19세기 미술

자크루이 다비드는 18세기 후반부터 19세기 초반까지 활동한 프랑스의 대표적 신고전주의 화가이다. 그는 고대 그리스와 로마의 미적 이상을 현대적으로 재해석하여, 엄격한 구도, 명확한 윤곽선, 도덕적 주제를 강조하는 작품 세계를 구축했다. 그의 예술은 계몽주의 사상과 깊이 연결되어 있으며, 특히 프랑스 혁명과 나폴레옹 보나파르트의 시대를 상징하는 작품들을 통해 정치적 선전의 도구로서도 중요한 역할을 했다.

다비드의 대표작으로는 호라티우스 형제의 맹세와 마라의 죽음이 있다. 《호라티우스 형제의 맹세》는 공화정 로마의 애국심을 주제로 삼아 혁명 직전 프랑스 사회에 공화정적 이상을 고취시켰다. 《마라의 죽음》은 혁명의 순교자 장폴 마라를 묘사한 작품으로, 강렬한 사실성과 비극적 서사를 통해 정치적 예술의 정점을 보여준다. 또한 그는 나폴레옹의 수석 화가로서 《나폴레옹의 대관식》과 같은 대형 제작을 지휘하며 제국의 권위를 시각화했다.

그의 작품과 교육 방식은 수많은 제자를 통해 프랑스 미술계에 지대한 영향을 미쳤다. 그의 제자이자 경쟁자였던 도미니크 앵그르는 신고전주의의 전통을 이어받아 정밀한 선과 형태의 완벽함을 추구하는 길을 갔다. 다비드는 아카데미 교육을 통해 확립된 엄격한 미학이 낭만주의의 등장으로 도전받기 시작하는 과도기적 시대를 살았으며, 그의 예술은 이성, 질서, 공공의 덕을 강조하는 신고전주의의 핵심을 구현한다.

도미니크 앵그르는 프랑스의 화가로, 신고전주의 미술의 대표적 인물이다. 그는 자크루이 다비드의 제자로서 엄격한 선과 정교한 형태, 고전적 주제를 중시하는 신고전주의의 핵심 원칙을 계승했다. 특히 역사화와 초상화에서 탁월한 기량을 발휘했으며, 이탈리아에서 오랜 시간을 보내며 르네상스 거장들의 작품, 특히 라파엘로 산치오의 영향을 깊이 받았다.

그의 작품은 이상화된 아름다움과 완벽한 구도로 유명하다. 대표작인 《루이 13세의 서원》은 종교적 열의를 고전적 형식으로 표현한 역사화이며, 《오달리스크》 시리즈는 관능적이면서도 기하학적으로 정제된 인체 묘사를 보여준다. 《발푸르기의 목욕》과 같은 작품에서는 이국적인 오리엔탈리즘 취향과 세밀한 질감 표현이 두드러진다.

도미니크 앵그르는 당대 새롭게 부상하던 낭만주의의 감정적이고 역동적인 화풍과는 대조적인 길을 걸었다. 그는 색채보다는 선의 우위를 주장하며 "선은 곧 양심"이라고 말할 정도로 드로잉의 정확성을 최고의 가치로 여겼다. 이러한 그의 예술관은 후대 사실주의와 상징주의 화가들에게도 영향을 미쳤다.

외젠 들라크루아는 19세기 프랑스 미술의 중심 인물이자 낭만주의 회화의 대표적인 거장이다. 그는 감정의 격렬한 표현, 강렬한 색채, 극적인 구도, 그리고 문학적·역사적·동양적 주제를 다루며 신고전주의의 냉철한 이성과 규범에 대항하는 새로운 미학을 확립했다. 그의 작품은 개인의 상상력과 주관적 감정을 중시하는 낭만주의 정신을 가장 잘 구현한 것으로 평가받는다.

들라크루아의 대표작인 《민중을 이끄는 자유의 여신》은 1830년 프랑스 7월 혁명을 소재로 한 작품으로, 강렬한 감정과 상징적 인물을 통해 정치적 자유에 대한 열망을 드라마틱하게 표현했다. 이 작품은 낭만주의의 핵심 가치를 보여주는 걸작으로 꼽힌다. 또한 그는 《사르다나팔루스의 죽음》이나 《키오스 섬의 학살》 같은 작품을 통해 이국적이고 폭력적인 장면을 강렬한 색채와 격동적인 붓터치로 그려내며 관객에게 강한 감정적 충격을 전달했다.

그는 북아프리카, 특히 모로코와 알제리를 여행하며 접한 이슬람 문화와 생활에 깊은 감명을 받아 《알제리의 여인들》과 같은 작품을 남겼다. 이러한 동양 취미는 당시 유럽 화단에 새로운 시각과 색채를 소개하는 계기가 되었으며, 이후 인상주의와 같은 화가들에게도 영향을 미쳤다. 들라크루아의 풍부한 색채 이론과 표현 기법은 폴 세잔과 빈센트 반 고흐를 비롯한 후대 화가들의 창작에 중요한 영감을 제공했다.

프란시스코 고야는 스페인의 화가이자 판화가로, 18세기 후반부터 19세기 초반까지 활동하며 낭만주의 미술의 선구자로 평가받는다. 그의 작품은 초기 우아한 초상화와 벽걸이용 그림에서 후기로 갈수록 어둡고 강렬한 주제로 변모하며, 당대 스페인의 사회적·정치적 상황과 개인의 내면 심리를 날카롭게 표현했다는 특징을 지닌다. 특히 나폴레옹 전쟁 시기 스페인을 점령한 프랑스 군대에 대한 민중의 저항과 고통을 그린 작품들은 역사적 기록이자 강력한 정치적 선언으로 여겨진다.

고야의 대표작으로는 카를로스 4세 가족의 초상화인 <카를로스 4세 가족>, 나폴레옹 군대에 맞서는 마드리드 시민을 그린 <1808년 5월 3일>, 그리고 일련의 판화 시리즈인 <캐프리초스>와 <전쟁의 재해>가 있다. <캐프리초스>는 당시 사회의 부조리와 미신, 타락한 관습을 풍자한 80점의 판화 모음집이다. <전쟁의 재해>는 전쟁의 참혹함과 비인간성을 생생하게 묘사한 작품으로, 낭만주의가 강조하는 감정의 격렬함과 비극적 비전을 극명하게 보여준다.

생애 후반부에 고야는 중병을 앓은 후 청력을 완전히 잃었으며, 이 시기에 제작한 '흑화'라 불리는 일련의 작품들은 더욱 어두운 색채와 공포스러운 이미지로 채워져 있다. 마드리드 교외의 자택 벽에 직접 그린 <사트로스를 삼키는 사투르누스>와 같은 벽화들은 인간 본성의 어두운 측면과 죽음에 대한 집착을 탐구한다. 이러한 작품들은 후대 표현주의와 초현실주의 미술에 지대한 영향을 미쳤다.

고야는 전통적인 미의 기준을 넘어서서 인간 경험의 광범위한 스펙트럼—광기, 공포, 비이성, 영웅적 저항—을 예술의 정당한 소재로 끌어들인 화가이다. 그의 예술은 단순히 낭만주의의 범주에만 머무르지 않고, 현대적 감수성을 예견하며 19세기 미술이 신고전주의의 이상에서 벗어나 감정과 개성의 표현으로 나아가는 결정적 전환점을 마련했다.

윌리엄 터너는 19세기 영국 낭만주의를 대표하는 화가이다. 그는 특히 빛과 대기의 효과, 그리고 자연의 거대한 힘을 강렬하게 표현한 풍경화로 유명하다. 그의 작품은 종종 폭풍우, 불, 폭포 같은 극적인 자연 현상을 주제로 삼아, 인간의 감정과 자연의 숭고함을 결합시켰다. 이러한 점에서 그는 당시 영국 미술계의 주류였던 전통적인 풍경화의 틀을 뛰어넘어, 감정과 상상력을 중시하는 낭만주의 미학의 정수를 보여주었다.

터너의 초기 작품은 비교적 전통적인 구도를 따르지만, 후기로 갈수록 형태가 해체되고 색채가 강렬해지며 추상적인 느낌을 강하게 풍긴다. 그는 유화뿐만 아니라 수채화와 판화에도 뛰어난 재능을 보였으며, 특히 수채화에서의 즉흥적이고 투명한 색채 처리는 후대 인상주의 화가들에게 지대한 영향을 미쳤다. 그의 대표작으로는 《전함 테메레르호》(1839), 《비, 증기, 속도》(1844) 등이 있다.

그의 작품 세계는 단순한 풍경 묘사를 넘어서서, 자연의 변화무쌍함과 시간의 흐름, 그리고 산업화의 시작을 상징적으로 담아내고 있다. 터너는 생전에 왕립미술원의 교수로 활동하며 높은 평가를 받았고, 사후에는 자신의 작품 대부분을 국가에 기증하여 현재 런던의 테이트 브리튼 미술관에 전시되고 있다.

귀스타브 쿠르베는 19세기 프랑스 미술의 중요한 전환점을 마련한 사실주의 운동의 핵심 인물이다. 그는 1840년대 후반부터 기존의 신고전주의와 낭만주의가 추구했던 이상화된 주제나 역사적, 종교적 장면을 거부하고, 일상적인 삶과 사회적 현실을 있는 그대로 묘사하는 새로운 미학을 제창했다. 쿠르베는 자신의 작품을 통해 농민, 노동자, 평범한 시민들의 모습을 대담하고 솔직하게 캔버스에 담아냈다.

쿠르베의 대표작으로는 《오르낭의 매장》과 《숲속의 사냥꾼》이 있다. 《오르낭의 매장》은 고향 마을에서 벌어지는 평범한 장례식을 거대한 역사화의 규모로 그려내어 당대 미술계에 큰 충격을 주었다. 이 작품은 영웅이나 신화가 아닌, 소박한 시골 사람들의 삶과 죽음을 엄숙하게 기록했다. 그의 이러한 태도는 예술이 현실을 반영하고 사회적 논평의 도구가 되어야 한다는 신념에서 비롯되었다.

그는 1855년 파리 만국 박람회에서 자신의 작품 출품이 거부되자, 박람회장 근처에 '사실주의 전시관'이라는 이름의 개인 전시장을 직접 마련해 《화가의 아틀리에》를 비롯한 주요 작품들을 선보였다. 이 독립적인 행보는 예술가의 자율성과 새로운 미술 운동의 힘을 보여주는 상징적 사건이 되었다. 쿠르베의 사실주의는 이후 인상주의와 같은 후대 미술 운동에 지대한 영향을 미쳤다.

쿠르베의 예술과 사상은 정치적 성향과도 깊이 연결되어 있었다. 그는 급진적인 공화주의자였으며, 1871년 파리 코뮌에 참여하기도 했다. 그의 작품 《돌 깨는 사람》은 노동의 고됨과 사회적 불평등을 직설적으로 드러내며, 예술의 사회 참여적 역할을 강력히 주장했다. 이러한 점에서 쿠르베는 단순한 화가를 넘어, 예술을 통해 사회를 바라보고 비판하는 지식인의 면모를 보여준 인물로 평가받는다.

장프랑수아 밀레는 19세기 프랑스 사실주의 미술을 대표하는 화가이다. 그는 주로 농민의 삶과 노동을 주제로 한 작품으로 유명하다. 밀레는 귀스타브 쿠르베와 함께 당시 미술계의 주류였던 역사화나 신화적 주제에서 벗어나, 현실의 평범한 사람들의 모습을 진솔하게 그려내는 사실주의 운동의 핵심 인물이었다. 그의 작품은 농촌의 고된 삶을 이상화하지 않고도 그 안에서 발견되는 숭고함과 인간적 존엄성을 표현했다.

밀레의 대표작으로는 《만종》, 《이삭줍기》, 《씨 뿌리는 사람》 등이 있다. 《만종》은 저녁 기도 종소리에 묵상하는 농부 부부의 모습을 담아 종교적 정서와 일상의 노동이 결합된 감동적인 장면을 보여준다. 《이삭줍기》는 수확 후 남은 낱알을 주워 모으는 빈농 여성들의 모습을 통해 사회적 약자의 삶을 직시했다. 이러한 작품들은 당시 파리 살롱에서 논란을 일으키기도 했지만, 동시에 많은 이들에게 깊은 공감을 불러일으켰다.

그의 화풍은 세부 묘사보다는 형태의 단순화와 윤곽을 강조하는 방식을 취했다. 넓고 평평한 필치와 따뜻하면서도 차분한 색채로 농촌 풍경과 인물을 표현했다. 이러한 스타일은 후대의 인상주의 화가들에게, 특히 카미유 피사로 같은 인물에게 영향을 미쳤다. 밀레의 예술은 단순한 장르화를 넘어 보편적인 인간 조건에 대한 탐구로 평가받는다.

밀레는 바르비종 파와도 깊은 연관이 있다. 그는 테오도르 루소, 장바티스트 카미유 코로 등과 함께 퐁텐블로 숲 근처의 바르비종 마을에 정착하여 자연을 직접 관찰하고 그렸다. 그는 도시 문명으로부터 멀리 떨어진 시골 생활을 고집하며 자신의 예술 세계를 구축했다. 그의 작품은 프랑스 미술사에서 사실주의의 정수를 보여주는 중요한 유산으로 남아 있다.

오노레 도미에는 19세기 프랑스의 화가이자 판화가, 조각가로, 사실주의 미술 운동의 중요한 인물이다. 그는 주로 풍자 만화와 리토그래프 판화로 당대 사회와 정치를 날카롭게 비판하는 작품을 제작했으며, 평범한 시민들의 삶과 고통을 사실적으로 묘사한 회화로도 유명하다. 그의 작품은 예술적 완성도와 함께 강력한 사회적 메시지를 담고 있다는 점에서 높이 평가받는다.

도미에는 1808년 마르세유에서 태어나 파리에서 활동했다. 그는 신문과 잡지에 정치 풍자 만화를 연재하며 왕정과 루이 필리프 국왕의 정부를 신랄하게 풍자했고, 이로 인해 징역형을 살기도 했다. 그의 대표적인 판화 시리즈로는 '로베르 마케르'와 '1831년 4월 15일의 입법 양조장' 등이 있으며, 이 작품들은 날카로운 선과 과장된 표현으로 권력의 부패와 부르주아지의 위선을 폭로한다.

회화 분야에서 도미에는 '세탁부', '3등 객차', '돈키호테'와 같은 작품을 남겼다. 이 작품들은 강렬한 명암 대비와 굵은 터치, 단순화된 형태를 특징으로 하며, 노동자와 서민들의 일상과 내면을 깊이 있게 포착한다. 특히 '세탁부'는 강가에서 고된 노동을 하는 여성의 모습을 통해 사회적 약자의 삶을 조명한 걸작이다.

도미에의 예술은 낭만주의의 감정 표현과 인상주의의 빛에 대한 관심과는 거리를 두고, 현실의 사회적 조건과 인간 존재의 본질을 직시하는 데 주력했다. 그의 작품은 후대의 표현주의와 사회 리얼리즘 미술에 지대한 영향을 미쳤다.

클로드 모네는 프랑스의 화가로, 인상주의 미술 운동의 핵심 창시자이자 가장 대표적인 인물이다. 그의 작품과 예술적 실천은 인상주의라는 용어 자체의 기원이 되었다. 모네는 전통적인 아카데미 미술의 규범을 거부하고, 순간적인 빛의 효과와 색채 변화를 포착하는 데 집중했다. 이를 위해 야외에서 직접 자연을 관찰하며 그리는 플레네르 방식을 고수했고, 빠른 붓질과 순수한 색채의 병치를 통해 시각적 인상을 캔버스에 담아냈다.

모네의 대표작인 \<인상, 해돋이\>는 1874년 제1회 인상주의 전시회에서 공개되었으며, 이 작품의 제목에서 비롯된 '인상주의'라는 비평가의 조롱이 오히려 운동의 이름으로 굳어지게 되었다. 그는 같은 주제를 다른 시간대와 조명 조건에서 반복하여 그리는 연작을 통해 빛의 변덕을 탐구했다. 대표적인 연작 시리즈로는 \<건초더미\>, \<루앙 대성당\>, \<런던의 국회의사당\>, 그리고 말년에 집중적으로 제작한 \<수련\> 연작이 있다.

모네는 말년에 지베르니에 정원을 가꾸고 거대한 수련 연못을 조성하여, 자신의 예술 세계를 완성하는 장으로 삼았다. 이곳에서 제작된 대규모 \<수련\> 연작들은 형태의 해체와 색채의 순수한 표현으로 나아가, 20세기 추상 미술의 길을 예시하기도 했다. 그의 작업은 에드가 드가, 오귀스트 르누아르 등 동시대 인상주의 화가들과 깊이 연결되며, 이후 후기 인상주의와 현대 미술 전반에 지대한 영향을 미쳤다.

에드가 드가는 19세기 프랑스의 화가이자 조각가로, 인상주의 운동의 핵심 인물 중 한 명이다. 그러나 그는 자신을 인상주의자라기보다는 사실주의자로 여겼으며, 특히 인물의 동작과 일상의 순간을 포착하는 데 탁월한 재능을 보였다. 그의 작품은 발레리나, 세탁부, 경마장, 카페 등 파리의 현대 생활을 주제로 한 것이 많다. 드가는 전통적인 아카데미 미술 교육을 받았지만, 이후 인상주의 그룹의 전시회에 적극적으로 참여하며 새로운 예술적 실험을 지속했다.

드가의 예술적 특징은 독특한 구도와 빛의 처리, 그리고 과감한 단축법에 있다. 그는 일본 목판화의 영향을 받아 비대칭적이고 독창적인 화면 구성과 높은 시점을 활용한 작품을 많이 남겼다. 또한, 그는 파스텔을 주된 재료로 사용하여 섬세하면서도 생동감 있는 색채 표현을 추구했다. 그의 대표작으로는 《무대 위의 발레리나》, 《다림질하는 여인들》, 《압생트를 마시는 사람》 등이 있다.

회화뿐만 아니라 드가는 조각에도 뛰어난 재능을 발휘했다. 그는 주로 밀랍으로 소조를 만들었으며, 특히 《14세의 작은 무용수》는 실제 천과 가발을 사용한 혁신적인 작품으로 유명하다. 이 조각은 그가 사망한 후 청동으로 주조되어 널리 알려지게 되었다. 드가는 말년에 시력이 급격히 나빠졌지만, 계속해서 파스텔화와 조각 작업을 이어갔다.

드가는 인상주의 화가들 사이에서도 독보적인 위치를 차지한다. 그는 야외에서의 순간적인 빛을 포착하는 풍경화보다는 실내에서의 인물 연구와 운동감 표현에 더 집중했다. 그의 작품은 현대 생활에 대한 날카로운 관찰력과 함께, 인간의 내면과 고독을 깊이 있게 드러낸다는 평가를 받는다. 에드가 드가는 19세기 미술이 전통에서 현대로 넘어가는 과도기를 상징하는 중요한 예술가로 자리 잡고 있다.

오귀스트 르누아르는 프랑스 출신의 화가로, 인상주의 운동의 핵심 인물 중 한 명이다. 그는 특히 빛과 색채의 섬세한 변화를 포착하여 일상의 아름다운 순간과 인물을 따뜻하고 생생하게 표현한 작품으로 유명하다. 르누아르의 초기 작품은 전통적인 미술 교육의 영향을 받았으나, 클로드 모네, 알프레드 시슬레 등 다른 인상주의 화가들과의 교류를 통해 야외에서 빛을 연구하는 인상주의 기법을 발전시켰다.

그의 대표작으로는 《물랭 드 라 갈레트의 무도회》, 《피아노 앞의 소녀들》, 《선셋의 보트 파티》 등이 있다. 이 작품들에서 그는 움직이는 빛의 반사와 명암, 그리고 사람들의 표정과 제스처를 통해 활기찬 사회적 분위기와 순수한 기쁨을 전달한다. 르누아르는 인물화, 특히 여성의 누드와 어린이를 주제로 한 작품에서 탁월한 재능을 보였으며, 그의 붓터치는 부드럽고 감각적이다.

르누아르의 예술 세계는 후기에 이르러 변화를 겪는다. 1880년대 초 이탈리아 여행을 통해 르네상스 거장들의 작품을 접한 후, 그는 인상주의의 즉흥적인 기법보다는 형태의 고정성과 선의 명확성을 더 중시하는 방향으로 나아갔다. 이 시기의 작품은 소위 '앵그르식'으로 불리는 단정한 선과 고전적인 구도를 특징으로 한다.

그러나 말년에 르누아르는 다시 한번 자신의 스타일을 통합하여, 인상주의의 풍부한 색채와 고전주의의 견고한 형태를 결합한 독자적인 화풍을 완성했다. 그는 심한 류머티즘으로 고통받으며 붓을 손에 묶어가며 그림을 그렸음에도 불구하고, 생의 마지막 순간까지 풍요롭고 관능적인 아름다움을 화폭에 담아냈다. 그의 예술은 후기 인상주의와 20세기 초 현대 미술에 지속적인 영향을 미쳤다.

카미유 피사로는 인상주의 운동의 핵심 인물이자 가장 일관된 참여자로 평가받는다. 그는 인상주의 그룹의 여덟 번에 걸친 공동 전시회에 유일하게 모두 출품한 작가이다. 피사로는 풍경화를 주로 그렸으며, 특히 시골의 전원 풍경과 변화하는 계절과 빛의 효과를 포착하는 데 탁월한 재능을 보였다. 그의 초기 작품은 바르비종 화파의 영향을 받았으나, 점차 순간적인 빛과 색채의 인상을 강조하는 독자적인 스타일을 발전시켰다.

피사로는 다른 인상주의 화가들에게 조언자이자 멘토 역할을 했다. 그는 폴 세잔과 폴 고갱에게 큰 영향을 미쳤으며, 특히 세잔은 피사로를 "겸손하고 위대한 스승"이라고 칭송했다. 또한 그는 조르주 쇠라와 폴 시냐크의 점묘법에 관심을 보여 일시적으로 그 기법을 채택하기도 했다. 그의 작품은 전통적인 구도를 유지하면서도, 농부의 일상이나 도시의 번화가 같은 현대 생활의 장면을 진솔하게 담아내는 특징을 지닌다.

피사로의 예술적 여정은 경제적 어려움과 정치적 격변 속에서도 꾸준한 실험 정신을 보여준다. 그의 작품은 인상주의의 발전과 더불어 후기 인상주의로의 과도기를 이해하는 데 중요한 연결고리가 된다.

베르트 모리조는 프랑스의 화가로, 인상주의 운동의 핵심 구성원이자 최초의 여성 화가 중 한 명이다. 그녀는 부유한 상류층 가정에서 태어나 정규 미술 교육을 받았으며, 에두아르 마네의 형제인 외젠 마네와 결혼하면서 마네 가문과 깊은 관계를 맺었다. 모리조는 마네를 비롯한 당대의 전위 예술가들과 교류하며 인상주의의 발전에 기여했다.

그녀의 작품은 주로 가정 내부, 정원, 도시 풍경, 그리고 여성과 어린이의 일상적인 모습을 담고 있다. 《요람》, 《발코니에서》, 《체리 따는 소녀》 등의 대표작에서 볼 수 있듯이, 밝고 자유로운 붓터치와 섬세한 색채로 빛의 효과와 순간적인 인상을 포착하는 데 탁월했다. 모리조는 여성의 사적인 공간과 삶을 주제로 삼았으며, 이는 당시 미술계에서 남성 화가들이 주로 다루던 공적 영역과는 구별되는 독자적인 시각을 보여준다.

베르트 모리조는 1874년부터 1886년까지 열린 8번의 인상파 전시회 중 7번에 참여하는 등 적극적으로 활동했으나, 당대 비평계와 미술사에서 그녀의 공적은 종종 간과되거나 주변적인 것으로 평가받았다. 그러나 현대 미술사 연구에서는 그녀가 인상주의 운동에 미친 영향과 여성 예술가로서의 선구적 역할을 재조명하고 있다. 모리조의 작품은 현재 오르세 미술관을 비롯한 세계 주요 미술관에 소장되어 있다.

빈센트 반 고흐는 네덜란드 출신의 화가로, 후기 인상주의를 대표하는 인물이다. 그의 작품은 강렬한 색채와 격정적인 붓터치, 감정의 직접적인 표현으로 특징지어진다. 생전에는 거의 인정받지 못했으나, 사후 20세기에 이르러 현대 미술의 선구자로 재평가되었다. 그의 생애와 예술은 극적인 고뇌와 열정으로 점철되어 있으며, 이는 그의 수많은 자화상과 서신을 통해 생생하게 전해진다.

반 고흐의 초기 작품은 네덜란드 시절 그린 《감자 먹는 사람들》과 같이 어두운 톤과 사회적 관심을 보여준다. 그러나 1886년 파리로 이주한 후, 인상주의와 신인상주의의 영향을 받아 그의 팔레트는 급격히 밝아지고 색채가 선명해졌다. 파리에서 그는 앙리 드 툴루즈로트렉과 같은 동시대 화가들과 교류하며 자신의 스타일을 발전시켰다.

1888년, 그는 프랑스 남부 아를로 이주하여 자신의 예술적 이상을 실현하고자 했다. 이 시기에 그는 《해바라기》, 《아를의 침실》, 《별이 빛나는 밤 (아를)》과 같은 가장 유명한 걸작들을 제작했다. 아를에서 그는 폴 고갱과 공동 생활을 시도했으나, 극적인 결별과 함께 반 고흐의 귀 자상 사건으로 이어졌다. 이후 그는 생레미의 요양원에서 요양하며 《별이 빛나는 밤》을 포함한 많은 작품을 그렸다.

반 고흐는 1890년 7월, 프랑스 오베르쉬르우아즈에서 총상으로 생을 마감했다. 그의 예술적 유산은 표현주의를 비롯한 20세기 미술 전반에 지대한 영향을 미쳤다. 그의 작품은 전 세계 주요 미술관에 소장되어 있으며, 특히 암스테르담의 반 고흐 미술관과 크뢸러뮐러 미술관은 그의 작품을 대규모로 소장하고 있다.

폴 세잔은 19세기 후반 프랑스에서 활동한 화가로, 후기 인상주의를 대표하는 인물이다. 그는 인상주의 화가들의 영향을 받았으나, 자연을 원통형, 구형, 원추형 등의 기본적인 기하학적 형태로 환원하여 표현하는 독자적인 화풍을 발전시켰다. 이는 자연의 본질을 탐구하고자 한 그의 예술적 신념에서 비롯된 것으로, 이후 입체주의를 비롯한 20세기 모더니즘 미술에 지대한 영향을 미쳤다.

세잔의 주요 작품으로는 《카드놀이 하는 사람들》, 《목욕하는 여인들》, 그리고 그의 고향인 프랑스 프로방스 지방의 상징인 《생트빅투아르 산》을 반복적으로 그린 연작이 유명하다. 그는 특히 정물화와 풍경화에서 두각을 나타냈으며, 대상의 형태와 색채, 공간 구성을 통한 구조적 안정감을 추구했다. 그의 작업 방식은 한 작품을 완성하는 데 오랜 시간을 투자하는 것이 특징이었다.

그의 예술은 생전에는 널리 인정받지 못했으나, 20세기 초 파리에서 열린 그의 회고전을 계기로 재평가되기 시작했다. 앙리 마티스와 파블로 피카소를 비롯한 젊은 예술가들은 세잔을 "현대 미술의 아버지"로 칭송하며 그의 혁신적인 접근법에서 영감을 얻었다. 그의 유산은 단순히 한 시대의 유파를 넘어서 현대 회화의 근본적인 전환점을 마련했다는 평가를 받는다.

폴 고갱은 후기 인상주의를 대표하는 프랑스 화가이다. 초기에는 인상주의 화풍으로 활동했으나, 점차 관념적이고 상징적인 표현을 추구하는 독자적인 화풍을 발전시켰다. 그의 작품은 강렬한 색채와 단순화된 형태, 평면적인 구도가 특징이며, 서구 문명을 벗어난 원시적이고 정신적인 세계를 탐구하는 데 주력했다.

타히티와 마르키즈 제도 등 폴리네시아에서의 체험은 그의 예술 세계에 결정적인 영향을 미쳤다. 그는 현지의 풍경과 주민들의 삶을 소재로 삼아 원시주의적 경향을 강화했으며, 대표작인 〈우리는 어디서 왔는가? 우리는 무엇인가? 우리는 어디로 가는가?〉와 같은 작품을 통해 생에 대한 철학적 질문을 던졌다. 그의 예술은 이후 상징주의와 야수파 등 20세기 모더니즘 미술에 지대한 영향을 끼쳤다.

조르주 쇠라는 프랑스 출신의 화가로, 후기 인상주의를 대표하는 인물이자 점묘법의 창시자로 평가받는다. 그는 과학적인 색채 이론에 기반한 새로운 회화 기법을 개발하여, 인상주의의 즉흥적인 붓터치를 체계화하고 이론화하는 데 결정적인 역할을 했다. 그의 이론적 접근 방식은 당대 미술계에 큰 충격을 주었으며, 신인상주의라는 새로운 미술 운동을 탄생시켰다.

쇠라의 가장 유명한 작품은 1884년부터 1886년까지 제작된 대작 《그랑드 자트 섬의 일요일 오후》이다. 이 작품은 수많은 작은 색점으로 구성되어 있으며, 이를 통해 빛의 효과와 색의 혼합을 과학적으로 구현하고자 했다. 그는 색채 이론과 시각 혼합 원리를 깊이 연구하여, 캔버스에 순수한 색채의 점을 병치함으로써 관람자의 망막에서 색이 혼합되도록 하는 기법을 완성했다.

그의 작품 세계는 인상주의자들이 추구한 순간적인 인상 기록을 넘어, 엄격한 구성과 기하학적 질서를 중시하는 경향을 보인다. 《그랑드 자트 섬의 일요일 오후》에서 보이는 인물들의 정적인 자세와 단순화된 형태는 고전적인 안정감을 주며, 이는 당시 유행하던 사실주의나 낭만주의와는 구별되는 특징이다. 쇠라는 단순한 풍경화가 아닌, 현대 도시 생활의 한 단면을 이상화된 형태로 포착하려 했다.

조르주 쇠라는 짧은 생애 동안 지속적으로 점묘법을 발전시켰으며, 해변 풍경을 주제로 한 일련의 작품들에서도 이 기법을 적용했다. 그의 이론과 실천은 폴 시냐크 같은 후배 화가들에게 직접적인 영향을 미쳤을 뿐만 아니라, 20세기 입체주의와 추상 미술의 등장에도 간접적으로 기여한 것으로 평가된다.

구스타프 클림트는 19세기 말 오스트리아를 대표하는 화가이자 상징주의의 거장이다. 특히 빈 분리파의 창립 멤버이자 초대 회장으로 활동하며, 기존의 보수적인 미술계에 반기를 들고 새로운 예술 운동을 주도했다. 그의 작품은 화려한 장식성과 강렬한 에로티시즘, 그리고 금박을 적극적으로 사용한 독특한 양식으로 유명하다.

클림트의 대표작으로는 '키스', '유디트 I', '다나에' 등이 있다. 이 작품들은 종종 금박과 은박, 모자이크 기법을 활용해 화려한 장식적 효과를 추구하며, 인간의 생명, 죽음, 사랑, 욕망 같은 보편적 주제를 상징적으로 표현한다. 그의 작품 세계는 아르누보의 장식적 요소와 비잔틴 미술의 금박 기법, 그리고 고대 이집트 미술의 영향을 받아 형성되었다.

그는 또한 빈 대학교 천장화 프로젝트에 참여했으나, 당시 학계로부터 너무 노골적이고 퇴폐적이라는 비판을 받아 논란을 일으키기도 했다. 클림트의 예술은 전통적인 역사화나 종교화에서 벗어나, 인간의 내면 세계와 심리, 특히 여성의 이미지를 통해 당대 사회의 금기시되던 주제들을 탐구했다는 점에서 혁신적이었다.

클림트의 영향력은 에곤 실레와 오스카 코코슈카 같은 후대 표현주의 화가들에게 직접적으로 이어졌으며, 그의 독창적인 스타일은 20세기 장식 미술과 일러스트레이션에도 지대한 영향을 미쳤다. 오늘날 그의 작품은 빈 미술사 박물관과 벨베데레 궁전 등에 소장되어 있다.

오딜롱 르동은 19세기 후반 프랑스에서 활동한 화가이자 판화가로, 상징주의 미술의 대표적인 인물 중 한 명이다. 그의 작품 세계는 외부 현실을 재현하는 데 초점을 맞춘 인상주의나 사실주의와는 달리, 꿈, 환상, 무의식의 세계를 탐구하는 데 주력했다. 초기에는 주로 흑백의 석판화와 목탄화를 제작하며 '흑의 시대'를 보냈고, 후기에는 화려한 색채의 파스텔과 유화를 통해 '색채의 시대'를 열었다.

르동의 예술은 문학, 음악, 과학에 대한 깊은 관심에서 비롯되었다. 그는 에드거 앨런 포와 샤를 보들레르의 문학, 리하르트 바그너의 음악에 심취했으며, 당시 발전 중이던 진화론과 미생물학에도 관심을 가졌다. 이러한 다양한 영감은 그의 작품에서 신비롭고 때로는 불안한 생명체, 부유하는 눈, 꽃과 인간이 결합된 형상 등으로 나타난다. 그의 대표작으로는 《폐허 속의 등불》, 《키클롭스》, 《비너스의 탄생》 등이 있다.

그는 당대의 주류 미술계와는 거리를 두었지만, 나비파의 젊은 화가들과 교류하며 그들에게 영향을 미쳤다. 또한 그의 독특한 상상력과 내면 세계에 대한 탐구는 20세기 초 초현실주의 운동의 선구자로 평가받는 중요한 계기를 마련했다. 오딜롱 르동의 작품은 오늘날까지도 관람자로 하여금 시각적 아름다움을 넘어서 정신적이고 심리적인 깊이를 느끼게 한다.