 강조하기도 했다. 그의 음악 경력 전반을 관통하는 것은 하드 록이라는 강력한 핵심이지만, 각 시대의 록 장르와 팝 문화를 흡수하며 지속적으로 재해석해왔다는 점이다.

앨리스 쿠퍼 밴드는 1969년 데뷔 앨범 《Pretties for You》를 발매하며 활동을 시작했다. 초기 앨범들은 사이키델릭 록과 프로그레시브 록의 영향을 강하게 받았으나, 상업적 성공은 거두지 못했다. 1971년 발매한 《Love It to Death》는 싱글 "I'm Eighteen"의 히트와 함께 첫 번째 성공을 기록하며 밴드의 정체성을 확립하는 전환점이 되었다.

1970년대 초중반이 밴드의 전성기로, 《Killer》(1971), 《School's Out》(1972), 《Billion Dollar Babies》(1973) 등의 앨범은 연속적으로 플래티넘 기록을 세우며 메인스트림 성공을 거두었다. 이 시기의 앨범들은 글램 록의 시각적 요소와 하드 록의 사운드를 결합했으며, 가사는 반항과 사회 비판, 공포 영화에서 영감을 받은 테마를 다뤘다. 《Billion Dollar Babies》는 밴드의 상업적 정점에 선 앨범으로 평가받는다.

1970년대 후반 《Welcome to My Nightmare》(1975)는 빈센트 퍼니스의 첫 솔로 앨범이자 새로운 음악적 장을 연 작품이었으나, 이후 《Lace and Whiskey》(1977) 등은 이전의 성공을 재현하지 못했다. 1980년대에는 《Trash》(1989)를 통해 헤어 메탈 사운드로 컴백하여 싱글 "Poison"으로 다시 메인차트에 진입하는 성과를 얻었다.

라이브 앨범 *The Alice Cooper Show* (1977)는 밴드의 마지막 오리지널 라인업 시절의 공연을 담아 발매되었다. 이 앨범은 당시 밴드의 무대 쇼를 생생하게 전달하려는 의도로 제작되었으나, 상업적 성과는 기대에 미치지 못했다.

컴필레이션 앨범 *Greatest Hits* (1974)는 앨리스 쿠퍼의 초기 명곡들을 모은 첫 번째 베스트 앨범이다. *School's Out*, *No More Mr. Nice Guy*, *I'm Eighteen* 등 밴드의 대표적인 싱글들이 수록되어 있으며, 이후 여러 차례 재발매되었다. 1999년에는 *The Life and Crimes of Alice Cooper*라는 4CD 박스 세트가 발매되어 데모 음원, 라이브 트랙, 희귀곡을 포함한 방대한 자료를 제공했다.

2000년대 이후에는 다양한 주제와 시기별로 구성된 컴필레이션 앨범들이 꾸준히 발매되었다. 대표적으로 *The Definitive Alice Cooper* (2001)는 솔로 시절의 히트곡을 중심으로 한 2CD 구성이며, *Welcome to My Nightmare* (2011)는 공포 테마의 곡들을 모았다. 이러한 라이브 및 컴필레이션 음반들은 앨리스 쿠퍼의 광범위한 음악 세계와 무대 위 모습을 조명하는 중요한 자료 역할을 한다.

앨리스 쿠퍼는 쇼크 록 장르의 확립과 대중화에 결정적인 역할을 한 선구자로 평가받는다. 1970년대 초반, 그들의 무대 공연은 당시의 록 음악계에 충격을 안겼다. 길로틴, 전기 의자, 거짓 피, 파이썬 뱀, 인형 해체 등 극단적인 소품과 퍼포먼스를 도입하여 음악을 넘어선 총체적인 공연 예술을 선보였다. 이러한 공격적이고 기괴한 이미지는 단순한 선정성을 넘어, 당시 사회의 위선과 억압에 대한 풍자와 반항의 메시지를 담고 있었다.

그의 공연은 청중에게 강렬한 체험을 제공했으며, 음악 산업의 마케팅과 무대 쇼의 기준을 영구적으로 바꾸었다. 앨리스 쿠퍼의 성공은 키스, 메탈리카, 마릴린 맨슨, 슬립낫 등 후대의 수많은 하드 록과 헤비 메탈 아티스트들에게 직접적인 영감을 주었다. 특히 무대에서의 극적 연기와 캐릭터 구축은 록 스타가 음악가이자 배우가 될 수 있다는 가능성을 보여주었다.

앨리스 쿠퍼의 영향력은 음악 장르를 넘어 B급 영화의 미학, 호러 록, 심지어 브로드웨이 뮤지컬의 연출 기법에까지 미쳤다. 그는 공연을 통해 록 음악이 단순한 청각적 예술이 아닌 시각적, 극적 요소가 결합된 종합 엔터테인먼트로 발전하는 길을 열었다. 이로 인해 그는 종종 "쇼크 록의 대부" 또는 "공연 록의 건축가"라는 칭호로 불린다.

앨리스 쿠퍼는 음악적 영향력을 넘어 미국의 대중 문화 전반에 깊은 흔적을 남겼다. 그의 독특한 쇼크 록 이미지와 공연은 영화, 텔레비전, 만화, 심지어 스포츠에 이르기까지 다양한 분야에서 오마주되거나 패러디의 대상이 되었다. 특히 그의 검은 눈화장과 기괴한 의상은 할로윈과 공포 문화의 상징으로 자리 잡았으며, 이는 키스나 메탈리카와 같은 후대 밴드들의 비주얼에 직접적인 영향을 미쳤다.

영화 분야에서는 그의 곡이 《나이트메어》 시리즈를 비롯한 여러 공포 영화의 사운드트랙에 사용되었고, 《웨인즈 월드》와 《다크 섀도우》 등 코미디 영화에 본인 역으로 카메오 출연하기도 했다. 텔레비전에서는 《심슨 가족》[6]과 《머펫 쇼》에 출연하며 대중적인 친숙도를 높였다.

스포츠계에서는 미식축구 팀 애리조나 카디널스의 열성팬으로 잘 알려져 있으며, 팀의 공식 응원가를 부르거나 경기에서 시타를 하는 모습이 자주 방송되었다. 또한 그의 이름을 딴 "앨리스 쿠퍼의 크리스마스 퍼디션"이라는 자선 골프 대회를 매년 개최하며 스포츠와의 지속적인 연계를 보여주었다. 이러한 다각도의 활동은 그를 단순한 록스타가 아닌 하나의 문화적 아이콘으로 격상시켰다.