살인의 추억

영화 살인의 추억은 김광림 작가의 동명 소설을 원작으로 한다. 소설은 1996년에 출판되었으며, 실제로 일어난 화성 연쇄살인 사건을 모티브로 삼았다. 그러나 영화화 과정에서 원작과는 상당한 차이를 보인다. 원작 소설은 사건 해결에 집중하는 전형적인 추리 소설의 형식을 따르는 반면, 영화는 범인을 찾는 과정보다 사건에 휘말린 사람들의 상태와 당시 사회 분위기를 부각시키는 방향으로 각색되었다.

영화화는 2000년대 초반에 본격적으로 논의되기 시작했다. 감독 봉준호는 원작 소설을 접하고 강한 인상을 받았으나, 단순한 범죄 재현물이 아닌 시대의 단면을 담은 작품을 만들고자 했다. 그는 실제 사건의 세부적인 범행 수법이나 피해자에 대한 직접적인 묘사를 최소화하고, 사건을 둘러싼 당시의 사회적 공포감과 무능했던 수사 체계, 그리고 그 안에서 좌절하는 개인의 모습에 초점을 맞췄다. 이 과정에서 극의 무대는 원작의 1990년대에서 1980년대로 변경되어, 군사 정권 시기의 시대적 배경이 더욱 강조되었다.

각색 작업은 봉준호 감독과 심성보 작가가 함께 진행했다. 실제 사건의 용의자였던 이춘재의 체포 시점이 영화 제작 시점과 가까웠기 때문에, 영화가 사건을 왜곡하거나 특정 인물을 지목하지 않도록 각별히 주의했다. 등장인물의 이름과 사건의 세부 지역명 등은 대부분 픽션으로 처리되었다. 최종적으로 영화는 원작의 기본 골격인 '미제 연쇄살인 사건의 추적'을 유지하되, 장르적 특징과 주제 의식을 완전히 재구성한 독자적인 작품이 되었다.

봉준호 감독은 당시 군사 정권 하에서 발생한 실제 미제 사건들을 바탕으로, 사건 자체의 해결보다는 그 사건이 일어난 시대와 그 시대를 살아간 사람들의 상태에 주목하고자 했다[2]. 영화는 1986년부터 1991년까지 화성 연쇄 살인 사건이 벌어졌던 시기를 배경으로 삼지만, 단순한 실화 각색을 넘어 당대의 사회적 분위기를 적극적으로 재구성한다.

영화 속 시대는 5공화국 말기에서 6공화국 초기로, 민주화 운동의 열기가 고조되던 시기와 맞닿아 있다. 경찰의 조사 과정에서 드러나는 고문과 유치장 폭행, 그리고 사이렌이 자주 울려 퍼지는 도시의 풍경은 당시의 억압적이고 불안한 사회적 분위기를 상징적으로 보여준다. 감독은 이러한 시대적 배경을 통해, 사건의 진상을 밝히지 못하는 무능력한 경찰의 모습이 단순한 개인의 한계를 넘어 체제 전체의 문제와 연결되어 있음을 암시한다.

이러한 의도는 등장인물들을 통해 구체화된다. 주인공 박두만은 열정적이지만 폭력적 방법에 의지하는 전형적인 당시 형사의 모습을 보인다. 반면, 서태윤은 과학수사 방법론을 도입하려는 새로운 세대를 상징한다. 두 인물의 대립과 갈등은 단순한 수사 방법론의 차이가 아니라, 시대가 요구하는 변화와 기존 체제의 고착화 사이의 긴장 관계를 드러내는 장치로 작용한다. 결국 영화는 미제 사건이라는 틀을 빌려, 1980년대 한국 사회의 집단적 트라우마와 기억의 정치학을 탐구하는 데 초점을 맞춘다.

1986년 경기도 화성군을 중심으로 일어난 연쇄 강간 살인 사건은 영화의 핵심 사건이다. 첫 번째 사건은 1986년 9월 15일, 한밤중에 화성 인근 밭에서 발견된 여성의 시체로 시작된다. 피해자는 강간 후 살해당했고, 양말로 목이 졸려 있었다. 당시 경찰은 초동 수사를 진행했지만 결정적인 단서를 찾지 못한다.

두 번째 사건은 약 한 달 후인 10월 20일에 발생한다. 비슷한 수법으로 또 다른 여성이 피해를 입는다. 이 사건을 계기로 박두만 반장이 이끄는 현장 감식반과 서태윤이 합류한 FBI 프로파일링 기법을 도입한 수사팀이 공동 수사에 착수한다. 그러나 두 팀의 수사 방식은 극명하게 대비된다. 박두만 반장은 폭력적인 취조와 직감에 의존하는 전통적 방식[4]을 고수하는 반면, 서태윤은 과학적 증거와 범죄자 심리 분석을 중시한다.

사건은 1986년 12월과 1987년 1월에 이어져 세 번째와 네 번째 피해자를 낳는다. 범인은 비가 오는 흐린 날에 레인코트를 입고 행동하는 패턴을 보이기 시작한다. 수사는 점점 교착 상태에 빠지고, 박두만과 서태윤의 갈등은 첨예해진다. 경찰 내부와 사회의 압박 속에서 수사팀은 용의자를 몇 차례 검거하지만, 각각 알리바이가 존재하거나 증거 불충분으로 풀어주는 상황이 반복된다. 이 과정에서 무고한 사람이 고통받는 모습은 사건 해결에 대한 절망감을 더욱 깊게 한다.

영화의 클라이맥스는 1987년, 박두만이 서태윤을 용의자로 지목하며 그를 급히 체포하려는 상황에서 시작된다. 그러나 결정적인 DNA 증거가 서태윤의 것과 일치하지 않는다는 판정이 나오면서, 그는 석방되고 만다. 이로 인해 수사는 공식적으로 종결되고, 박두만은 강등되어 다른 부서로 발령받는다.

결말 부분은 시간이 흘러 2003년으로 이동한다. 형사에서 은퇴한 박두만은 중고품 납품업을 하며 평범한 생활을 한다. 어느 날, 그는 과거 사건 현장 근처를 지나다가 한 소녀로부터 얼마 전 비슷한 방식의 살인이 발생했다는 이야기를 듣는다. 그 소녀는 범인이 자신에게도 똑같은 일을 했다고 말하며, 범인의 얼굴을 기억한다고 덧붙인다. 박두만은 그녀에게 범인이 누구였는지 묻지만, 소녀는 그저 "보통의 얼굴"이었다고 답할 뿐이다.

마지막 장면에서 박두만은 카메라를 통해, 마치 관객을 직접 응시하듯이 화면을 뚫어지게 바라본다. 그의 표정에는 해결되지 않은 과거에 대한 트라우마, 분노, 그리고 무력감이 복잡하게 섞여 있다. 이 열린 결말은 진범이 결코 잡히지 않았을 가능성과, 사건이 남긴 깊은 상처가 지속되고 있음을 암시하며 영화를 마무리한다.

박두만은 화성 연쇄살인 사건을 수사하는 경찰관으로, 송강호가 연기했다. 그는 경기도 화성 지구대에 배속된 열혈 형사로, 직설적이고 거친 성격을 지녔으며 사건 해결에 대한 강한 집념을 보인다.

초기 수사 방식은 폭력과 고문에 의존하는 1980년대 한국 경찰의 전형적인 모습을 보여준다. 그는 용의자를 체포하면 신체적 고통을 가해 자백을 이끌어내려 했고, 자신의 직감과 경험을 절대적으로 신뢰했다. 이러한 그의 방식은 서울에서 파견된 서태윤 형사의 과학적이고 체계적인 수사 방법과 극명한 대비를 이루며 갈등을 빚는다.

그러나 사건이 장기화되고 그의 방법이 실패를 거듭하면서 박두만은 점차 무력감과 좌절에 빠진다. 특히 그가 유력한 용의자로 지목하고 고문까지 가했던 조용구가 DNA 검사 결과 무죄가 밝혀지면서, 그의 세계관은 근본적으로 흔들린다. 이 과정에서 캐릭터는 단순한 폭력적인 형사에서 사건의 무게와 한계를 깨닫는 고뇌하는 인물로 변화하고 성장하는 모습을 보인다.

영화의 마지막 장면에서, 훗날 일반인이 된 박두만은 사건 현장을 다시 찾아 범인이 남긴 힌트를 듣고 그를 바라보지만 결국 잡지 못하는 안타까운 결말을 맞이한다. 이 장면은 그가 평생 짊어져야 할 트라우마와 미해결 사건에 대한 집착을 상징적으로 드러낸다.

서태윤은 화성 연쇄살인 사건을 수사하는 수사본부의 팀장으로, 서울에서 파견된 경찰이다. 그는 과학수사와 증거 중심의 합리적인 수사 방법을 고수하는 인물로 그려진다. 당시 한국 경찰의 주류 방식이었던 고문과 유도신문을 거부하며, 지문과 혈액형 분석 같은 객관적 증거를 통해 범인을 찾아야 한다고 믿는다.

그의 등장은 사건 초기부터 지역 경찰인 박두만과의 갈등을 유발한다. 박두만의 감정적이고 직관적인 수사 방식과는 대조적으로, 서태윤은 냉철하고 체계적인 접근을 선보인다. 그는 수사 과정에서 발견된 미세한 증거들을 꼼꼼히 기록하고 분석하려 하지만, 당시 열악한 법의학 환경과 제도적 한계로 인해 좌절을 겪는다. 이러한 모습은 1980년대 한국의 현실적인 수사 환경의 한계를 상징적으로 보여준다.

사건이 장기화되면서 서태윤의 확고부동했던 신념에도 균열이 생긴다. 끊임없는 실패와 사회적 압력 앞에서 점점 지쳐 가며, 결국 극후반에는 자신의 원칙을 일시적으로 저버리는 모습을 보이기도 한다. 이는 단순히 선과 악의 대립이 아닌, 절망적인 상황 속에서 한 개인의 이성과 신념이 어떻게 흔들릴 수 있는지를 보여주는 복잡한 인물적 깊이를 더한다.

김상경의 연기는 이 캐릭터의 내적 고뇌와 침착함을 절제된 표정과 목소리로 섬세하게 표현해냈다. 서태윤은 영화에서 단순한 '선한 경찰'의 클리셰를 넘어, 시대의 한계와 맞서 싸우지만 결국 그 한계에 부딪히는 비극적인 인물로 기억된다.

조용구는 화성 연쇄 살인 사건의 첫 번째 용의자로, 박두만과 서태윤에 의해 집중 조사를 받는 인물이다. 그는 정신지체 장애를 가진 것으로 묘사되며, 사건 현장에서 발견된 정액의 혈액형과 일치하는 B형이라는 이유로 주요 용의선상에 오른다. 조용구는 경찰의 강압적인 조사와 고문에 쉽게 동요하고, 자신이 범인이라는 허위 자백을 하기에 이른다.

그의 성격은 순진하고 수동적이며, 권위에 쉽게 복종하는 모습을 보인다. 조용구는 자신이 저지르지 않은 범행을 자백하는 과정에서도 상황을 제대로 이해하지 못하는 듯한 반응을 보인다. 이는 당시 경찰의 조사 방식이 증거보다는 자백에 중점을 두었으며, 사회적 약자를 희생양으로 삼을 수 있었던 시대상을 적나라하게 드러내는 장치로 작용한다. 그의 캐릭터는 사건의 진상을 파헤치려는 두 형사와 대비되어, 진실과 오류 사이에서 흔들리는 수사 과정의 비극성을 강조한다.

조용구의 결말은 영화 내에서 명확히 그려지지 않지만, 그의 처우는 사건이 미해결로 남는 동안 그가 겪어야 했을 불합리함과 고통을 암시한다. 이 인물을 통해 영화는 당시의 조사 시스템과 사회가 가진 결함, 그리고 그로 인해 피해를 입은 무고한 개인의 비극을 효과적으로 제시한다.

영화는 시네마토그래피 측면에서 당시 한국 영화에서는 드물게 시네마스코프 비율(2.35:1)을 채택하여 광활한 화면 비율을 활용한다. 이는 사건이 벌어지는 시골 마을의 넓은 풍경과 허허벌판, 그리고 등장인물들의 고립감과 무력함을 동시에 강조하는 데 효과적이다. 특히 밤 장면의 어둠과 안개 자욱한 날씨의 묘사는 범죄의 공포와 미제 사건의 불확실성을 시각적으로 구현한다.

카메라 워크는 대부분 정적인 샷을 고수하며, 인물의 심리나 긴장감을 과장된 이동이 아닌 프레임 안의 세밀한 연기와 구도로 전달한다. 추격 장면이나 긴박한 순간에도 카메라는 종종 관찰자의 시선을 유지하며, 오히려 이러한 객관적 시선이 관객으로 하여금 사건을 해결하지 못하는 경찰의 좌절감을 더욱 생생하게 체감하게 만든다. 클로즈업은 인물의 표정보다는 사건의 단서가 되는 물건이나 환경에 더 자주 할당되어, 영화의 추리적 요소를 부각시킨다.

영상의 색채는 전체적으로 차가운 톤을 유지하되, 시대적 배경을 나타내는 데 중요한 역할을 한다. 1980년대의 담백한 색감과 함께, 사건이 발생하는 비 오는 밤의 푸르스름한 색조와 황토색 흙의 대비는 거칠고 현실적인 분위기를 조성한다. 반면, 범행 현장이나 중요한 장소에서는 때때로 강렬한 단색(예: 빨간색 스웨터)이 프레임에 포착되어 시선을 끌고 심리적 긴장을 고조시키는 장치로 작용한다.

영화의 사운드 디자인은 당시의 시대적 분위기를 세밀하게 재현하는 데 기여한다. 경찰서의 타자기 소리, 전화 벨소리, 라디오 방송, 거리의 생활음 등 다양한 다이제틱 사운드가 1980년대의 일상적인 공간을 생생하게 구축한다. 특히 사건 현장의 정적과 강우음, 숨소리, 발자국 소리는 긴장감을 극대화하며 관객을 사건의 중심으로 끌어들인다.

음악은 이병우가 담당했으며, 영화의 정서를 강력하게 뒷받침한다. 메인 테마는 서정적이면서도 어두운 멜랑콜리를 담고 있어, 사건의 비극성과 등장인물들의 내적 고통을 음악적으로 표현한다. 음악은 극적인 과장보다는 은은하게 흐르며, 영화 전체에 흐르는 회한과 애상의 정조를 형성하는 중요한 요소로 작용한다.

사운드와 음악은 서사와 긴밀하게 결합되어 있다. 추격 장면이나 심문 장면에서는 음악이 거의 사용되지 않고 현장의 소리만으로 긴장감을 조성하는 반면, 인물의 내면이 강조되는 순간이나 영화의 서정적인 엔딩에서는 테마 음악이 두드러지게 등장한다. 이러한 대비는 영화의 리얼리즘과 감정적 깊이를 동시에 확보하는 효과를 낳는다.

영화는 전체적으로 어두운 톤과 탁한 색감을 사용하여 1980년대 한국의 우울하고 답답한 사회 분위기를 시각적으로 구현한다. 특히 회색빛이 감도는 하늘, 진흙탕과 같은 비 오는 길, 그리고 어둡고 비좁은 골목과 실내 공간은 당시의 정치적 암울함과 사건 해결의 막막함을 상징적으로 보여준다. 이러한 색채 처리는 단순한 시대 재현을 넘어, 등장인물들의 내적 고통과 절망감을 확장시켜 관객에게 전달하는 역할을 한다.

조명은 자연광에 가까운 차가운 톤을 주로 사용하며, 인공 조명조차도 어둡고 칙칙하게 표현된다. 이는 사건의 진실이 밝혀지지 않는 상태의 불확실성과 미궁을 효과적으로 연출한다. 반면, 유일하게 밝고 따뜻한 색채는 피해자들이 발견되는 장면에서 등장하는 빨간색 옷과 노란색 우비이다. 이 선명한 원색은 잔인한 현실을 더욱 강렬하게 부각시키면서도, 생명력이 꺼져가는 순간의 아이러니한 아름다움과 애처로움을 동시에 담아낸다.

비와 진흙은 영화 내내 반복되는 중요한 시각적 모티프이다. 비는 사건을 은폐하거나 증거를 씻어내는 요소로 작용하며, 진흙탕은 수사관들이 빠져드는 무력함과 진실 추구 과정의 고통을 물리적으로 체현한다. 이 요소들은 영상미를 구성할 뿐만 아니라, 사건의 해결 불가능성과 시대 전체가 빠져 있는 수렁 같은 상태를 은유한다.

영화는 1980년대 한국의 시대상을 세밀하게 재현하며, 당시의 사회적 분위기를 배경으로 사건을 조명한다. 주요 무대인 [화성]은 급격한 산업화와 도시화의 물결 속에 있는 변두리 지역으로, 미개발된 논밭과 공사장, 허름한 주택가가 공존하는 풍경을 보여준다. 이는 경제 성장의 그늘에 가려진 사회의 어두운 단면을 상징적으로 드러낸다.

당시의 권위주의적 사회 구조와 경찰의 수사 방식도 중요한 재현 요소이다. 폭행과 협박을 동원한 [고문] 수사, 증거보다는 용의자의 자백을 중시하는 태도, 그리고 상명하복의 경직된 조직 문화는 1980년대 한국 경찰의 실제 모습을 반영한다[6]의 수사 과정에서도 유사한 문제점이 지적되었다]. 이러한 환경 속에서 사건 해결에 집착하는 주인공들의 행동은 당시의 시대적 한계를 동시에 보여준다.

영화는 당시 대중문화와 일상의 단면도 섬세하게 포착한다. 등장인물들이 즐기는 음악, 유행하던 패션, 거리를 달리는 [현대 포니]나 [대우 르망]과 같은 자동차, 그리고 텔레비전에 등장하는 뉴스와 광고 장면들은 관객으로 하여금 생생한 시대 감각을 느끼게 한다. 이러한 세부 장치들은 단순한 배경을 넘어, 사건이 일어난 특정한 시간과 공간의 정체성을 구축하는 데 기여한다.

영화는 연쇄살인 사건을 단순한 추격극이 아닌, 사건에 휘말린 사람들이 겪는 깊은 심리적 손상의 과정으로 그려낸다. 특히 박두만 형사는 초기의 열정적인 수사관에서 점차 무력감과 분노에 휩싸여 가는 모습을 통해, 트라우마가 누적되어 가는 과정을 생생하게 보여준다. 그는 사건 해결에 대한 강박적 집착으로 인해 폭력성을 드러내기도 하며, 이는 결국 개인적 붕괴로 이어진다. 이러한 묘사는 범죄 수사가 수사관의 정신건강에 미치는 치명적인 영향을 날카롭게 지적한다.

피해자 유가족과 지역 사회 전체에 미치는 공포와 불안 역시 영화의 중요한 축을 이룬다. 사건이 해결되지 않은 채 시간만 흐를수록 사람들은 일상에 스민 공포에 시달리며, 이는 집단적 트라우마로 자리 잡는다. 영화는 이러한 사회적 공포를 음울한 색채와 정적이 흐르는 장면들로 표현하여, 시각적·청각적으로 관객에게 불안감을 전달한다.

가해자에 대한 심리적 탐구는 의도적으로 모호하게 남겨진다. 이는 범죄의 동기를 단순화하기보다, 이해할 수 없음 그 자체가 주는 공포와 트라우마의 본질에 더 가깝기 때문이다. 서태윤 용의자와의 대면 장면들은 범죄의 근원이 단순한 선악의 이분법을 넘어선 복잡한 심연에 있을 수 있음을 암시하며, 이로 인해 수사관들은 더 큰 정신적 혼란에 빠지게 된다.

결국 영화는 사건 자체보다 그 사건이 남긴 지울 수 없는 상처에 초점을 맞춘다. 해결되지 않은 과거는 현재를 짓누르는 무게가 되며, 이는 등장인물들의 행동과 관계를 결정짓는 핵심 요소로 작용한다. 《살인의 추억》은 범죄 스릴러의 형식을 빌려, 트라우마가 개인과 사회를 어떻게 침식해 가는지에 대한 강력한 심리적 드라마를 완성해낸다.

《살인의 추억》은 국내외 주요 영화제에서 작품성과 대중성을 인정받으며 다수의 상을 수상했다. 특히 2003년 제작되어 개봉 직후 열린 제24회 청룡영화상에서 최고의 영예인 최우수 작품상을 비롯해, 송강호에게 남우주연상, 봉준호 감독에게 감독상, 김상경에게 신인남우상을 안겨주며 총 4개 부문을 휩쓸었다. 이어 제40회 대종상 영화제에서는 최우수 작품상과 감독상, 각본상, 촬영상, 편집상, 조명상 등 기술 부문에서 두각을 나타내며 6개 부문을 수상했다.

해외 영화제에서도 주목받아, 2003년 제16회 도쿄 국제 영화제에서 아시아 영화 부문 최우수 작품상을 수상했다. 또한 2004년 제51회 산세바스티안 국제 영화제에서는 공식 경쟁 부문에 진출하는 성과를 거두었다.

이러한 수상 실적은 영화가 단순한 범죄 스릴러를 넘어 시대를 진단하는 높은 완성도를 인정받았음을 보여준다. 특히 당시 청룡영화상에서 주요 부문을 석권한 것은 비평가와 관객 모두에게 큰 호응을 얻었음을 의미한다. 해외 영화제에서의 성과는 한국 영화의 새로운 지평을 열었다는 평가와 함께, 한국적 정서를 담은 서사가 국제적으로도 통용될 수 있음을 입증하는 계기가 되었다.

영화는 국내 비평가들로부터 극찬을 받았다. 당시 주요 영화 평론가들은 봉준호 감독의 연출력, 특히 사실주의와 서스펜스의 절묘한 조화를 높이 평가했다. 또한 사건 해결에 집착하는 박두만과 이성적 분석을 중시하는 서태윤의 대비를 통해 당시 경찰 조직과 사회의 갈등을 날카롭게 묘사한 점이 주목받았다. 영화의 열린 결말은 단순한 미스터리 장르의 클리셰를 넘어, 사건의 진실보다 피해자와 가해자, 그리고 사회 전체에 남은 트라우마에 초점을 맞춘 의미 있는 선택으로 해석되었다.

관객 반응 또한 매우 뜨거웠다. 2003년 개봉 당시 525만 명의 관객을 동원하며 큰 흥행 성공을 거두었다[7]. 이는 당시 한국 영화 시장 규모를 고려했을 때 매우 높은 수치였다. 영화가 다루는 화성 연쇄살인 사건은 당시 미제로 남아 있었기에, 관객들은 영화를 통해 사건을 재조명하고 공감하는 특별한 경험을 했다. 영화의 마지막 장면은 많은 관객에게 강렬한 여운을 남겼다.

해외에서의 평가도 긍정적이었다. 칸 영화제 비경쟁 부문에 초청되어 해외 언론과 관객의 주목을 받았으며, 이후 여러 국제 영화제에서 상영되었다. 특히 서스펜스와 사회 비판을 결합한 봉준호 감독의 독특한 시각이 호평을 받았다. 이 성공은 봉준호 감독이 국제적으로 이름을 알리는 계기가 되었을 뿐만 아니라, 한국 범죄 스릴러 장르의 수준을 세계에 각인시키는 결과를 낳았다.

《살인의 추억》은 2003년 개봉 이후 한국 범죄 영화와 스릴러 장르의 전환점이 되었다. 이전의 한국 범죄물이 주로 할리우드나 홍콩 영화의 방식을 모방하거나 과장된 액션에 의존하는 경향이 있었다면, 이 영화는 철저한 현실 기반과 심리적 긴장감, 사회적 맥락을 깊이 있게 결합한 새로운 형식을 제시했다. 이를 통해 장르 영화도 예술적 완성도와 대중성을 동시에 획득할 수 있음을 증명하며, 이후 제작되는 수많은 한국형 범죄 스릴러의 기본 공식을 확립했다.

영화가 남긴 가장 직접적인 영향은 '미제 사건' 또는 '연쇄 살인'을 소재로 한 리얼리즘 계열 범죄 드라마의 부흥이다. 《살인의 추억》 이후 《그놈 목소리》(2007), 《아이 캔 스피크》(2017) 등 실제 사건을 바탕으로 한 영화들이 사회적 공감을 얻으며 활발히 제작되었다. 또한, 《추격자》(2008), 《황해》(2010), 《곡성》(2016)에 이르기까지, 암울한 분위기, 결말에 대한 열린 해석, 범인보다 피해자 또는 추적자의 심리와 사회적 환경에 초점을 맞추는 서사 구조는 이 영화에서 비롯된 영향이 크다.

다음 표는 《살인의 추억》이 확립한 장르적 특징과 이후 대표 작품에서의 계승 양상을 보여준다.

이러한 영향은 영화 장르를 넘어 OTT 플랫폼의 성장과 함께 《신세계》(2013), 《도둑들》(2012) 등의 범죄 액션물과 《마린타운》[8], 《모범형사》[9] 등의 드라마에서도 지속적으로 재해석되고 있다. 결국 《살인의 추억》은 한국 범죄 스릴러가 세계적으로 주목받는 독자적인 장르로 자리매김하는 데 초석을 놓은 작품으로 평가된다.

《살인의 추억》은 이후 제작된 수많은 한국 범죄 스릴러 및 사실주의 영화에 지대한 영향을 미쳤다. 특히 봉준호 감독의 후속작인 《괴물》(2006)과 《기생충》(2019)은 사회적 계층과 갈등을 날카롭게 묘사한다는 점에서 맥을 같이한다. 《괴물》은 괴물이라는 가상의 존재를 통해 당대 사회의 불안과 체제 비판을, 《기생충》은 경제적 불평등을 풍자하며, 이는 《살인의 추억》이 범죄 수사를 매개로 1980년대 한국의 정치사회적 상황을 비춘 접근법을 확장시킨 것으로 해석된다.

범죄 수사 장르 내에서는 《추격자》(2008)와 《아저씨》(2010) 등이 강한 영향을 받았다. 《추격자》는 《살인의 추억》이 정립한 '추리보다는 추격에 집중하는' 서사 구조와 절망적인 결말, 그리고 범인과의 대면 장면에서의 강렬한 긴장감을 계승했다. 《아저씨》는 복수극이라는 장르적 틀 안에서 사회의 어두운 단면과 주인공의 내적 트라우마를 결합시켰다.

또한 《소년, 천국에 가다》(2005), 《곡성》(2016), 《소공녀》(2018) 등은 《살인의 추억》이 보여준 암울하고 습한 분위기, 그리고 사건 해결의 불완전성과 미스터리한 여운을 각자의 방식으로 차용했다. 다음 표는 주요 후속 작품들과의 비교점을 보여준다.

해외 영화계에서도 그 영향력이 인정되어, 데이비드 핀처 감독의 《조드》(2007)나 중국 영화 《백일염화》(2023) 등에서 유사한 서사 구조와 분위기 연출을 찾아볼 수 있다[10]. 《살인의 추억》은 단순한 범죄 영화를 넘어, 시대의 트라우마를 형상화하고 장르의 지평을 넓힌 하나의 이정표로 평가받으며, 이후 작품들에 지속적으로 비교되고 참조되는 기준점이 되었다.