쇤베르크

아르놀트 쇤베르크는 1874년 9월 13일, 오스트리아-헝가리 제국의 수도 빈에서 태어났다. 그의 가정은 유대인 중산층이었으나, 어려서부터 경제적 어려움을 겪었다. 8세 때 바이올린을 시작했고, 이후 첼로도 독학으로 익혔다. 정규 음악 교육을 거의 받지 못했으나, 청소년기에 동료 음악가들과 함께 실내악을 연주하며 실질적인 음악 경험을 쌓았다. 그의 초기 작곡 기술은 주로 구스타프 말러와 요하네스 브람스의 작품을 분석하고, 오페레타의 관현악법을 필사하며 독학으로 습득한 것이었다.

20세기 초 그의 초기 작품들은 후기 낭만주의의 강력한 영향을 받았다. 특히 1899년에 작곡된 현악 6중주곡 《정화된 밤》은 풍부한 반음계적 화성과 서사적인 구조로 주목을 받았다. 이 시기의 주요 작품으로는 대규모의 교향시 《펠레아스와 멜리장드》와 《구레의 노래》가 있다. 《구레의 노래》는 거대한 오케스트라, 여러 명의 독창자, 합창단을 위한 대작으로, 리하르트 바그너의 영향 아래 후기 낭만주의의 극점을 보여주었다.

이 초기 시기는 그가 전통적인 조성 체계 안에서 점차 그 한계를 확장해 가는 과정이었다. 그는 빈의 예술적 환경, 특히 지크문트 프로이트의 정신분석학과 표현주의 예술 운동의 영향을 받으며, 자신의 독자적인 음악어를 모색하기 시작했다.

아르놀트 쇤베르크는 1908년부터 1923년 사이에 자신의 음악 언어에서 조성을 완전히 포기하는 과정을 거쳤다. 이 시기의 작품들은 무조성으로 분류되며, 전통적인 화성 진행이나 중심 조(Key)가 존재하지 않는 특징을 보인다. 대표적인 작품으로는 《5개의 관현악 소품》(1909)과 성악곡 《달에 홀린 피에로》(1912)가 있다. 이 시기 그의 음악은 극도의 표현주의적 성격을 띠며, 짧고 파편적인 악구, 강렬한 불협화음, 그리고 가창 기법에서의 슈프레히게장 도입이 두드러졌다.

무조성 작법은 자유로움을 제공했지만, 쇤베르크는 새로운 음조직의 체계적 원리가 필요하다고 느꼈다. 그 결과 1920년대 초반에 그는 12음 기법을 공식화했다. 이 기법의 핵심은 한 옥타브 안의 12개의 반음이 모두 동등한 중요성을 가지며, 이들 음을 특정한 순서로 배열한 음렬을 작품의 기본 구조 단위로 삼는 것이다. 음렬은 원형, 역행, 전위, 역행전위 등 다양한 형태로 변형되어 사용되었으며, 선율과 화성 모두를 생성하는 근원이 되었다.

12음 기법의 원칙은 1923년 작품 《5개의 피아노 소품》 작품 23과 《세레나데》 작품 24에서 처음 시도되었으며, 《피아노 모음곡》 작품 25(1923)는 처음으로 완전히 12음 기법으로 쓰인 작품으로 평가받는다. 이 새로운 체계는 쇤베르크에게 무조성의 자유와 고전적 형식의 엄격함을 결합할 수 있는 길을 열어주었다. 그는 이를 "12개의 음으로만 연관되는 작곡법"이라고 설명하며, 고전주의 시대의 주제 작법과 유사한 논리적 통일성을 추구했다[1].

1933년, 나치가 독일에서 권력을 잡은 후, 아르놀트 쇤베르크는 유대인이라는 이유로 모든 공직에서 해임되었다. 그는 가족과 함께 먼저 파리로, 그곳에서 유대교로 개종한 후, 결국 미국으로 이주했다.

그는 처음에 보스턴의 메이지 음악원에서, 이후 1936년부터는 로스앤젤레스의 캘리포니아 대학교 로스앤젤레스에서 가르쳤다. 미국 생활 동안 그는 교향시 《바르샤바의 생존자》(1947)와 미완성 오페라 《모세와 아론》과 같은 중요한 작품을 계속 작곡했다. 그의 후기 작품 중 일부는 전통적인 조성 요소를 부분적으로 재도입하는 경향을 보이기도 했다.

쇤베르크는 1951년 로스앤젤레스에서 사망했다. 그의 혁신적인 이론과 작품, 특히 12음 기법은 제자 알반 베르크와 안톤 베베른을 통해 직접적으로, 그리고 이후 전위 음악과 현대 음악 전반에 걸쳐 막대한 영향을 미쳤다. 그는 종종 20세기 음악에서 가장 중요한 인물 중 한 명으로 평가받으며, 서양 음악의 역사에서 조성 체계를 근본적으로 변혁한 인물로 여겨진다.

아르놀트 쇤베르크의 초기 작품은 후기 낭만주의 음악의 확장선상에 위치한다. 그의 초기 관현악곡인 《정화된 밤》 (1899)과 대규모 교향시 《펠레아스와 멜리잔드》 (1903)는 리하르트 바그너와 리하르트 슈트라우스의 영향을 받아 풍부한 반음계적 화성과 복잡한 대위법, 극적인 표현력을 보여준다. 특히 확대된 조성과 긴장감 있는 불협화음의 사용은 당시의 음악적 경향을 충실히 따르면서도 한계를 탐구하는 모습이었다.

1900년대 초반부터 그의 작품은 점차 표현주의 미학과 깊게 연관되기 시작했다. 이 시기 작품들은 내면의 감정, 특히 불안, 공포, 고통과 같은 극단적인 심리 상태를 직접적이고 생생하게 표현하려는 경향을 뚜렷이 보인다. 《3개의 피아노 소품》 (1909)과 성악곡 《공포에 휩싸인 나》 (1909) 같은 작품에서는 전통적인 선율과 리듬 구조가 해체되고, 강렬한 불협화음과 파편화된 악구가 지배적이 되었다. 이는 외부 현실을 재현하기보다 내면 세계의 비합리적 측면을 투사하려는 표현주의 예술 운동의 핵심 목표와 맞닿아 있었다.

쇤베르크는 또한 빈 분리파 화가들과 교류하며 음악과 미술 간의 교감을 모색했다. 그는 직접 그림을 그리기도 했으며, 그의 음악적 실험은 당시 에곤 실레나 오스카 코코슈카 같은 화가들의 작품과 정신적으로 유사점을 공유했다. 이 시기의 음악 언어는 조성의 틀을 넘어서는 과정에 있었으며, 감정 표현의 절대적 자유를 추구하는 동시에 새로운 형식적 질서에 대한 필요성을 내포하고 있었다. 이 갈등은 결국 무조성을 거쳐 12음 기법이라는 엄격한 구성 원리로 귀결되는 계기가 되었다.

아르놀트 쇤베르크의 초기 작품은 후기 낭만주의와 표현주의의 강렬한 감정적 언어를 바탕으로 했다. 그러나 교향곡이나 현악 사중주 같은 전통적 형식을 사용하면서도, 점차 화성의 확장과 반음계주의를 극단까지 밀어붙였다. 이 과정에서 조성의 중심인 토닉과 도미넌트의 기능이 약화되기 시작했고, 음악은 더 이상 명확한 조성 중심으로 돌아가지 않는 경향을 보였다. 이 시기의 대표작인 현악 육중주곡 '정화된 밤' Op.4와 교향시 '펠레아스와 멜리장드' Op.5는 여전히 조성의 틀 안에 있지만, 그 경계를 모호하게 만들었다.

1908년을 전후해 쇤베르크의 음악은 결정적인 전환점을 맞았다. 이 시기에 작곡된 가곡집 Op.15와 3개의 피아노 소곡 Op.11, 5개의 관현악 소곡 Op.16 같은 작품들은 공식적으로 어떤 조에도 속하지 않는, 즉 '무조성'의 영역에 진입했다. 무조성 음악에서는 전통적인 화성 진행이나 조성의 계층 구조가 사라진다. 대신 모든 음이 평등한 중요성을 가지며, 음향 자체의 색채와 선율적 동기가 구조의 주요 요소가 된다. 쇤베르크는 이를 '공포의 공포에서 벗어나는 해방'[2]으로 여겼다.

무조성은 새로운 자유를 제공했지만, 동시에 전통적인 형식과 구조를 대체할 새로운 조직 원리가 필요했다는 문제를 제기했다. 긴 형식의 작품을 구성하기 위해 조성에 의존하지 않아야 했기 때문이다. 이 시기의 작품들은 짧은 형식에 집중하는 경향을 보였으며, 극도의 감정적 농축과 빠른 감정 변화를 특징으로 했다. 표현주의 회화와 문학의 영향을 받은 이 '공포의 공포' 시기는 쇤베르크가 이후 더 체계적인 12음 기법을 개발하는 직접적인 동기가 되었다.

12음 기법은 아르놀트 쇤베르크가 1920년대 초에 공식화한 작곡 체계로, 하나의 작품에서 사용되는 12개의 반음계적 음을 모두 동등한 중요성을 지닌 독립적인 음으로 취급한다. 이 기법의 핵심은 '음렬'이다. 작곡가는 12개의 음으로 구성된 기본 음렬을 설정하며, 이 음렬은 작품의 근본적인 음고 재료가 된다. 기본 음렬은 네 가지 주요 형태로 변형되어 사용된다. 원형, 역행, 전위, 역행 전위가 그것이다. 또한 각 형태는 12개의 가능한 음고 수준(예: C에서 시작, C#에서 시작 등)으로 시작할 수 있어 총 48가지의 음렬 형태를 만들어낸다.

이 기법의 엄격한 규칙 중 하나는 기본 음렬 내의 모든 음이 다른 11개의 음이 모두 나타나기 전에는 반복되지 않아야 한다는 것이다. 이를 통해 특정 음이 다른 음보다 우월해지는 것을 방지하고, 전통적인 조성 체계에서의 중심음 개념을 해체한다. 그러나 이 규칙은 음렬의 한 '부분집합' 내에서는 완화될 수 있으며, 화음 구성에도 적용된다. 작곡가는 음렬을 수직적으로(화음으로) 또는 수평적으로(선율로) 배열하여 음악적 재료를 생성한다.

12음 기법은 단순한 작곡 규칙의 집합이 아니라, 무조성 음악에 구조와 통일성을 부여하기 위한 조직적 원리로 고안되었다. 쇤베르크는 이를 '조성에 의한 구성에 대응하는 무조성에 의한 구성 방법'으로 설명했다[3]. 이 기법은 음렬의 순열을 통해 작품 전체에 걸친 음고 관계의 일관성을 보장하며, 전통적인 동기 발전의 개념을 추상적인 수준으로 확장시킨다.

초기 적용에서는 음렬 자체가 선율적으로 두드러지게 제시되는 경우가 많았으나, 쇤베르크와 그의 제자들은 점차 음렬을 더욱 암시적이고 복잡하게 사용하는 방식으로 발전시켰다. 다음은 기본 음렬과 그 변형의 관계를 보여주는 간단한 예시표이다.

이 체계는 쇤베르크의 작품 《피아노 모음곡》 Op.25와 《관현악을 위한 변주곡》 Op.31에서 본격적으로 구현되었으며, 이후 알반 베르크와 안톤 베베른에 의해 더욱 다양하게 확장되었다.

아르놀트 쇤베르크의 관현악 작품은 그의 음악적 발전 단계를 선명하게 보여준다. 초기 후기 낭만주의 양식의 대규모 관현악곡에서 출발하여, 무조성을 거쳐 12음 기법으로 완성된 작품들에 이르기까지, 그의 음악 언어의 변모를 추적할 수 있다.

초기 대표작인 교향시 펠레아스와 멜리장드 (1903)는 리하르트 슈트라우스와 구스타프 말러의 영향을 받은 후기 낭만주의의 웅장한 관현악법을 보여준다. 이 작품은 이미 전통적인 조성의 경계를 넓히고 있다. 1909년에 작곡된 5개의 관현악을 위한 피아노 협주곡은 짧은 형식 속에 강렬한 표현주의적 언어를 담아냈으며, 전통적인 협주곡의 개념에서 벗어난 실험적 성격을 지닌다.

12음 기법으로 작곡된 주요 관현악 작품으로는 관현악을 위한 변주곡 (1926-28)과 바이올린 협주곡 (1934-36)이 있다. 변주곡은 이 새로운 기법을 대규모 관현악 형식에 적용한 최초의 성공적인 사례 중 하나로 평가받는다. 바이올린 협주곡은 독주 악기의 기교적 난이도와 12음 조직의 엄격함을 결합한 도전적인 작품이다. 그의 마지막 완성된 관현악곡인 피아노 협주곡 (1942)은 12음 기법을 사용하면서도 때로는 조성적인 느낌을 암시하기도 한다.

아르놀트 쇤베르크의 실내악 작품은 그의 음악적 발전 단계를 가장 선명하게 보여주는 장르이다. 초기 후기 낭만주의 양식의 현악 사중주 1번과 2번에서 시작하여, 무조성을 탐구한 《피아노 소곡집》(Op. 11, 19)과 《달에 홀린 피에로》(Op. 21)를 거쳐, 12음 기법을 완성한 《피아노 모음곡》(Op. 25)과 《현악 사중주》 3번, 4번에 이르기까지 실내악은 그의 실험의 핵심 무대였다. 특히 《달에 홀린 피에로》는 성악 독창과 앙상블을 결합한 실내악적 성격의 걸작으로, 스프레히게장[5]을 도입하여 표현의 한계를 넓혔다.

성악 작품에서 쇤베르크는 시와 음악의 결합에 깊은 관심을 보였다. 초기에는 구스타프 말러의 영향을 받은 대규모 관현악 반주 성악곡 《구레의 노래》를 작곡했다. 무조성 시기에는 《2개의 가곡》(Op. 14)과 《지하에서》(Op. 12) 같은 작품을 통해 내면적 갈등과 초현실적 이미지를 음악화했다. 12음 기법 시기에는 《서정시 4편》(Op. 22)과 《시편 130편》(《깊은 구렁에서》, Op. 50b) 등에서 기법과 종교적·시적 내용의 통합을 시도했다.

그의 실내악과 성악 작품은 규모가 작을수록 혁신의 강도가 더욱 집약적으로 나타나는 특징을 보인다. 이 작품들은 단순히 음악적 아이디어의 실험이 아니라, 인간의 무의식과 현대적 불안을 표현하려는 그의 예술적 의지의 직접적인 결과물이었다.

아르놀트 쇤베르크의 무대 작품은 그의 음악적 발전 단계를 집약적으로 보여주며, 특히 표현주의 미학과 새로운 작곡 기법의 실험장이 되었다. 그의 유일한 완성된 오페라인 《모세와 아론》은 12음 기법으로 쓰인 대규모 작품으로, 종교적 주제와 철학적 내용을 담고 있다. 이 작품은 3막으로 구상되었으나 제3막은 미완성으로 남았으며, '금송아지 숭배' 장면의 광적인 춤과 합창으로 유명하다[6].

그 외 주요 무대 작품으로는 단막 멜로드라마 《기대》와 《행복의 손》이 있다. 《기대》는 단일 등장인물의 심리적 고독과 불안을 무조성 언어로 극도로 표현한 작품이다. 《행복의 손》은 노래, 대사, 무용, 복잡한 무대 장치를 결합한 총체예술작품을 지향했으며, 시각적 요소에 대한 상세한 지시가 특징이다.

이 작품들은 전통적인 서사 구조보다는 내면 심리나 관념의 표현에 중점을 두었고, 이를 위해 음악 언어의 근본적 변혁을 필요로 했다. 《모세와 아론》에서 말(아론)과 생각(모세)의 대립을 다루는 것처럼, 그의 무대 작품은 종종 추상적 아이디어의 구현을 추구했다.

아르놀트 쇤베르크의 이론과 작품은 20세기 음악의 흐름을 근본적으로 재정의했다. 그의 무조성과 12음 기법은 서양 예술 음악의 중심이었던 조성 체계를 해체함으로써, 작곡가들에게 음고 조직화의 완전히 새로운 패러다임을 제시했다. 이는 단순한 기법의 변화를 넘어, 음악의 구조, 형식, 심지어 청취 방식에 대한 재고를 요구하는 사고의 전환을 의미했다.

쇤베르크의 혁신은 직접적인 제자들을 넘어 여러 세대에 걸쳐 광범위한 영향을 미쳤다. 그의 핵심 제자인 알반 베르크와 안톤 베베른은 각각 음악의 정서적 표현 가능성과 극도의 응집성을 탐구하며 12음 기법을 확장시켰다. 이들의 작업은 전후 유럽에서 전위 음악과 점묘주의 음악의 중요한 토대가 되었다. 또한, 총렬 음악의 발전은 베베른의 엄격한 구성 원리를 출발점으로 삼아 음고뿐만 아니라 리듬, 강세, 음색 등 모든 음악적 매개변수를 조직화하는 체계로 나아갔다.

한편, 쇤베르크의 유산은 반향과 대립을 동시에 낳았다. 그의 방법론을 따르지 않은 많은 작곡가들도 그의 존재를 무시할 수 없었으며, 이는 새로운 신고전주의 음악이나 민족주의 음악의 방향성을 형성하는 데 간접적으로 기여했다. 미국으로 건너간 후 그의 교육 활동은 새로운 지역에서 현대 음악의 씨앗을 뿌렸다. 결국 20세기 중반 이후의 대부분의 주요 작곡가는 쇤베르크의 유산에 대해 계승, 변형, 또는 의식적인 거부 중 하나를 선택해야 했으며, 이는 그가 20세기 음악사의 중심적 좌표 중 하나로 자리매김하게 된 이유다.

쇤베르크의 작품과 이론은 생전부터 격렬한 논쟁을 불러일으켰다. 그의 초기 후기 낭만주의 작품조차도 당시 기준으로는 매우 복잡하고 확장된 조성을 사용했으며, 무조성으로의 전환은 더욱 큰 반발을 초래했다. 1913년 3월 31일 빈에서 열린 그의 작품 연주회는 관객들의 야유와 난동으로 인해 '스캔들 콘서트'로 기록될 정도로 극심한 반응을 보였다[7]. 비평가들은 그의 음악을 '소음', '혼돈', '반음악적'이라고 비난하며, 전통적인 미적 기준을 파괴한다고 주장했다.

12음 기법의 정립 이후에도 논란은 계속되었다. 많은 음악가와 평론가들은 이 기법이 지나치게 이성적이고 기계적이며, 감정 표현을 억압하는 '수학적 게임'에 불과하다고 비판했다. 나치가 1933년 독일에서 권력을 잡은 후, 쇤베르크의 음악은 '퇴폐 예술'로 낙인찍혀 공연이 금지되었고, 이는 그의 작품에 대한 정치적·이데올기적 비판으로 이어졌다. 그의 유대인 혈통 역시 이러한 공격의 주요 대상이 되었다.

비판의 또 다른 축은 그의 음악이 대중으로부터 멀어졌다는 점이었다. 복잡한 음조 구조와 난해한 청각적 경험은 일반 청중의 접근을 어렵게 만들었고, 이로 인해 그의 음악은 소수의 엘리트만을 위한 것이라는 지적을 받았다. 심지어 그의 제자였던 알반 베르크조차도 스승의 엄격한 기법보다는 더 표현적이고 접근 가능한 방식을 추구하기도 했다. 이러한 논쟁들은 쇤베르크가 단순한 작곡가를 넘어 20세기 음악의 가장 논쟁적인 분기점을 상징하는 인물이 되게 했다.

쇤베르크의 유산은 20세기 음악의 방향을 근본적으로 바꾸었다. 그의 이론과 작품은 제2비엔나 악파의 핵심이 되었으며, 제자들인 알반 베르크와 안톤 베베른을 통해 직접적인 계보를 형성했다. 더 나아가 그의 아이디어는 전후 세대인 피에르 불레즈나 카를하인츠 슈토크하우젠 같은 전자 음악 작곡가들에게까지 확장되어, 뉴 뮤직과 연속주의의 토대를 제공했다. 그의 교육자로서의 영향력 또한 지대하여, 미국 망명 시절에는 존 케이지를 비롯한 많은 작곡가들을 지도했다.

초기에는 난해하고 지적이며 감정을 배제한 음악으로 비판받기도 했으나, 시간이 지나며 재평가가 이루어졌다. 현대 음악학에서는 그의 작품이 표현주의 미학과 깊이 연관되어 있으며, 엄격한 기법 뒤에 강렬한 정서적 내용이 담겨 있음이 강조된다. 특히 홀로코스트를 경험한 유대인 작곡가로서, 후기 작품에서 나타나는 종교적·실존적 주제는 새로운 해석의 초점이 되고 있다.

21세기에 들어서는 그의 음악이 더 이상 순수한 실험으로만 여겨지지 않으며, 오히려 강력한 역사적·정서적 진술로 받아들여진다. 공연 레퍼토리에서 그의 작품은 점차 안정된 자리를 차지하고 있으며, 다양한 해석을 통해 계속해서 재발견되고 있다. 그의 음악 언어는 이후의 다양한 혁신들, 심지어 그것을 거부하는 흐름에게도 필수적인 참조점이 되었다는 점에서, 현대 음악사의 중심 인물로서 그의 위상은 확고해졌다.

쇤베르크의 가장 유명한 제자이자 동료는 알반 베르크와 안톤 베베른이다. 이들은 종종 '제2빈악파'의 핵심 구성원으로 불리며, 스승의 혁신적 아이디어를 계승하면서도 각자 독특한 음악어법을 발전시켰다. 쇤베르크는 이들을 단순한 추종자가 아닌 동등한 창조자로 여겼으며, 그들의 작품을 적극적으로 지지했다.

베르크는 쇤베르크의 기법에 가장 서정적이고 극적이며 때로는 낭만주의적 잔향을 담아낸 작곡가였다. 그의 대표작인 오페라 보체크와 룰루는 12음 기법을 적용하면서도 풍부한 감정 표현과 극적 구조를 유지했다. 특히 《바이올린 협주곡》은 12음렬을 사용하면서도 조성적인 느낌을 주는 그의 독창성을 보여준다. 반면 베베른은 쇤베르크의 원리를 가장 엄격하고 극단적으로 추구하여 음악을 극도의 간결함과 응축된 구조, 점묘법적인 음향으로 정제했다. 그의 작품들은 대부분 매우 짧은 연주 시간을 가지며, 각 음표와 침묵에 큰 의미를 부여했다.

이들의 접근법 차이는 다음 표로 요약할 수 있다.

쇤베르크 사후, 베베른의 엄격하고 구조적인 작곡 방식은 1950년대 이후 전렬 음악을 표방하는 젊은 세대 작곡가들에게 결정적인 영감을 주었고, 이로 인해 그는 종종 뒷날의 음악 발전에 더 직접적인 영향을 미친 인물로 평가받기도 한다. 베르크와 베베른은 쇤베르크의 유산이 단일한 길이 아닌 다양한 가능성으로 펼쳐질 수 있음을 증명했다.

1933년, 나치가 집권하고 아르놀트 쇤베르크의 음악이 "퇴폐 예술"로 낙인찍히자, 그는 유대인이라는 이유로 베를린 예술아카데미 교수직에서 해임당했다. 그는 먼저 파리로, 이듬해인 1934년에는 미국으로 망명했다.

쇤베르크는 미국에서 보스턴의 메이킨 음악원과 이후 로스앤젤레스의 캘리포니아 대학교 로스앤젤레스(UCLA)에서 작곡을 가르쳤다. 그의 교육 활동은 단순한 생계 수단을 넘어, 자신의 음악 이론과 미학을 신대륙에 전파하는 중요한 통로가 되었다. 그는 조성 음악의 전통적 교육을 받은 학생들에게 12음 기법과 새로운 음악 사고를 체계적으로 전달하려 노력했다.

그의 미국 제자들 중에는 존 케이지와 루 해리슨이 특히 두드러진다. 이들은 쇤베르크로부터 엄격한 음렬 기법을 배웠으나, 이후 각기 다른 방향으로 발전하여 실험 음악과 미니멀리즘의 선구자가 되었다. 쇤베르크는 때로 제자들의 급진적인 실험에 당혹스러워하기도 했지만, 그들의 창의성을 인정했다[10].

1941년에 미국 시민권을 얻은 쇤베르크는 1944년 UCLA에서 정년 퇴직할 때까지 교수로 재직하며 후학을 양성했다. 그의 교육은 유럽의 근대 음어 이론을 미국 음악계에 직접 뿌리내리는 계기를 마련했으며, 전후 미국 아방가르드 음악의 태동에 간접적으로 기여했다.