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오슨 웰스는 1915년 위스콘신주 케노샤에서 태어났다. 그는 어린 시절부터 연극과 마술에 재능을 보였으며, 10대에 아일랜드의 게이트 극장에서 연기를 시작하며 무대 경력을 쌓았다. 1930년대 중반, 그는 뉴욕에서 연극 감독과 배우로 명성을 얻었고, 특히 셰익스피어 작품의 현대적 각색으로 주목받았다.

1937년, 웰스는 배우 존 하우스먼과 함께 머큐리 극장을 공동 설립했다. 이 극장은 고전 연극을 대중적으로 각색하여 상업적, 예술적 성공을 거두었다. 이 시기 웰스의 가장 유명한 작품은 줄리어스 시저의 현대 정치극 각색이었다. 이 공연은 라디오 드라마로도 제작되었고, 웰스의 라디오 방송 경력과 맞물려 그의 이름을 전국에 알리는 계기가 되었다.

라디오 분야에서 웰스는 1938년 H. G. 웰스의 소설을 각색한 우주 전쟁 방송으로 큰 파장을 일으켰다. 이 방송은 뉴스 속보 형식으로 진행되어 많은 청취자가 실제 외계인 침공으로 오인하게 만들었고, 웰스를 전국적인 유명인사로 만들었다. 이 사건은 그의 독창성과 대중을 사로잡는 능력을 증명했으며, 할리우드 스튜디오의 관심을 끌기에 충분했다.

RKO 픽처스는 1928년 RCA의 사장 데이비드 사르노프와 조지프 P. 케네디 등이 설립한 영화사였다. 당시 주요 영화사들은 이미 확고한 스튜디오 시스템과 별 계약을 유지하고 있었지만, RKO는 상대적으로 새로운 회사로서 혁신적인 프로젝트를 추구하고 있었다.

1939년, RKO는 24세의 라디오 스타 오슨 웰스에게 전례 없는 조건의 계약을 제안했다. 이 계약은 웰스에게 배우, 감독, 작가, 프로듀서 역할을 모두 수행할 수 있는 권한을 부여했으며, 최종 편집권까지 보장했다. 웰스는 자신이 원하는 주제로 두 편의 영화를 만들 수 있는 자유를 얻었고, 제작비 제한도 상당히 넉넉했다[4]. 이는 신인에게는 거의 불가능한 조건이었다.

이 계약은 RKO 경영진, 특히 당시 회장이었던 조지 J. 샤퍼의 의지에 힘입은 것이었다. 샤퍼는 할리우드의 관행을 깨고 새로운 인재를 발굴하여 RKO의 위상을 높이려 했다. 웰스는 자신의 극단 머큐리 극단 멤버들을 대거 투입할 수 있었고, 이는 영화 시민 케인의 독특한 연기 앙상블을 형성하는 토대가 되었다.

영화는 찰스 포스터 케인의 죽음과 그의 마지막 말인 "로즈버드"를 언급하는 뉴스릴 영상으로 시작한다. 기자 톰슨이 케인의 삶과 '로즈버드'의 의미를 파헤치는 과정이 영화의 주요 서사 골격을 이룬다.

톰슨은 케인의 생전 인물들—두 번째 아내 수잔 알렉산더, 후원자이자 은행가 월터 파치스 테이처, 친구이자 사업 파트너 제드 랜들, 집사 레이먼드, 유산 관리인 버스터—을 차례로 인터뷰한다. 각 인물의 주관적이고 때로는 상충되는 회상을 통해 케인의 다면적인 인생이 조각처럼 맞춰진다. 이 구조는 객관적인 '진실' 대신 다양한 시점에서 바라본 주관적 '기억'을 중첩시켜, 한 인물의 전체적 정체성을 포착하는 것이 불가능함을 보여준다.

인터뷰 장면들은 시간 순서가 아닌, 톰슨의 방문 순서에 따라 배열된다. 그러나 각 회상 안에서의 이야기는 대체로 연대기적 순서로 진행된다. 최종적으로 톰슨은 '로즈버드'의 정체를 결코 확정하지 못한 채 포기하고, 관객만이 그 의미를 목격하는 아이러니한 결말에 이른다. 이 서사 구조는 전통적인 전기 영화의 방식을 거부하며, 현대적 비선형 서사의 선구적 예시로 평가받는다.

영화는 찰스 포스터 케인의 마지막 말 "로즈버드"를 추적하는 기자 제드 랜들의 시선을 통해, 여러 관계자들의 회상을 엮어 케인의 일생을 재구성한다. 주요 사건은 시간 순서가 아닌, 이 회상들의 순서대로 제시된다.

첫 번째 회상은 뉴욕 인콰이어러 신문사의 발행인이자 케인의 후원자였던 월터 파치스의 것이다. 그는 케인이 어린 시절 콜로라도의 광산 재산을 상속받아 부유해졌으며, 젊은 나이에 신문사를 인수해 선정적인 보도로 성공을 거두는 과정을 설명한다. 케인은 첫 번째 아내 에밀리 노턴과 정계에 진출하지만, 가수 수잔 알렉산더와의 스캔들이 정치 경력을 좌절시킨다.

수잔 알렉산더와의 관계는 영화의 중심 사건을 이룬다. 케인은 그녀를 위해 시카고에 오페라 하우스를 건설하고, 재능이 부족한 그녀를 무리하게 스타로 만들려 한다. 수잔의 실패한 오페라 데뷔와 그 후의 자살 시도는 케인의 독단적이고 지배적인 성격을 드러낸다. 두 사람은 플로리다의 광대한 저택 샌수에서 고립된 생활을 하게 되고, 결국 수잔는 케인을 떠난다.

마지막으로 저택 집사 레이먼드의 증언은 케인 생애의 마지막 순간을 전한다. 수잔가 떠난 후, 고독에 빠진 케인은 샌수의 방들을 떠돌며 "로즈버드"를 중얼거린다. 영화의 클라이맥스에서 기자 톰슨은 "로즈버드"가 케인이 어린 시절 타고 놀던 썰매의 상표명이었음을 발견하지만, 이 사실이 케인이라는 인물을 완전히 설명하지는 못한다고 결론 내린다.

찰스 포스터 케인은 시민 케인의 중심 인물이자 이야기의 탐구 대상이다. 그는 어린 시절 콜로라도의 가난한 집안에서 태어났으나, 어머니가 발견한 금광 채권으로 인해 엄청난 유산을 상속받는다. 그의 후견인인 월터 P. 대처의 보호 아래 교육을 받고 성장한 케인은 성인이 되어 자신의 재산을 통제권을 쥐게 된다.

그는 뉴욕으로 이주하여 뉴욕 인콰이어러 신문을 인수하고, 선정적이고 공격적인 보도로 신문사를 번창시킨다. 그는 사회 개혁을 표방하며 정치적 입지를 다지려 하지만, 경쟁지 발행인 제드 랜들이 폭로한 스캔들로 인해 주지사 선거에서 패배하고 정치 경력이 좌절된다. 그는 두 번 결혼하지만, 첫 번째 아내 에밀리 노턴과의 관계는 소원해지고, 두 번째 아내인 가수 수잔 알렉산더에 대한 강압적인 지원과 통제는 그녀를 피폐하게 만들며 결국 이혼으로 끝난다.

말년에 케인은 플로리다에 세운 거대한 성 산누에 고립되어 지낸다. 그는 방대한 예술품 컬렉션을 모으지만, 인간 관계에서는 점점 더 고독과 분노에 빠진다. 그의 유언과도 같은 마지막 말 "로즈버드"는 기자들의 추적 조사와 영화 전체의 서사적 동기를 제공한다. 이 인물은 명성, 권력, 부의 추구가 결국 정체성의 상실과 깊은 고독으로 이어질 수 있음을 보여주는 비극적 인물로 그려진다.

제드 랜들은 찰스 포스터 케인의 가장 오래된 친구이자 신문사 뉴욕 인콰이어러의 비평가로 일하는 인물이다. 그는 영화 내 내러티브의 핵심적인 화자 중 한 명으로, 젊은 시절의 이상주의자 케인부터 권력에 물든 거물로 변해가는 과정을 가장 가까이에서 목격한 증인이다. 랜들의 회상은 케인의 사업적 성공과 언론인으로서의 초기 영향력을 조명하는 동시에, 그가 점차 인간 관계를 소모품처럼 대하게 되는 변화의 시작점을 보여준다.

그의 서사는 케인이 첫 번째 아내 에밀리 노턴과의 관계가 냉각되고, 정치 경력에 도전하는 시기와 맞물려 있다. 랜들은 케인이 뉴욕 주지사 선거에서 패배한 후, 자신의 신문사를 이용해 공공의 이익보다는 개인적인 복수와 권력 유지에 집중하는 모습을 보며 점차 환멸을 느낀다. 특히 케인이 두 번째 아내 수잔 알렉산더에게 오페라 가수가 되도록 강요하는 과정에서 랜들은 마지막 남은 우정의 끈마저 끊어지게 된다.

최종적으로 제드 랜들은 케인이 추구하는 절대적 통제와 주변인에 대한 무자비한 태도를 더 이상 지지할 수 없게 되어 신문사에서 사직한다. 이별의 순간, 랜들은 케인에게 "당신은 사람들에게 사랑받기만을 바랐지만, 당신이 준 것은 오직 물질적 선물뿐이었다"는 유명한 말을 남긴다. 이 대사는 케인의 인생과 인간 관계의 본질적 모순을 꿰뚫는 통찰로 작용한다.

랜들의 증언은 다각적 서사 구조 속에서 케인의 공적 성공과 사적 파멸 사이의 괴리를 가장 명료하게 연결 짓는다. 그의 시선은 관객으로 하여금 케인이라는 인물을 동정과 비판 사이에서 복잡하게 바라보도록 만드는 중요한 거리를 형성한다.

수잔 알렉산더는 찰스 포스터 케인의 두 번째 아내이자, 그가 후원한 오페라 가수이다. 그녀는 케인이 자신의 첫 번째 결혼이 실패한 후, 우연히 길거리에서 만난 젊은 여성이다. 케인은 그녀의 순수함과 어려운 처지에 끌려 그녀의 재능을 믿고 오페라 스타로 만들기 위해 막대한 자원을 투자한다.

그러나 수잔은 본래 오페라 스타가 될 재능이나 열정이 부족했다. 케인의 강압적인 후원 아래 그녀는 무대에 서지만, 신문 기사와 대중의 냉담한 반응은 그녀의 연기를 비웃는다. 이 실패는 수잔에게 큰 고통을 안겼고, 결국 그녀는 자살을 시도하기에 이른다. 이 사건 이후, 케인은 그녀를 위해 플로리다에 거대한 성채, 샌수도를 짓고 그 안에 가둔다.

수잔 알렉산더의 이야기는 케인의 소유욕과 타인을 통제하려는 성향을 가장 극명하게 보여주는 사례이다. 케인은 그녀를 사랑이라기보다 자신의 뜻대로 만들 수 있는 '프로젝트'로 여겼다. 결국 수잔은 케인의 권력과 고립 속에서 점점 초췌해져 가다가, 마침내 샌수도를 떠나 그와의 관계를 완전히 끊는다. 그녀의 탈출은 케인의 인생에서 가장 중요한 사람들이 하나둘씩 그를 떠나는 과정의 결정적 순간이었다.

시민 케인은 영화사에 지울 수 없는 족적을 남긴 수많은 기법적 혁신으로 유명하다. 오슨 웰스는 당시 할리우드의 관습을 깨고 심도 있는 촬영, 복잡한 몽타주, 파격적인 카메라 워크를 적극적으로 도입했다.

가장 주목받은 혁신은 심도 있는 촬영이다. 웰스와 그의 촬영 감독 그레그 톨런드는 전경과 후경이 모두 선명하게 보이는 딥 포커스 기법을 극적으로 활용했다. 이는 한 화면 안에서 동시에 벌어지는 여러 사건을 보여주거나, 인물 간의 권력 관계를 공간적으로 암시하는 데 효과적이었다. 어린 시절의 찰스 포스터 케인이 창문 밖에서 눈썰매를 타는 장면에서, 실내에서 그의 미래를 결정짓는 어른들의 대화와 창밖의 아이가 동시에 선명하게 보이는 것이 대표적 예시이다.

카메라 워크와 편집에서도 파격을 보였다. 카메라는 종종 바닥을 뚫고 올라오거나, 천장을 배경으로 촬영하는 낮은 앵글을 사용하여 인물의 위엄이나 위협을 강조했다. 긴 롱 테이크와 복잡한 트래킹 샷은 공간의 연속성을 유지하면서 관객을 이야기 속으로 끌어들였다. 또한, 빠르게 이어지는 뉴스릴 형식의 몽타주는 시간의 흐름을 압축적으로 전달하는 데 기여했다. 음향 사용도 혁신적이어서, 중첩되는 대화, 음량과 음질의 급격한 변화를 통해 심리적 거리감이나 시간의 경과를 표현했다.

시민 케인의 시각적 스타일은 딥 포커스 촬영 기법을 중심으로 구축된다. 이 기법은 전경, 중경, 후경의 모든 요소가 동시에 선명하게 보이도록 하여, 화면 내에서 동시에 여러 사건이 펼쳐지거나 인물 간의 관계를 강조하는 효과를 창출한다. 예를 들어, 어린 시절의 케인이 창밖에서 놀고 있는 동안, 부모와 후견인이 그의 미래를 결정하는 장면은 하나의 샷 안에서 권력 관계와 케인의 무기력함을 동시에 보여준다. 이러한 구성은 관객이 화면의 어느 부분을 주시하도록 할지 선택의 여지를 주며, 시각적 정보량을 극대화한다.

낮은 각도 촬영은 또 다른 특징적인 시각적 요소이다. 카메라가 바닥 가까이에 배치되어 천장이 화면에 들어오도록 촬영하는 이 기법은 인물을 위압적으로 보이게 하거나 공간의 폐쇄감을 조성한다. 특히 잰더스의 저택 시닉뷰의 넓고도 텅 빈 내부 공간을 강조할 때 효과적으로 사용된다. 이는 케인의 권력과 동시에 그가 처한 고립과 공허함을 공간적으로 표현하는 수단이 된다.

영화는 또한 강렬한 명암 대비를 활용한 키 라이팅과 그림자 연출로 유명하다. 어두운 실내에서 얼굴의 일부만이 강렬한 조명에 비치는 장면들은 케인의 이중적이고 수수께끼 같은 성격을 시각화한다. 특히 영화 후반부로 갈수록 그림자가 짙어지고 공간이 어두워지며, 케인의 몰락과 고독을 부각시킨다. 이러한 시각적 선택은 단순한 장식이 아니라 서사와 주제에 직접적으로 기여한다.

시각적 혁신은 특수 효과와 모델 촬영, 그리고 정교한 화면 전환에서도 드러난다. 신문사 간판의 모자이크 장면이나, 오페라 하우스 천장에서 시작해 무대 위의 수잔을 클로즈업하는 유명한 크레인 샷은 당시로서는 획기적이었다. 여러 장면을 하나의 연속된 샷으로 연결하는 롱 테이크와 독창적인 디졸브(dissolve) 효과는 시간의 흐름과 인과 관계를 유연하게 전달하는 데 기여한다.

영화의 음향 디자인은 당시 기준으로 매우 진보적이었다. 특히 심층 초점 기법과 조화를 이루는 음향의 깊이감이 특징이다. 대화가 전경에서 이루어지는 동안, 배경에서 들리는 다른 소리나 대화를 통해 공간감과 현실감을 극대화했다. 예를 들어, 어린 시절의 케인이 창밖에서 놀고 있는 장면에서, 실내의 어른들의 대화와 창밖의 소리가 명확히 구분되어 들린다.

음악은 버나드 허먼이 작곡했으며, 이 영화는 그의 첫 영화 음악 작업이었다. 허먼은 각 등장인물과 상황에 맞는 특정한 라이트모티프를 사용했다. '로즈버드' 동기는 영화 전반에 걸쳐 중요한 순간에 변주되어 나타나며, 주인공의 잃어버린 순수함과 향수를 상징적으로 표현한다.

음향은 서사 구조를 보완하는 역할도 했다. 신문사 사무실의 활기찬 소음에서 시작해, 케인의 외로운 말년을 묘사하는 장면의 고요함에 이르기까지, 사운드스케이프의 변화를 통해 시간의 흐름과 인물의 심리적 상태를 효과적으로 전달했다. 이러한 음향과 음악의 통합적 사용은 이후 영화 음향 편집의 중요한 선례가 되었다.

찰스 포스터 케인의 일생은 막대한 재력과 언론 권력을 획득하는 과정이자, 그로 인한 점진적인 고립과 인간성 상실의 과정을 보여준다. 그는 대중에게는 영향력 있는 인물이지만, 진정한 유대 관계를 형성하지 못한 채 외로움에 빠진다. 영화는 권력이 개인의 내적 공허함을 채우지 못하며, 오히려 타인으로부터의 소외를 심화시킨다는 점을 탐구한다.

이 고립은 케인이 주변 인물들을 일방적으로 통제하려는 태도에서 비롯된다. 그는 첫 번째 아내 에밀리 노턴과의 관계에서 사회적 지위를 추구했고, 두 번째 아내 수잔 알렉산더에게는 가수로서의 성공을 강요하며 자신의 욕망을 투영했다. 신문사 동료이자 유일한 친구였던 제드 랜들과도 최종적으로 결별한다. 케인은 사랑을 소유로 오인하며, 주변 사람들을 자신의 의지에 복종시키는 물건처럼 취급했다.

결국, 자산인 산수에토의 저택 잔디루는 그의 고립을 상징하는 물리적 공간이 된다. 그는 방대한 저택에 혼자 갇혀, 소유한 수많은 예술품 사이에서 외로움을 느낀다. "로즈버드"에 대한 그의 마지막 말은 이러한 권력과 소유로 채울 수 없는, 순수하고 잃어버린 유년기의 연결에 대한 그리움을 암시한다. 영화는 케인이 평생 추구한 권력과 명성이 결국 그를 비어 있는 성에 갇힌 고독한 존재로 만들었음을 보여준다.

로즈버드는 영화의 시작이자 끝을 장식하는 핵심 상징이다. 영화는 케인의 마지막 말 "로즈버드"를 추적하는 기자 제드 랜들의 시선으로 이야기가 전개되지만, 결국 그 단어의 정체는 아무도 알아내지 못한다. 영화의 마지막 장면에서 케인의 유년기 추억이 담긴 물건들이 불태워지는 가운데, 그의 어린 시절 썰매에 "로즈버드"라는 글씨가 새겨져 있음이 밝혀지며 관객만이 비밀을 알게 된다[7].

로즈버드는 상실된 순수함, 부모로부터 강제로 분리당하기 전의 행복했던 유년 시절, 그리고 케인이 모든 부와 명성을 통해 되찾고자 했으나 결코 되찾지 못한 무형의 것을 상징한다. 그것은 그의 진정한 정체성과 가장 순수한 행복이 영원히 머물러 있는 시공간이다. 케인이 평생 수집한 방대한 예술품 컬렉션과 엑스투두 성은 로즈버드라는 단순한 썰매를 대체하지 못한 허영의 산물이다.

이 상징에 대한 해석은 다양하다. 어떤 이는 로즈버드가 찰스 포스터 케인의 인간성 상실과 고립을 드러내는 비극적 모티프로 보기도 하며, 또 다른 해석에서는 관객이 등장인물보다 더 많은 지식을 갖게 만드는 영화적 장치로 본다. 확실한 것은 로즈버드가 케인의 인생을 정의하는 열쇠이자, 그가 잃어버린 모든 것에 대한 애도라는 점이다.

1941년 개봉 당시 《시민 케인》은 극명하게 갈린 평가를 받았다. 일부 평론가들은 그 혁신성을 극찬했지만, 대중적인 반응은 냉담했고 언론계의 거물 윌리엄 랜돌프 허스트와의 마찰로 인해 영화는 논란과 보이콧에 직면했다.

허스트 신문왕국은 영화가 그들의 주인을 풍자했다고 판단하고 영화에 대한 공격을 시작했다. 허스트 산하 신문들은 영화 광고 게재를 거부했고, RKO 스튜디오에 압력을 행사하며 영화의 개봉을 방해하려 했다. 심지어 영화 필름의 소각을 제안하는 등 강력한 보이콧 운동이 펼쳐졌다[9]. 이 논란은 영화 자체보다 스캔들로 더 많이 알려지는 결과를 낳았다.

영화 비평계에서는 의견이 분분했다. 《뉴욕 타임스》의 보슬리 크라우더는 "매우 흥미로운 작품"이라며 오슨 웰스의 연출을 칭찬했고, 《뉴요커》의 존 모스리는 "걸작"이라고 평가했다. 그러나 《시카고 트리뷴》의 반혹은 "영화의 가장 큰 약점은 케인이라는 인물이 결코 우리의 관심을 끌지 못한다는 점"이라고 혹평하기도 했다. 이러한 혼란스러운 평가와 보이콧으로 인해 영화는 제작비를 회수하는 데 실패했고, 오슨 웰스의 할리우드 경력은 처음부터 난관에 부딪혔다.

초기 상업적 실패와 논란에도 불구하고, 《시민 케인》은 시간이 지남에 따라 비평가와 영화 제작자들 사이에서 지속적으로 재평가되었다. 1950년대에 유럽, 특히 프랑스의 비평가들이 이 영화를 재발견하면서 위상이 크게 높아지기 시작했다. 《[카이에 뒤 시네마]》[10]의 비평가들은 영화의 혁신적인 기법과 오슨 웰스의 작가적 통제를 높이 평가하며, 작가주의 이론의 초기 모범 사례로 자주 언급했다.

1962년 《사이트 & 사운드》[11] 비평가 설문조사에서 《시민 케인》은 역대 최고의 영화 1위로 선정되었다. 이는 영화사에서 하나의 분수령이 되었으며, 이후 50년간 실시된 동일 설문조사에서도 10차례 중 9차례 정상을 지켰다[12]. 이 같은 지속적인 찬사는 단순한 컬트적 인기가 아닌, 영화사적 중요성에 대한 학계와 비평계의 공식적 인정을 의미했다.

재평가 과정은 영화의 기술적, 서사적 복잡성에 대한 이해가 깊어지면서 이루어졌다. 초기에는 논쟁적 내용과 윌리엄 랜돌프 허스트와의 연관성에 주목받았다면, 후대에는 다음과 같은 측면이 강조되었다.

결국 《시민 케인》은 할리우드 스튜디오 시스템 내에서 예술적 완성도를 극대화한 작품으로, 현대 영화 문법의 기준을 제정한 고전으로 자리매김했다.

시민 케인은 영화 문법에 혁명을 일으켰으며, 그 영향력은 이후 수십 년간 전 세계의 영화 제작자들에게 지대한 영향을 미쳤다. 특히 심층 초점 촬영 기법과 비선형적 서사 구조, 복잡한 인물 묘사 방식은 많은 영화인들에게 새로운 가능성을 제시했다.

오슨 웰스의 연출 기법은 1940년대와 1950년대의 누아르 장르에 직접적인 영향을 주었다. 어두운 조명, 극적인 각도, 그리고 주인공의 내면적 고뇌를 탐구하는 방식은 더 말타의 매나 이창 같은 작품에서 그 흔적을 찾아볼 수 있다. 1950년대 후반부터 1960년대에 이르러 누벨 바그의 감독들은 시민 케인을 자유로운 영화 제작의 선구자로 숭배하며, 자유분방한 편집과 주관적 시점을 실험하는 데 영감을 얻었다[13].

더 넓은 영향력을 살펴보면 다음과 같은 영화들이 시민 케인의 유산을 이어받았다고 평가받는다.

이 영화는 단순히 기법적 모방을 넘어, 영화가 개인의 정체성 탐구와 사회적 비판을 위한 강력한 매체가 될 수 있음을 증명했다. 이로 인해 시민 케인은 단순한 고전을 넘어 영화사에서 가장 중요한 교과서 중 하나로 자리매김하게 되었다.