조커

조커 (영화)는 DC 코믹스의 악당 조커를 모티브로 하지만, 기존의 DC 확장 유니버스나 다른 조커 영화와는 직접적인 연관성이 없는 독립적인 오리지널 스토리이다. 영화는 코믹스의 특정 스토리라인을 각색하기보다, 캐릭터의 기원에 대한 새로운 해석을 제공하는 데 초점을 맞췄다.

영화화 계기는 감독 토드 필립스가 2016년경 마틴 스코세이지의 1970-80년대 작품들에서 영감을 받아 현대적인 성격 연구 드라마 형식으로 조커의 기원을 탐구하는 아이디어를 제안하면서 시작되었다[2]. 당시 워너 브라더스는 DC 확장 유니버스의 실패를 만회할 새로운 접근법을 모색 중이었고, 비교적 낮은 예산으로 제작 가능한 이 성인 지향적 캐릭터 연구 프로젝트를 승인했다.

제작 과정에서 영화는 "블랙 레이블"이라는 별도의 라벨 하에 진행되어 기존 슈퍼히어로 영화와의 차별성을 강조했다. 이는 영화가 장르의 전형적인 액션이나 판타지 요소보다, 한 인간의 붕괴와 사회적 맥락을 심도 있게 다루는 데 자유도를 부여했다.

영화 조커는 토드 필립스가 감독과 공동 각본을 맡았다. 필립스는 이전에 행오버 시리즈와 같은 코미디 영화로 잘 알려져 있었으나, 이 작품을 통해 장르적 전환을 시도하며 심리 드라마와 사회 풍자 영화의 경지를 보여주었다. 각본은 필립스와 스콧 실버가 공동 집필했다.

제작은 브래들리 쿠퍼, 토드 필립스, 엠마 틸린저 코스코프가 맡았다. 쿠퍼는 자신의 제작사 리프 스트리트 프로덕션스를 통해, 필립스와 코스코프는 조인트 에포트를 통해 참여했다. 영화는 DC 코믹스의 캐릭터를 기반으로 하지만, 워너 브라더스 픽처스가 배급하는 동시에 DC 확장 유니버스와는 별개의 독립적인 어스-원 세계관에 속하도록 기획되었다. 이는 기존의 슈퍼히어로 영화와는 차별화된 접근이었다.

촬영 감독 로런스 셔는 뉴욕과 뉴어크를 배경으로 한 1970년대와 1980년대 풍의 그리티한 시각적 스타일을 창조했다. 음악은 힐두르 그뷔드나도티르가 작곡하여 주인공의 내적 상태를 표현하는 데 중요한 역할을 했다. 제작 디자인은 마크 프리드버그가, 의상 디자인은 마크 브리지가 담당하여 아서 플렉의 변모 과정을 시각적으로 뒷받침했다.

아서 플렉은 고담 시에서 살아가는 한낮 광대이자 야심찬 스탠드업 코미디언이다. 그는 경련성 발성 장애와 같은 정신질환을 앓고 있으며, 사회적 고립과 빈곤, 그리고 주변인들의 냉대 속에서 끊임없이 좌절을 경험한다. 그의 삶은 사회 복지사와의 상담, 병약한 어머니 페니 플렉과의 동거, 그리고 코미디 클럽에서의 실패로 점철되어 있다.

그의 정체성은 점차 붕괴되기 시작한다. 지하철에서 월 스트리트의 젊은이들에게 폭행을 당한 사건은 그의 인생에 결정적인 전환점이 된다. 이때 그는 총을 사용해 그들을 살해하는 폭력에 손을 댄다. 이 사건은 고담 시의 계급 갈등을 상징하는 사건으로 확대 재생산되며, 아서는 자신도 예상치 못한 방식으로 시민들의 영웅이 되어 간다.

아서 플렉이 조커로 완전히 변모하는 순간은 여러 계기가 중첩되어 발생한다. 어머니와의 관계에 대한 충격적인 진실[3]을 알게 되고, 자신의 우상이었던 토크쇼 진행자 머레이 프랭클린이 공개적으로 그를 조롱하는 장면을 목격한다. 머레이의 프로그램에 초대된 그는 스튜디오에서 계획된 살인을 저지르고, 이 행위를 하나의 '퍼포먼스'로 여기며 광기의 웃음을 터뜨린다. 이 사건은 고담 시에 대규모 폭동을 촉발시키는 도화선이 된다.

최종적으로 그는 자신의 정체성을 '조커'로 받아들인다. 경찰의 추격을 받던 중 한 대중 폭력의 현장에서 자신을 지지하는 폭도들에 의해 구출되고, 그들 앞에서 춤을 추며 새로운 자신을 확인한다. 영화는 그가 아캄 정신병원에 수용된 상태에서, 자신의 이야기가 '시작'에 불과하다는 것을 암시하는 웃음으로 끝을 맺는다.

소피 덤몬드는 아서 플렉이 살고 있는 아파트 건물에서 같은 층에 거주하는 이웃이다. 그녀는 홀로 어린 딸을 키우는 싱글맘으로, 지역 병원에서 사회복지사로 일한다. 아서는 엘리베이터에서 우연히 그녀를 처음 만나고, 이후 거리에서나 아파트 복도에서 종종 마주친다.

아서는 소피에게 강한 애정과 유대감을 느끼기 시작한다. 그는 그녀와의 관계를 환상 속에서 점점 더 확대해 나가며, 그녀가 자신의 불안정한 삶 속에서 유일한 위안과 이해의 대상이라고 믿게 된다. 영화는 이들의 관계를 통해 아서의 고립감과 현실 인식의 붕괴를 점진적으로 드러낸다. 그러나 이 관계의 대부분은 아서의 내면에서 생성된 망상과 일방적 사랑에 불과하다는 사실이 후반에 충격적으로 밝혀진다.

이 캐릭터는 영화의 서사에서 중요한 장치로 기능한다. 그녀의 존재는 주인공의 외로움과 사회적 연결에 대한 갈망을 구체화시키는 동시에, 관객으로 하여금 아서의 시점이 얼마나 신뢰할 수 없는지 깨닫게 하는 전환점을 제공한다. 소피 덤몬드는 아서 플렉이 완전히 조커로 변모하기 직전, 그가 마지막으로 붙잡으려 했던 현실 세계와의 연결고리였다.

머레이 프랭클린은 인기 있는 심야 토크쇼 '라이브 위드 머레이 프랭클린'의 진행자이다. 그는 고담 시의 유명인사이자 영향력 있는 미디어 인물로, 화려하고 매끄러운 진행 스타일로 대중의 사랑을 받는다.

아서 플렉은 어린 시절부터 머레이의 프로그램을 시청하며 그를 어머니와 함께 유일한 친구이자 위안의 대상으로 여긴다. 아서는 코미디언이 되는 꿈을 품고 있으며, 머레이의 쇼에 출연하는 것을 최고의 영광으로 생각한다. 그러나 아서가 코미디 클럽에서 병적인 긴장성 웃음 증후군을 드러내며 실패한 스탠드업 공연 영상이 우연히 머레이의 눈에 띄게 되고, 그는 그 영상을 프로그램에서 비웃는 용도로 사용한다.

이후 머레이는 아서를 자신의 쇼에 게스트로 초대하지만, 그 목적은 그의 괴상한 행동을 대중 앞에서 조롱하고 풍자하기 위한 것이었다. 쇼 라이브 중 머레이의 무자비한 조소와 비난은 아서에게 최후의 굴욕이자 폭력의 방아쇠가 된다. 머레이 프랭클린의 캐릭터는 미디어의 냉소주의와 권력을 상징하며, 아서 플렉이 조커로 완전히 변모하는 결정적 계기를 제공하는 인물로 작용한다.

영화 조커는 주인공 아서 플렉이 겪는 심각한 사회적 소외와 정신질환을 중심으로 이야기를 전개한다. 그는 고담이라는 도시에서 사회적 안전망으로부터 완전히 버려진 인물이다. 정부의 복지 서비스는 축소되었고, 그의 치료와 약물 지원은 중단된다. 아서는 코미디언이 되고 싶은 꿈을 갖고 있지만, 지속적인 조롱과 무시, 그리고 폭력을 경험하며 사회 시스템 자체에 대한 분노를 키워간다. 그의 소외는 단순한 경제적 빈곤을 넘어, 인간으로서의 기본적 존엄과 연결이 박탈당한 상태를 보여준다.

아서는 터렛 증후군과 같은 증상을 보이는 정신질환을 앓고 있으며, 병원력과 약물 복용 기록이 있다. 영화는 그의 주관적 시점과 환각, 왜곡된 기억을 통해 정신질환의 내적 고통을 생생하게 묘사한다. 그는 통제할 수 없는 병적인 웃음[4]을 터뜨리며, 이는 주변인들에게 공포나 조롱의 대상이 된다. 그의 질병은 적절한 치료와 이해받지 못한 채, 사회의 냉담함 속에서 더욱 악화되는 과정을 그린다.

사회적 소외와 정신질환은 서로를 악화시키는 악순환의 관계로 표현된다. 도시의 쓰레기와 쥐가 넘쳐나는 부패한 물리적 환경은 그의 내적 상태를 반영한다. 정신질환으로 인해 그는 사회에 적응하지 못하고, 그로 인한 소외와 괴롭힘은 그의 정신 상태를 더욱 불안정하게 만든다. 결국 이 고립과 좌절의 연속은 평범한 한 개인이 어떻게 반사회적 인격장애적 성향을 가진 폭력의 화신으로 변모할 수 있는지에 대한 비극적 서사를 만들어낸다. 영화는 범죄자의 기원을 단순한 악의가 아닌, 사회 전체가 공모한 방치와 무관심의 결과로 제시한다.

영화 조커에서 폭력은 단순한 범죄 행위를 넘어, 체제에 대한 저항과 개인의 해방을 상징하는 복잡한 도구로 그려진다. 주인공 아서 플렉의 폭력 행위는 개인적인 복수에서 시작하여, 고담 시의 광범위한 사회적 불만을 표출하는 촉매제로 발전한다. 그의 행동은 체계적으로 소외된 계층에게 하나의 상징이 되어, 무질서한 혁명의 불씨를 당긴다.

아서가 지하철에서 세 명의 월 스트리트 남성을 살해하는 장면은 영화의 전환점이다. 이 사건은 그를 개인적인 복수심에서 벗어나 사회적 반항의 아이콘으로 만들었다[5]. 이후 그의 폭력은 더 이상 통제 불가능한 개인의 광기가 아니라, 부패한 체제에 대한 조직화되지 않은 민중의 분노와 연결된다. 영화는 이 폭력이 정당화되는지에 대한 명확한 답을 주지 않으면서, 그것이 발생하게 된 사회적 조건을 부각시킨다.

폭력이 초래한 '혁명'은 정치적 이데올로기에 기반한 체계적인 운동이 아니라, 절망감에서 비롯된 무정부적 해방에 가깝다. 조커로 변한 아서가 경찰차 루프 위에서 춤추는 마지막 장면은, 그가 완전한 자유와 광기의 상태에 도달했음을 보여준다. 이 영화가 제기하는 근본적인 질문은, 폭력이 억압된 자들의 유일한 언어가 될 수 있는지, 그리고 그러한 혼란 속에서 태어나는 새로운 정체성이 무엇인지에 관한 것이다.

호아킨 피닉스는 아서 플렉 역을 통해 극도의 신체적, 정신적 변형을 보여주었다. 그는 역할을 준비하기 위해 심각한 체중 감소를 감행하여 캐릭터의 허약하고 피폐한 육체적 상태를 표현했다. 그의 연기는 신체적 변화를 넘어, 사회적 소외와 정신적 고통에 시달리는 인물의 미세한 표정 변화와 불안정한 신체 언어를 통해 깊은 내면을 드러냈다.

그의 연기에서 특히 주목받은 것은 캐릭터의 특유한 웃음이다. 이 웃음은 병적인 증상이자 감정 표현의 일종으로, 통제 불가능한 발작과 진심에서 우러나는 기쁨, 그리고 냉소 사이를 오간다. 피닉스는 이 복잡한 웃음을 통해 아서의 내적 고통과 분리감을 생생하게 전달했다. 영화 내내 그는 대사보다는 침묵과 육체적 표현으로 캐릭터의 고립과 점진적인 붕괴를 설득력 있게 그려냈다.

피닉스의 연기는 다수의 영화 평론가로부터 극찬을 받았으며, 그의 연기력은 영화의 전체적인 분위기와 주제 의식을 지탱하는 중심축으로 평가받았다. 이 연기는 기존의 조커 캐릭터와는 차별화된, 하나의 독립적이고 비극적인 원점 이야기를 가능하게 했다.

조커는 DC 코믹스의 대표적인 악당으로, 주로 배트맨의 광기에 찬 숙적으로 묘사되어 왔다. 전통적으로 그는 화학 약품에 빠져 피부가 하얗고 머리카락이 초록색이 된, 원인을 알 수 없는 광대 모습의 범죄자이다. 그의 기원은 종종 '한 번의 나쁜 날'[7]에 의해 만들어진 것으로 암시되지만, 명확한 배경은 의도적으로 모호하게 남겨져 있다. 본 영화는 이러한 모호함을 버리고, 아서 플렉이라는 한 개인의 구체적인 탄생 이야기를 제시함으로써 캐릭터에 대한 독창적인 재해석을 시도한다.

이 재해석의 핵심은 조커를 초자연적이거나 단순한 악의 화신이 아닌, 사회적 실패와 개인적 고통의 산물로 위치시키는 데 있다. 아서 플렉은 사회적 소외와 정신질환, 경제적 빈곤에 시달리는 한낱 평범한 인간이다. 영화는 그가 어떻게 체계적인 무시와 폭력, 배신을 경험하면서 점차 광기에 물들어 가는지를 세심하게 추적한다. 이 과정에서 전통적인 조커의 상징물들—광대 분장, 웃음, 폭력—이 모두 아서의 트라우마와 절망에서 비롯된 것으로 재해석된다. 예를 들어, 그의 병적 웃음은 의학적 상태[8]에서 비롯된 것이며, 광대 분장은 그의 직업이자 사회에 대한 가면이 된다.

이러한 접근 방식은 캐릭터의 본질을 '악의 원인'에서 '악의 결과'로 전환시킨다. 아래 표는 전통적 조커와 본 영화의 조커를 비교한 것이다.

결과적으로, 이 재해석은 조커를 하나의 사회적 현상으로 부각시킨다. 그는 더 이상 배트맨이 없어도 존재할 수 있는 독자적인 캐릭터가 되며, 그의 탄생은 특정 사회 조건이 빚어낼 수 있는 비극적 산물로 읽힌다. 이는 슈퍼히어로 장르의 프레임을 넘어서는, 한 인간의 몰락을 통해 사회를 비추는 거울을 제공하는 강력한 서사적 장치로 작용한다.

영화의 시각적 스타일은 아서 플렉의 내면 상태와 고담 시의 붕괴하는 사회적 분위기를 직접적으로 반영한다. 감독 토드 필립스와 촬영감독 로런스 셔는 1970-80년대의 독립 영화와 뉴 할리우드 시네마, 특히 마틴 스코세이지의 작품들에서 영감을 받아 거친 질감과 자연주의적인 조명을 채택했다. 이는 현대적인 슈퍼히어로 영화의 화려한 CG보다는 인물의 심리적 고립감을 강조하는 데 초점을 맞췄다.

색채는 내러티브의 핵심적 서사 도구로 기능한다. 영화는 대부분 차갑고 칙칙한 청록색과 회색 톤의 필름 누아르적 팔레트를 사용하여 고담의 비참함과 아서의 우울증을 표현한다. 그러나 아서가 조커의 정체성을 점차 받아들이는 순간마다 선명한 원색, 특히 빨강과 초록이 강렬하게 등장한다. 그의 화장을 지우는 장면의 붉은 색조, 계단에서의 춤 이후의 푸른 조명 변화, 그리고 최종 토크쇼 장면의 선명한 붉은 양복은 모두 그의 해방과 변형을 상징적으로 표시한다.

특히 도시의 풍경은 의도적으로 비인간적으로 묘사된다. 좁은 복도, 더러운 지하철, 낡은 공공주택, 그리고 광활한 빈민가의 장면들은 캐릭터를 압박하는 물리적 환경이 된다. 카메라워크는 종종 아서의 시점을 따르거나 그를 프레임 가운데 고정시켜 주변 세계로부터의 소외감을 강화한다. 이러한 시각적 선택들은 관객으로 하여금 아서의 주관적 현실을 직접 체험하게 만든다.

영화의 음악은 작곡가 히르두르 그뷔드나손이 담당했다. 그는 영화의 어두운 분위기와 주인공의 내면 심리를 효과적으로 표현하기 위해 현악기 위주의 미니멀한 사운드를 구축했다. 특히 아서 플렉의 고독과 불안정한 정서를 강조하는 데 초점을 맞췄다.

사운드트랙에는 셀러스틴의 〈Send in the Clowns〉[9]와 프랭크 시나트라의 〈That's Life〉 같은 기성곡도 전략적으로 사용되었다. 이 곡들은 영화의 시대적 배경을 암시하는 동시에, 등장인물의 심리 상태나 상황을 아이러니하게 대비시키는 역할을 한다.

주제곡 〈Joker〉를 비롯한 오리지널 스코어는 대부분 단순한 멜로디 라인이 반복되고 변주되는 형태를 띤다. 이는 아서 플렉의 일상이 단조롭게 반복되다가 점차 비틀리고 붕괴되어 가는 서사 구조와 맞물려, 관객에게 불안하고 위압적인 감정을 불러일으킨다.

《조커》는 2019년 베네치아 국제 영화제에서 황금사자상을 수상하며 강렬한 데뷔를 했다. 이 상은 영화의 예술적 성취와 감독 토드 필립스의 연출력을 인정한 것이었다. 이후 전 세계적으로 개봉되며 평론가들 사이에서 극명하게 갈리는 평가를 받았다.

일부 평론가들은 영화를 걸작으로 칭송하며, 호아킨 피닉스의 열연과 사회적 메시지의 강력함을 높이 평가했다. 그들은 주인공 아서 플렉의 고립과 고통을 통해 현대 사회의 소외 문제와 정신 건강 관리 시스템의 실패를 날카롭게 비판한다고 보았다. 영화의 어두운 톤과 비관적인 세계관이 마틴 스코세이지의 1970-80년대 작품들에서 영향을 받은 고전적인 연출과 결합되어 깊은 여운을 남긴다는 의견이었다.

반면, 다른 평론가들은 영화가 표면적이고 위험한 메시지를 담고 있다고 비판했다. 그들은 영화가 폭력적인 반사회적 행위를 미화하거나, 정신 질환과 폭력 사이에 단순한 인과 관계를 그리는 듯한 위험성을 지닌다고 지적했다. 또한, 복잡한 사회 문제를 지나치게 단순화된 방식으로 제시하며, 기존 조커 캐릭터의 신비로운 악의 본질을 훼손했다는 비판도 제기되었다.

평론가들의 반응을 요약하면 다음과 같다.

이러한 논란 속에서도 영화는 상업적으로 큰 성공을 거두었으며, 평론가들의 찬사와 비판 모두 영화가 문화적 대화를 촉발시킨 강력한 작품임을 증명했다.

2020년 2월 9일 열린 제92회 아카데미 시상식에서 조커는 총 11개 부문에 후보로 올라 두 개의 주요 상을 수상하며 최대의 승리자가 되었다. 가장 주목할 만한 성과는 주인공 아서 플렉을 연기한 호아킨 피닉스가 아카데미 남우주연상을 수상한 것이다. 이는 조커 캐릭터를 연기한 배수로는 히스 레저에 이어 두 번째이며, 동일한 원작 캐릭터를 기반으로 한 영화에서 두 명의 배우가 각기 다른 작품으로 같은 상을 받는 이례적인 기록이 되었다[10].

또한 영화는 힐두르 구드나도티르가 작곡한 음악으로 아카데미 음악상(오리지널 스코어)을 수상했다. 구드나도티르는 이 상을 수상한 최초의 여성 작곡가가 되었다. 영화는 이외에도 다음과 같은 주요 부문에 후보 지명되었으나 수상에는 실패했다.

이러한 수상 실적은 호아킨 피닉스의 연기에 대한 극찬과 함께, 영화가 예술적 완성도와 대중적 영향력 모두에서 인정받았음을 보여준다. 특히 한 편의 슈퍼히어로 영화 또는 코믹북 원작 영화가 작품상 후보에 오른 것은 《블랙 팬서》에 이어 두 번째 사례였다.

영화 《조커》는 개봉 전후로 다양한 사회적 논란을 불러일으켰다. 가장 큰 논쟁은 영화가 폭력을 미화하거나 사회적 불안을 조장할 수 있다는 우려에서 비롯되었다. 일부 평론가와 관객은 주인공 아서 플렉의 점진적인 폭력적 행보가 동정을 유발하며, 현실 세계의 고립된 개인에게 위험한 모델이 될 수 있다고 지적했다[12]. 이에 따라 일부 극장에서는 경계를 강화하기도 했다.

또 다른 논란의 축은 영화가 묘사하는 계급 갈등과 정신 건강 문제에 대한 접근 방식이었다. 영화는 1980년대 고담시를 배경으로 빈부격차와 사회적 안전망의 붕괴를 극단적으로 그려냈다. 일부에서는 이 묘사가 현실의 복잡한 사회 문제를 지나치게 단순화하고, 정신질환과 폭력 사이의 인과관계를 위험하게 연결 짓는다고 비판했다. 반면, 다른 측에서는 사회적 소외와 방치가 개인과 공동체에 미치는 파괴적 결과를 날카롭게 조명한 사회 고발 영화로 평가하기도 했다.

이러한 논란은 영화의 예술적 성취와 대중적 영향력을 동시에 증명하는 결과를 낳았다. 논쟁 자체가 영화에 대한 대중의 관심을 극대화시키는 효과를 가져왔고, 《조커》는 문화적 현상으로까지 발전했다. 영화가 제기한 질문들—사회가 실패한 개인에게 책임이 있는지, 폭력의 근원은 어디에 있는지—은 영화를 넘어서는 광범위한 담론을 촉발시켰다.

《조커》는 개봉 이후 전 세계적으로 거대한 팬덤을 형성하며 하나의 문화 현상으로 자리 잡았다. 영화의 주인공 아서 플렉이 분노와 좌절을 표출하는 방식, 특히 계단에서의 춤은 수많은 패러디와 오마주의 대상이 되었다. 이 춤 동작은 밈으로 확산되어 소셜 미디어와 공공장소에서 재현되었으며, 할로윈 코스튬의 인기 선택지가 되었다.

영화가 묘사하는 사회적 불만과 소외감은 전 세계 다양한 지역의 젊은 층에게 공감대를 형성했다. 특히 경제적 불평등이 심화된 사회에서 영화의 메시지는 강력한 반향을 불러일으켰다. 일부 팬들은 아서 플렉의 변신을 억압된 자의 해방 서사로 해석하며, 캐릭터를 하나의 상징적 아이콘으로 승격시켰다. 이에 따라 영화의 포스터와 대사가 시위 현장에서 정치적 구호나 표어로 등장하는 경우도 보고되었다[13].

팬덤의 활동은 인터넷 커뮤니티를 중심으로 활발히 진행되었다. 팬 아트, 팬 픽션, 심층적인 캐릭터 및 테마 분석 글이 Reddit, Twitter, YouTube 등 다양한 플랫폼에 쏟아져 나왔다. 《조커》는 단순한 슈퍼히어로 영화를 넘어, 고전적인 반영웅 서사와 사회 비판적 메시지를 결합한 작품으로 재평가받으며 지속적인 논의의 중심에 있다.