혁오 (HYUKOH) (r1)

오혁은 1994년 2월 5일 서울에서 태어났다. 그는 밴드 혁오 (HYUKOH)의 리더이자 메인 보컬, 기타리스트, 그리고 주요 작사·작곡가를 맡고 있다. 어린 시절 중국에서 유학 생활을 했으며, 이 경험은 그의 음악적 시각과 세계관 형성에 영향을 미쳤다.

그는 홍익대학교에서 시각디자인을 전공했다. 학업과 음악 활동을 병행하며, 밴드의 전반적인 아트 디렉션과 앨범 아트워크, 뮤직비디오 콘셉트에도 깊이 관여했다. 그의 디자인적 감각은 밴드의 독특한 비주얼 아이덴티티 구축에 기여했다.

음악적으로 오혁은 얼터너티브 록, 인디 록을 기반으로 하면서도 포크, 사이키델릭 록, 일렉트로닉 등 다양한 요소를 자신만의 감성으로 녹여내는 것으로 평가받는다. 특유의 담백하고 절제된 보컬 톤과 직관적인 멜로디 라인이 그의 특징이다. 그는 라디오헤드, 아케이드 파이어, 디 앤디밀 등 해외 아티스트들로부터 음악적 영감을 받았다고 밝힌 바 있다.

임동건은 대한민국의 인디 밴드 혁오 (HYUKOH)의 기타리스트이자 작곡가이다. 그는 밴드의 독특한 사운드와 정교한 기타 연주로 유명하다.

그는 밴드의 리더이자 메인 보컬인 오혁의 고등학교 동창으로, 2014년 혁오 결성 초기부터 기타리스트로 합류했다. 밴드의 초기 EP인 *20*과 *22*에서부터 그의 기타 연주는 로파이와 인디 록 사운드에 깊이를 더하는 핵심 요소였다. 특히 *위잉위잉*과 *와리가리* 같은 곡에서 선보이는 감성적이면서도 절제된 기타 리프와 솔로는 그의 특징적인 연주 스타일을 보여준다.

임동건은 기타 연주뿐만 아니라 작곡과 편곡에도 적극적으로 참여하여 밴드의 음악적 완성도에 기여한다. 그는 포크, 블루스, 싸이키델릭 록 등 다양한 음악적 영향을 바탕으로 한 기반을 가지고 있으며, 이를 혁오의 현대적인 사운드와 조화시키는 데 탁월하다. 그의 연주는 기술적 화려함보다는 곡의 분위기와 감정을 정확하게 전달하는 데 중점을 둔다.

임현제는 혁오의 베이시스트이자 작곡가로 활동한다. 그는 1993년 6월 27일 서울에서 태어났으며, 경기고등학교와 한양대학교에서 응용음악을 전공했다[1]. 밴드 내에서는 주로 베이스 기타를 담당하지만, 키보드와 신시사이저 연주, 편곡 작업에도 참여하여 그룹의 사운드에 깊이를 더하는 역할을 맡는다.

그의 베이스 라인은 혁오 음악의 중요한 기둥 중 하나로 평가받는다. 단순한 리듬 지지 역할을 넘어 선율적이고 독창적인 진행을 보여주며, 오혁의 보컬과 기타 선율과 조화를 이루면서도 독자적인 개성을 발휘한다. 특히 초기 인디 록 사운드에서부터 후기로 갈수록 다채로워지는 실험 음악적 요소까지, 밴드의 음악적 진화 과정에서 그의 베이스 연주는 핵심적인 변수로 작용했다.

임현제는 작곡과 프로듀싱에도 적극적으로 기여하며, 밴드의 창작 과정에서 중요한 역할을 수행한다. 그는 혁오의 음악이 단순한 장르의 범주를 넘어서도록 하는 실험적 시도에 공헌해왔으며, 이러한 점은 그룹의 독보적인 음악적 정체성을 형성하는 데 기여했다.

이인우는 혁오의 드러머이자, 2014년 12월 밴드의 정식 멤버로 합류한 후 현재까지 활동하고 있다. 그는 밴드의 리듬 섹션을 구성하며, 복잡하지 않으면서도 강력한 그루브와 절제된 연주로 음악의 토대를 다지는 역할을 담당한다. 그의 드럼 연주는 혁오의 초기 로파이 사운드에서 최근의 더 풍부해진 사운드로의 변화 과정에서도 음악의 중심을 잡아주는 중요한 요소로 평가받는다.

그는 혁오의 정규 앨범 《23》과 《through love》를 비롯한 모든 음반과 라이브 공연에 참여했다. 특히 라이브 퍼포먼스에서의 안정감과 멤버들과의 호흡은 혁오의 무대를 특징짓는 요소 중 하나로 꼽힌다. 이인우는 공연에서 화려한 테크닉보다는 곡의 흐름과 감정을 최우선으로 하는 연주 스타일을 보여준다.

임현제와 함께 리듬 파트를 이루는 그는, 오혁이 구상하는 음악적 분위기를 실현하는 데 기여하는 핵심 멤버이다. 그의 연주는 밴드의 음악이 단순한 인디 록을 넘어 포크, 싸이키델릭 록, 얼터너티브 록 등 다양한 장르의 요소를 자연스럽게 아우를 수 있도록 하는 기반을 제공한다.

혁오의 음악은 인디 록을 기반으로 하여, 포스트 펑크, 사이키델릭 록, 로파이, 얼터너티브 록 등 다양한 장르의 요소를 흡수한 독특한 스타일로 진화해왔다. 초기 데뷔 EP 《20》과 《22》에서는 간결한 구성, 로파이적인 느낌의 녹음, 그리고 포크 록과 인디 팝의 영향을 받은 멜로디가 두드러졌다. 이 시기의 음악은 청춘의 방황과 일상적인 감정을 담백하게 그려내며 한국 인디씬에서 신선한 반향을 일으켰다.

첫 정규 앨범 《23》을 기점으로 그 사운드는 보다 풍부하고 실험적인 방향으로 확장되었다. 사이키델릭 록의 영향을 받은 기타 사운드와 신시사이저의 사용이 늘어났으며, 곡의 구조도 더욱 복잡해졌다. 이후 발매된 《through love》와 《HELPLESS》에서는 얼터너티브 록과 포스트 펑크 리바이벌의 강렬한 에너지와 그루브를 적극적으로 수용하면서도, 밴드 고유의 감성적인 멜로디 라인을 유지하는 균형을 보여주었다.

이러한 장르적 변화는 구성원들의 음악적 성장과 해외 활동 경험에서 비롯된 것으로 보인다. 특히 해외 공연과 다양한 아티스트들과의 교류는 그들의 사운드 팔레트를 넓히는 데 기여했다. 결과적으로 혁오는 특정 장르에 국한되지 않으면서도 일관된 미학을 가진, 한국을 대표하는 인디 밴드로 자리매김했다.

혁오의 가사는 종종 회의주의와 실존주의적 질문을 던지며, 현대 사회에서의 소외감과 정체성 고민을 날카롭게 포착한다. 초기 EP 《20》과 《22》의 곡들에서는 청년기의 불안정한 감정과 미래에 대한 막연한 두려움을 직설적이면서도 시적으로 표현했다. 이후 정규 앨범 《23》과 《through love》로 이어지며, 가사는 개인적 차원을 넘어 관계, 사회, 그리고 사랑이라는 보편적 주제를 더욱 다층적으로 탐구하는 양상을 보인다.

주요 주제로는 고독, 소통, 일상의 의미 부재, 그리고 그 속에서의 저항 정신이 반복적으로 등장한다. "위잉위잉"이나 "톰보이" 같은 곡은 외부의 시선과 압박 속에서도 자신의 속도를 유지하려는 의지를, "공드림"이나 "지정석"은 관계에 대한 애틋함과 상실감을 담아낸다. 가사는 명확한 해답을 제시하기보다는, 불완전한 상태 그 자체를 인정하고 질문을 던지는 방식으로 구성되는 경우가 많다.

혁오의 가사가 가지는 힘은 복잡한 수사를 배제한 간결함과 구체적인 일상의 이미지에서 비롯된다. '잠든 사이에 핸드폰을 또 떨어뜨렸지', '담배 연기와 커피 찌꺼기 냄새'와 같은 평범한 순간들을 포착하여, 그 안에 내재된 우울이나 허무를 효과적으로 전달한다. 이러한 접근법은 동시대 청년층의 공감을 이끌어내는 주요 요소가 되었다.

시간이 흐르며 가사의 초점은 내면의 고독에서 타자와의 관계, 그리고 더 넓은 사회적 관심사로 점차 확장되는 경향을 보인다. 《through love》의 타이틀곡 'help'는 세상의 고통에 대한 연대의 시선을, '새소년'은 시대적 불안 속에서의 희망을 노래하며, 보다 적극적인 위로와 공동체 의식을 드러내기도 한다.

혁오의 정규 앨범은 밴드의 음악적 성장과 변화를 가장 잘 보여주는 지표이다. 첫 정규 앨범인 《23》은 2017년 4월 발매되었다. 이 앨범은 데뷔 EP 《20》과 《22》에서 보여준 로파이 사운드와 인디 록의 기반 위에, 더 풍부한 사운드 스케이프와 실험적인 구성을 담아냈다. 타이틀곡 '톰보이'와 '지정석' 등이 수록되어 있으며, 국내외 비평가들로부터 호평을 받으며 밴드의 위상을 공고히 했다.

두 번째 정규 앨범 《through love》는 2020년 4월에 공개되었다. 이 앨범은 전작보다 더욱 세련되고 감성적인 사운드를 추구하며, 팬데믹 시대를 관통하는 사랑과 고립, 소통에 대한 깊은 성찰을 담았다. 'help'나 '새얀' 같은 곡들은 밴드의 음악적 스펙트럼이 한층 확장되었음을 보여준다. 앨범 전체가 하나의 콘셉트로 연결되어 있으며, 서사적인 흐름을 가지고 있다는 평가를 받았다.

두 장의 정규 앨범은 혁오가 단순한 인디 밴드를 넘어 한국 대중음악 장르에서 독보적인 위치를 점하는 데 결정적인 역할을 했다. 각 앨범은 발매 시점에서 밴드의 내적 고민과 음악적 탐구의 결과물이었으며, 꾸준한 음반 활동의 핵심을 이룬다.

혁오는 데뷔 이후 여러 장의 EP와 싱글을 발표하며 독특한 음악 세계를 구축해 왔다. 이들의 초기 작품들은 주로 인디 록과 로파이 사운드에 기반을 두었으며, 소규모 레이블을 통해 발매되었다.

초기 EP인 《20》은 2014년 발매되어 '위잉위잉'과 '와리가리' 등의 곡을 담았다. 이 앨범은 밴드 사운드와 싸이키델릭 록의 영향을 받은 사운드로 주목을 받기 시작했다. 이듬해인 2015년에는 EP 《22》를 발매했는데, 타이틀곡 'Comes And Goes'를 비롯해 'Hooka'와 '공드림' 등이 수록되어 음악적 성장을 보여주었다. 같은 해 발매된 싱글 'Panda Bear'는 해외에서도 호평을 받았다.

2017년 정규 1집 《23》 발매에 앞서 선공개된 싱글 'TOMBOY'는 대중적인 인기를 얻으며 밴드의 전환점이 되었다. 이후에도 'Love Ya!'(2018), 'help'(2019) 등의 싱글을 꾸준히 발표하며 다양한 시도를 이어갔다. 2023년 발매한 싱글 '해질 무렵'은 보다 차분하고 성숙한 음악적 색채를 담아냈다. 이들의 EP와 싱글 활동은 정규 앨범 사이사이에 새로운 실험과 음악적 접근을 보여주는 창구 역할을 해왔다.

혁오는 2014년 데뷔 이후 한국 인디 음악 씬에서 독보적인 위상을 구축한 밴드로 평가받는다. 그들의 등장은 기존의 인디 록 장르에 새로운 활력을 불어넣었으며, 특히 젊은 세대에게 강력한 문화적 공감대를 형성하는 데 성공했다. 데뷔 EP 20의 수록곡 '위잉위잉'이 대중적인 인기를 얻으며, 인디 밴드가 메인스트림 차트에 진입하는 새로운 가능성을 보여주었다. 이는 인디 음악의 대중화와 상업적 성공 사이의 경계를 재정의하는 계기가 되었다.

밴드는 초기 로파이 사운드에서 출발해 점차 다양한 실험적 요소를 음악에 도입하며 진화해왔다. 이러한 음악적 성장 과정은 한국 인디씬 내에서 아티스트의 정체성을 유지하며 지속적으로 진화할 수 있는 모범 사례로 꼽힌다. 또한, 멤버들이 직접 아트워크와 뮤직비디오 콘셉트에 깊이 관여하는 등 음악 외적인 부분까지 통제하는 '올라운더'적인 접근 방식은 동시대 인디 뮤지션들에게 큰 영감을 주었다.

혁오의 성공은 인프라 측면에서도 한국 인디씬에 영향을 미쳤다. 그들의 활동은 소규모 공연장에서 시작해 대형 페스티벌 헤드라이너로 성장하는 경로를 보여주었으며, 이는 후배 밴드들에게 실질적인 롤모델이 되었다. 또한, 국내 주요 인디 레이블과의 협업 방식을 통해 인디 아티스트의 산업적 지위 향상에 간접적으로 기여했다는 평가를 받는다.

결국 혁오는 단순히 인기 있는 밴드를 넘어, 한국 인디 음악 씬의 지형 변화를 상징하는 아티스트로 자리매김했다. 그들의 경로는 예술적 독립성과 대중적 접근성을 어떻게 조화시킬 수 있는지에 대한 지속적인 논의를 촉발시켰다.

혁오는 한국 인디씬을 넘어 국제적으로 주목받는 밴드로 성장했다. 그들의 해외 활동은 초기부터 꾸준히 이어져 왔으며, 특히 아시아와 유럽에서 강한 인기를 구축했다.

밴드는 2015년 첫 EP 발매 직후부터 해외 공연에 초청되기 시작했다. 2016년에는 일본에서 첫 단독 공연을 성공적으로 마쳤으며, 이후 타이완, 홍콩, 싱가포르 등 아시아 주요 도시에서 정기적인 투어를 진행했다. 유럽에서는 2017년 글래스톤베리 페스티벌 무대에 서며 본격적인 진출의 신호탄을 올렸다. 이후 영국의 리딩 앤드 리즈 페스티벌, 네덜란드의 로우랜즈 페스티벌 등 유명 페스티벌에 초청받으며 현지 관객으로부터 호평을 받았다.

해외 언론과 음악 평론가들은 혁오의 음악을 독특한 크로스오버 (음악) 스타일로 평가하며, 서정적인 멜로디와 미니멀한 사운드, 오혁의 특유한 보컬 톤을 높이 샀다. 영국의 음악 매거진 NME는 그들을 "한국에서 가장 흥미로운 수출품 중 하나"로 지칭했으며, 미국의 NPR은 '톰보이'를 "세계적인 감수성을 지닌 팝 명작"으로 소개했다[6]. 이러한 평가는 언어의 장벽을 넘어 전달되는 음악적 감정과 완성도 높은 라이브 퍼포먼스에 기인한다.