드라마 대본

시놉시스는 드라마의 전체 이야기를 매우 간략하게 요약한 것이다. 일반적으로 한두 페이지 분량으로, 이야기의 핵심 갈등, 주요 사건, 그리고 결말까지를 포함하여 전체적인 줄거리의 윤곽을 제시한다. 이는 작품의 기본적인 아이디어와 매력을 빠르게 전달하기 위해 기획자나 투자자에게 제출하는 첫 번째 문서로 활용된다.

트리트먼트는 시놉시스보다 더 상세한 이야기 개요이다. 시놉시스가 '무엇'이 일어나는지에 초점을 둔다면, 트리트먼트는 '어떻게' 일어나는지, 즉 주요 씬의 흐름과 캐릭터의 성장, 장면 전환 등을 서술적으로 풀어쓴다. 대사는 포함하지 않으며, 행동과 사건의 진행을 중심으로 기술한다. 이는 본격적인 대본 작성에 앞서 이야기의 구조와 극적 흐름을 확립하는 중요한 중간 단계 문서이다.

이 두 문서는 작가가 자신의 구상을 구체화하고, 제작진과의 협의를 통해 이야기의 틀을 다지는 데 필수적이다. 특히 TV 드라마의 경우, 방송사에 기획안을 제출할 때 시놉시스와 함께 트리트먼트가 반드시 동반되며, 이를 바탕으로 시나리오 또는 대본의 본격적인 작성이 이루어진다.

씬은 극적 행동이 발생하는 하나의 완결된 단위로, 시간과 공간이 일정하게 유지되는 것이 특징이다. 씬은 보통 새로운 장소로의 이동이나 시간의 도약을 통해 구분되며, 각 씬은 이야기를 한 걸음씩 전진시키는 역할을 한다. 씬의 시작 부분에는 헤딩이 표기되어, 해당 장면이 실내인지 실외인지, 그리고 구체적인 장소와 시간대를 명시한다.

시퀀스는 여러 개의 씬이 모여 하나의 큰 서사적 목표나 주제를 이루는 더 큰 단위이다. 예를 들어, '추격 시퀀스'는 다양한 각도와 장소에서 이루어지는 여러 씬들(도망치는 장면, 쫓는 장면, 위기 상황 장면 등)로 구성될 수 있다. 시퀀스는 개별 씬들을 유기적으로 연결하여 보다 강력한 감정적 흐름이나 극적 긴장을 만들어낸다.

작가는 씬과 시퀀스를 설계할 때, 각 씬이 이야기의 플롯에 어떻게 기여하는지, 그리고 시퀀스가 전체 3막 구조 속에서 어떤 기능을 하는지를 고려한다. 불필요한 씬은 생략하거나 통합하여 이야기의 템포를 유지하는 것이 중요하다. 효과적인 시퀀스 구성은 관객의 몰입도를 높이고, 캐릭터의 성장이나 갈등의 전환점을 선명하게 보여주는 핵심 수단이 된다.

대사는 등장인물이 직접 말하는 모든 말을 가리킨다. 대사는 캐릭터의 성격, 감정, 의도, 그리고 다른 캐릭터와의 관계를 드러내는 핵심 수단이다. 또한 이야기를 전개하고 갈등을 촉진시키는 역할을 한다. 대사는 극적 상황에 맞게 자연스럽고 개성 있게 작성되어야 하며, 배우는 이를 통해 연기를 구체화한다.

행동 지문은 대사와 함께 기록되며, 등장인물의 행동, 표정, 몸짓, 위치 이동, 그리고 장면의 물리적 환경이나 분위기를 묘사하는 서술문이다. 이는 배우에게 구체적인 연기 지침을 제공하고, 연출가와 제작진(예: 촬영 감독, 미술 감독)에게 장면을 시각화하고 구현하는 데 필요한 정보를 전달한다. 지문은 일반적으로 괄호 안에 쓰거나 대사 사이에 별도의 문단으로 배치된다.

대사와 행동 지문은 긴밀하게 연결되어 작품의 리듬과 템포를 결정한다. 날카로운 대사와 빠른 행동은 긴장감을 조성하는 반면, 긴 대사와 정적인 지문은 감정적 깊이나 내면의 갈등을 강조할 수 있다. 따라서 작가는 이 두 요소의 균형을 통해 관객의 시선을 끌고 이야기에 몰입하도록 이끈다.

표준 대본 형식에서는 대사는 중앙에, 행동 지문은 왼쪽 정렬로 구분하여 작성된다. 이는 가독성을 높이고, 배우가 자신의 대사를 쉽게 찾을 수 있도록 하며, 제작 과정에서 각 장면의 길이를 계산하는 데도 도움을 준다. 특히 영화나 TV 드라마의 촬영 대본에서는 지문이 카메라 앵글, 조명, 특수 효과 등 기술적 지시사항을 포함하기도 한다.

캐릭터는 드라마 대본의 핵심 구성 요소 중 하나로, 이야기를 이끌어가는 주체이자 관객의 공감과 이해의 대상이 된다. 대본에서 캐릭터는 인물 소개를 통해 처음 제시되며, 이후 대사와 행동 지문을 통해 그 성격, 배경, 동기, 감정, 성장 과정이 구체화된다. 잘 구축된 캐릭터는 플롯의 전개에 필수적이며, 배우가 역할을 분석하고 구현하는 데 근본적인 자료가 된다.

캐릭터 창조는 단순한 인물 묘사를 넘어서는 작업이다. 작가는 캐릭터의 외적 특성뿐만 아니라 내면 세계, 즉 욕망, 갈등, 약점, 세계관 등을 설계한다. 이를 통해 캐릭터는 각자의 독특한 목소리와 행동 방식을 갖추게 되며, 이는 대사와 지문에 반영된다. 특히 대사는 캐릭터의 사회적 배경, 교육 수준, 성격을 가장 직접적으로 드러내는 수단이다.

캐릭터 간의 관계와 상호작용 또한 대본에서 중요한 부분을 차지한다. 주인공과 조연, 악역 간의 갈등, 우정, 사랑, 경쟁 관계는 극적 긴장감을 생성하고 이야기를 전진시킨다. 이러한 관계는 대화와 행동을 통해 구현되며, 연출가와 배우는 이를 해석하여 무대나 스크린 위에 생동감 있게 구현한다.

또한 캐릭터는 고정된 존재가 아니라 이야기 속에서 변화하고 성장하는, 이른바 캐릭터 아크를 겪는 경우가 많다. 이 변화의 궤적은 대본 전반에 걸쳐 서서히 드러나며, 관객으로 하여금 캐릭터에 대한 몰입과 공감을 이끌어낸다. 따라서 작가는 초반의 인물 소개부터 최종적인 변화에 이르기까지 일관성 있으면서도 역동적인 캐릭터 구축에 주력해야 한다.

드라마 대본의 구조는 이야기의 극적 흐름과 긴장감을 효과적으로 구성하기 위한 골격을 말한다. 가장 널리 알려진 기본 모델은 3막 구조이다. 이 구조는 서사(설정과 등장인물 소개), 대립(갈등과 장애물로 인한 위기 고조), 해결(갈등의 절정과 종결)이라는 세 개의 주요 단계로 이야기를 나눈다. 많은 영화와 TV 드라마의 대본이 이 고전적 틀을 바탕으로 변형하여 활용한다.

3막 구조 외에도 다양한 구조 모델이 존재한다. 예를 들어, TV 시리즈에서는 각 에피소드마다 완결된 사건을 담으면서도 시리즈 전체의 장기적인 이야기꾼(시즌 아크)을 병행하는 구조가 흔하다. 시트콤은 일반적으로 2막 또는 3막 구조를 따르며, 고정된 러닝타임 내에 상황 코미디와 대사 중심의 유머를 배치한다. 연극 대본의 경우, 막과 장으로 구분하는 전통적인 방식을 유지하는 작품이 많다.

구조는 단순한 형식이 아니라 관객의 정서적 경험을 설계하는 도구이다. 작가는 구조를 통해 이야기의 속도(페이싱)를 조절하고, 반전이나 카타르시스와 같은 극적 효과를 배치할 지점을 계획한다. 따라서 대본의 초기 단계인 트리트먼트나 시놉시스를 작성할 때부터 구조에 대한 명확한 청사진을 세우는 것이 중요하다. 최근에는 3막 구조를 확장한 5막 구조나, 비선형적인 서사 구조를 활용하는 실험적인 대본들도 등장하고 있다.

드라마 대본의 표준 형식은 제작 현장에서 효율적인 의사소통을 위해 정립된 일련의 규칙이다. 이 형식은 영화, 텔레비전 드라마, 연극 등 매체에 따라 세부적인 차이가 있으나, 기본적인 골격은 공통적으로 유지된다. 표준 형식의 핵심 목적은 작가가 구상한 이야기를 배우, 연출가, 촬영 기사, 미술 감독을 포함한 모든 제작진이 명확하고 일관되게 이해할 수 있도록 하는 데 있다.

표준 대본의 가장 기본적인 요소는 장면 구분이다. 각 장면은 새로운 슬러그라인으로 시작되며, 여기에는 장면이 실내인지 실외인지(INT./EXT.), 장소, 그리고 시간(주간/야간)이 명시된다. 이어서 등장인물의 행동과 상황을 설명하는 행동 지문이 나오고, 그 다음에 대사가 인물 이름과 함께 기록된다. 대사는 일반적으로 페이지 중앙에 위치하며, 인물 이름은 그 위에 표기된다. 이러한 체계적인 배열은 빠른 읽기와 정보 검색을 가능하게 한다.

표준 형식은 또한 페이지당 대략 1분의 러닝타임이라는 불문율을 따른다. 이는 대본의 분량을 시각화하고 제작 일정과 예산을 계획하는 데 중요한 기준이 된다. 또한 대본의 모든 페이지는 오른쪽 상단에 번호가 매겨져 있어, 수정 과정에서 특정 장면이나 대사를 정확히 지칭할 수 있도록 한다. 이러한 형식적 규칙은 할리우드를 중심으로 발전했으며, 현재는 전 세계 많은 지역의 영화 산업과 방송 업계에서 표준으로 채택되고 있다.

표준 대본 형식과 구분되는 개념으로 촬영 대본이 있다. 표준 대본이 이야기와 대사를 중심으로 하는 반면, 촬영 대본은 연출가나 조감독이 실제 촬영을 위해 재구성한 문서로, 카메라 앵글, 촬영 순서, 세트나 로케이션에 대한 구체적인 기술적 지시사항이 추가된다. 따라서 표준 대본은 창작의 출발점이며, 촬영 대본은 그것을 현실로 옮기기 위한 실용적인 청사진 역할을 한다.

촬영 대본은 영화나 텔레비전 드라마 촬영 현장에서 실제 제작에 사용되는 최종본이다. 표준 대본 형식을 따르며, 각 장면마다 장면 번호, 촬영 장소, 시간대, 등장인물, 대사, 행동 지문이 명확히 기재되어 있다. 이 대본은 모든 제작 부서(촬영, 조명, 음향, 미술 등)와 배우들이 공유하는 작업의 청사진 역할을 하며, 효율적인 촬영 일정을 수립하는 데 필수적이다. 특히 장면 번호는 촬영 순서와 편집 과정에서 장면을 식별하는 기준이 된다.

연출 대본은 감독이나 연출가가 촬영 대본을 바탕으로 자신의 연출 의도를 구체화한 문서이다. 여기에는 카메라 앵글, 줌, 팬, 크레인이나 돌리 같은 카메라 이동, 배우의 정확한 위치와 동선, 중요한 소품이나 시각적 요소에 대한 특별 지시사항이 상세히 기록된다. 또한 각 장면에서 추구하는 분위기, 감정, 리듬에 대한 노트가 추가되기도 한다. 이는 촬영 감독과 사운드 디자이너를 비롯한 주요 스태프들이 감독의 비전을 공유하고 구현하는 데 핵심적인 자료가 된다.

두 대본의 가장 큰 차이는 사용자와 목적에 있다. 촬영 대본은 제작 전체를 아우르는 표준화된 정보를 제공하는 반면, 연출 대본은 감독의 개인적 해석과 기술적 지시가 집약되어 있다. 많은 경우 감독은 촬영 대본의 여백에 직접 메모를 하거나 별도의 노트를 만들어 연출 대본의 역할을 대신하기도 한다. 최종적으로 편집실에서 사용되는 대본은 촬영 중 변경된 내용이 반영된 최신 버전으로, 이는 편집 작업의 중요한 참고 자료가 된다.

기획과 아이디어 개발은 드라마 대본 창작의 첫 단계로, 작품의 기본 골격과 방향성을 설정하는 핵심 과정이다. 이 단계에서는 작가가 아이디어를 구체적인 스토리로 발전시키고, 기획 의도와 시놉시스를 정립하며, 캐릭터와 플롯의 기본을 다진다. 아이디어는 일상의 관찰, 역사적 사건, 소설이나 실화의 각색, 또는 특정 주제에 대한 탐구에서 비롯될 수 있다.

아이디어가 어느 정도 형성되면, 이를 바탕으로 간략한 줄거리인 로그라인과 1-2페이지 분량의 시놉시스를 작성한다. 이후 보다 상세한 트리트먼트를 통해 장면별 흐름과 주요 사건, 캐릭터의 성장 궤적을 구체화한다. 이 과정에서 장르와 타깃 오디언스를 명확히 하고, 작품이 지닌 독창성과 상업적 가능성을 검토하게 된다. 특히 텔레비전 드라마의 경우, 시즌 전체의 아크와 에피소드별 에피소드 구성을 미리 계획하는 것이 중요하다.

아이디어 개발 단계에서는 브레인스토밍, 마인드맵, 카드 기법 등 다양한 창작 기법이 활용된다. 또한, 프로듀서나 방송사에 기획안을 제출하여 피드백을 받거나 공동 작업을 통해 아이디어를 다듬기도 한다. 성공적인 기획은 강력한 콘셉트, 매력적인 캐릭터, 그리고 명확한 테마를 바탕으로 한다. 이 단계에서 확립된 기초는 이후의 초고 작성과 리라이팅 과정을 위한 튼튼한 토대가 된다.

초고 작성은 대본의 뼈대를 구축하는 단계이다. 작가는 미리 구성한 시놉시스와 트리트먼트를 바탕으로, 실제 대사와 지문(행동 지문)을 채워 넣으며 이야기를 구체화한다. 이 단계에서는 완벽함보다는 아이디어를 빠르게 문서화하는 것이 중요하며, 3막 구조와 같은 기본적인 극적 구조를 따라 씬과 시퀀스를 배열한다. 초고 작성을 마친 대본은 보통 여러 차례의 수정 과정을 거치게 된다.

수정 과정은 대본의 완성도를 높이는 핵심 단계이다. 작가는 자신의 초고를 객관적으로 검토하며, 캐릭터의 동기와 갈등이 명확한지, 대사가 자연스럽고 개성 있는지, 플롯이 긴장감을 유지하는지 등을 점검한다. 불필요한 장면을 삭제하거나 통합하고, 전개가 느린 부분을 개선하며, 결말을 보강하는 등 대본의 구조와 내용을 다듬는다. 이 과정에서 스토리 에디터나 동료 작가로부터 피드백을 받는 것도 일반적이다.

대본 수정은 단순한 고쳐쓰기를 넘어서는 재창조의 과정이기도 하다. 초고에서 막연했던 설정이 구체화되거나, 새로운 인물 관계가 추가되며, 예상치 못한 극적 반전이 도입될 수 있다. 이러한 반복적인 수정 작업을 통해 대본은 최종적으로 연출가와 배우, 제작진이 공유할 수 있는 명확한 청사진으로 완성된다.

드라마 대본의 작법 과정에서 피드백을 받고 리라이팅을 거치는 단계는 완성도를 높이는 핵심적인 과정이다. 초고가 완성된 후, 작가는 프로듀서, 연출가, 스토리 에디터, 다른 작가들로부터 피드백을 받는다. 이 피드백은 플롯의 논리성, 캐릭터의 일관성과 발전, 대사의 자연스러움, 전체적인 페이싱과 구조 등 다양한 측면을 점검하고 개선 방향을 제시하는 역할을 한다. 특히 TV 드라마의 경우, 제작사나 방송국의 의견이 반영되기도 하며, 시청자 테스트를 통해 얻은 반응이 수정 작업에 참고되기도 한다.

리라이팅은 이러한 피드백을 바탕으로 대본을 다시 쓰고 다듬는 작업을 말한다. 이 과정은 단순한 문장 수정을 넘어서서, 장면의 추가나 삭제, 캐릭터 관계의 재정립, 결말의 변경 등 대본의 근본적인 부분까지 수정할 수 있다. 때로는 전문 리라이터가 투입되어 여러 작가가 쓴 에피소드의 톤과 스타일을 통일시키거나, 긴급한 제작 일정에 맞춰 특정 장면을 재구성하기도 한다. 시트콤과 같은 프로그램에서는 리허설 현장에서 배우들의 즉흥 연기를 반영하여 대사를 수정하는 경우도 흔하다.

리라이팅은 협업의 산물이다. 작가실 시스템이 발달한 미국의 텔레비전 산업에서는 작가들이 모여 리라이트 룸에서 집단적으로 아이디어를 내고 대본을 고치는 방식이 일반적이다. 반면, 작가의 독자성이 강조되는 경우에도 제작진과의 논의를 통해 필수적인 수정은 이루어진다. 이 과정을 통해 대본은 초기의 아이디어 단계에서 벗어나 실제 촬영이나 공연에 적합한 실용적인 문서로 거듭나게 된다.

수많은 피드백과 리라이팅을 거친 최종 대본은 촬영 대본 또는 연출 대본의 기초가 된다. 이는 단순한 글쓰기를 넘어서, 다양한 의견을 조율하고 예술적 비전과 제작의 현실을 조화시키는 복잡한 과정의 결과물이다. 따라서 대본 작성은 고립된 창작 활동이 아니라, 지속적인 소통과 수정을 통해 완성되는 협력적 작업의 산물이라고 볼 수 있다.

TV 드라마의 대본은 방송 편성에 맞춰 에피소드 단위로 구성된다는 점이 특징이다. 시리즈 드라마는 보통 한 시즌에 10~20여 편의 에피소드로 이루어지며, 각 에피소드는 독립적인 이야기를 담으면서도 시리즈 전체의 장기적인 스토리 아크와 캐릭터 성장을 함께 그려낸다. 이에 따라 대본은 개별 에피소드의 완결성과 시리즈 전체의 연속성을 동시에 고려하여 작성되어야 한다. 시트콤의 대본은 특히 대사의 리듬과 코미디적 타이밍, 그리고 라이브 관객이나 래프 트랙을 염두에 둔 개그 구성이 중요하게 작용한다.

TV 드라마 대본의 작법 과정은 협업적이다. 쇼러너라 불리는 총괄 작가가 시리즈의 전체적인 방향성을 설정하고, 여러 명의 스태프 작가들이 모여 라이터스 룸에서 스토리를 브레인스토밍하고 에피소드별 대본을 분담하여 작성하는 방식이 일반적이다. 이 과정에서 스토리 에디터나 각본 감수가 대본의 일관성과 완성도를 점검한다. 또한, 방송사의 편성 시간에 정확히 맞추기 위해 대본의 분량을 철저히 계산하고, 광고 삽입을 고려한 액트 구분이 명시되기도 한다.

장르에 따라 대본의 형식과 내용도 달라진다. 일일 드라마나 주말 드라마는 비교적 빠른 전개와 반복적인 드라마틱 아이러니를 활용한 서사를 중시하는 반면, 미니시리즈나 프리미엄 드라마는 영화에 가까운 높은 완성도와 심도 있는 주제 탐구를 추구한다. 시트콤 대본은 대사와 더불어 캐릭터의 시각적 코미디나 반응을 설명하는 행동 지문이 상세히 기록될 수 있다. 모든 TV 드라마 대본은 최종적으로 연출가와 프로듀서의 검토를 거쳐 촬영 대본으로 확정되어 현장에서 제작의 근본 지침이 된다.

영화 대본은 영화 제작의 가장 핵심적인 청사진이다. 영화라는 매체의 시각적, 청각적 특성을 바탕으로 이야기를 구성하며, 최종적으로 스크린에 비칠 모든 장면과 소리를 문자로 기록한다. 이는 배우의 연기 지침이자, 감독의 연출 지침, 그리고 촬영, 미술, 음향 등 모든 제작진의 작업을 위한 구체적인 설계도 역할을 한다. 따라서 영화 대본은 단순한 문학 작품을 넘어, 하나의 기술 문서이자 제작 매뉴얼의 성격을 강하게 띤다.

영화 대본의 구성 요소는 기본적으로 드라마 대본의 일반적 요소를 공유하지만, 매체 특유의 세부 사항이 추가된다. 시놉시스와 트리트먼트를 거쳐 완성된 본문에는 장면 헤딩, 캐릭터, 대사, 행동 지문이 표준 형식에 따라 배치된다. 특히 영화 대본의 행동 지문은 카메라가 포착할 시각적 요소와 소리를 구체적으로 묘사하는 데 중점을 둔다. 예를 들어, 인물의 세밀한 표정 변화, 배경이 되는 공간의 분위기, 중요한 소품의 등장, 그리고 카메라 앵글이나 이동에 대한 암시적인 표현이 포함되기도 한다.

영화 대본의 구조는 전통적인 3막 구조를 따르는 경우가 많으나, 장르와 작가의 의도에 따라 다양한 변주가 존재한다. 할리우드의 표준 산업 형식은 페이지 수, 장면 전환의 빈도, 클라이맥스의 위치 등에 대한 암묵적인 규칙을 가지고 있기도 하다. 한편, 독립 영화나 실험 영화의 대본은 이러한 관습에서 자유로우며, 보다 문학적이거나 시각적 암시에 치중한 형식을 취하기도 한다.

최종적으로 승인되어 제작에 들어가는 대본은 촬영 대본으로 발전한다. 여기에는 장면 번호, 촬영 일정을 고려한 리허설 순서, 그리고 감독과 촬영 감독이 추가한 세부 기술 지시사항이 포함된다. 이 과정에서 대본은 연극 대본이나 라디오 드라마 대본과 달리, 제작 현장의 실용적인 요구에 지속적으로 수정되고 개선되는 살아있는 문서가 된다.

연극 대본은 무대 위에서 배우들이 연기하고, 연출가가 무대를 구성하며, 제작진이 모든 공연 요소를 준비하는 근본이 되는 문서이다. 이는 단순한 대사의 나열이 아니라, 무대 공연을 위한 완전한 청사진 역할을 한다. 연극 대본은 배우의 연기 지침, 연출가의 연출 지침, 무대 디자이너, 조명 기사, 음향 효과 담당자 등 모든 제작진의 제작 지침을 제공하는 핵심 도구이다.

연극 대본의 구성 요소는 무대 예술의 특성에 맞춰져 있다. 대사는 물론, 행동 지문은 무대 위 배우의 동작과 위치를 상세히 기술한다. 장면 구분은 막과 장으로 이루어지며, 각 장면의 무대 세트와 소품에 대한 설명이 포함된다. 인물 소개는 등장인물의 성격, 외모, 관계를 설명하여 배우가 캐릭터를 이해하는 데 도움을 준다. 이러한 모든 요소는 무대 위에서 시각적, 청각적으로 구현될 것을 전제로 작성된다.

연극 대본의 형식은 영화나 텔레비전 드라마 대본과 구별되는 특징을 가진다. 표준 연극 대본 양식은 페이지 중앙에 인물 이름을, 그 아래에 대사를 배치하는 방식이 일반적이다. 지문은 대사 위나 아래에 괄호 안에 기술되어, 무대 위에서의 동작이나 배우의 감정 상태를 나타낸다. 또한 무대의 좌우를 구분하는 무대 지시가 명확히 표기되어, 배우의 위치 이동을 안내한다.

연극 대본은 공연의 생명력이다. 초연 이후에도 배우의 해석, 연출가의 새로운 비전, 시대적 배경에 따라 지속적으로 수정되고 재해석될 수 있다. 이는 연극이 살아있는 예술 형태임을 보여주며, 대본이 단순한 텍스트가 아니라 각 공연마다 새롭게 탄생하는 예술 작품의 토대가 됨을 의미한다. 따라서 연극 대본은 극작가의 창작물이자, 동시에 무대 위의 모든 예술가들이 협업하기 위한 필수적인 출발점이다.

라디오 드라마는 청각 매체인 라디오를 통해 방송되는 극적인 작품으로, 오디오만으로 모든 이야기와 감정을 전달해야 한다는 점에서 독특한 특성을 지닌다. 시각적 요소가 전혀 없기 때문에 청취자의 상상력에 의존하며, 대사, 배경음악, 효과음, 침묵 등 순수한 소리를 통해 극적 현실을 구축한다. 이는 연극이나 영화, 텔레비전 드라마와 구분되는 라디오 드라마만의 핵심 특징이다.

라디오 드라마 대본은 이러한 청각적 특성에 최적화되어 작성된다. 대사는 인물의 감정과 상황을 명확히 전달해야 하며, 행동 지문은 등장인물의 움직임이나 표정 대신, 소리로 표현 가능한 행동이나 청취자가 이해할 수 있는 맥락을 설명하는 데 중점을 둔다. 예를 들어, "문이 삐걱거리며 열리는 소리"나 "빠른 발걸음 소리가 멀어짐"과 같은 구체적인 음향 지시가 빈번히 포함된다. 또한 등장인물의 내면 독백이나 해설자의 내레이션을 활용해 시각적 정보를 보충하기도 한다.

라디오 드라마 대본의 형식은 일반적인 표준 대본 형식을 따르지만, 음향에 대한 세부적인 기술이 매우 중요하다. 대본에는 배경음악이 들어갈 시점과 그 분위기, 다양한 효과음의 종류와 타이밍이 상세히 표기된다. 이는 음향 효과와 배경음악이 시각을 대체하는 중요한 서사 도구이기 때문이다. 따라서 라디오 드라마 작가는 극적 구조와 캐릭터 구축에 능통해야 할 뿐만 아니라, 소리를 통한 이야기 전달에 대한 깊은 이해를 갖추어야 한다.

초창기 라디오 방송 시대부터 오늘날의 팟캐스트 드라마에 이르기까지, 라디오 드라마는 지속적으로 진화해왔다. 기술의 발전으로 음질과 효과음 구현이 정교해졌으며, 인터넷을 통해 제작과 유통의 장벽이 낮아지면서 다양한 실험적이고 독립적인 작품들이 생산되고 있다. 순수한 청각 경험을 중시하는 이 매체는 여전히 강력한 스토리텔링의 수단으로 자리매김하고 있다.

드라마 대본을 창작하는 핵심 인물은 작가이다. 작가는 극적인 이야기를 구상하고, 등장인물을 창조하며, 대사와 지문을 통해 이야기를 글로 풀어내는 창작자이다. 이들의 작업은 단순히 대사를 쓰는 것을 넘어서, 이야기의 구조를 설계하고, 캐릭터의 성장과 갈등을 구축하며, 시청자나 관객에게 전달할 주제와 감정을 결정하는 전반적인 스토리텔링을 담당한다. 작가는 영화, 텔레비전 드라마, 연극, 라디오 드라마 등 매체의 특성에 맞춰 대본의 형식과 내용을 조정해야 한다.

작가의 작업은 단독으로 이루어지기도 하지만, 특히 텔레비전 드라마의 경우 작가실 시스템 하에서 여러 작가가 협업하는 경우가 많다. 이때는 총괄 작가나 쇼러너가 전체적인 스토리 라인과 방향성을 설정하고, 다른 작가들이 개별 에피소드의 대본을 분담하여 작성하기도 한다. 또한, 기존의 소설이나 만화, 실제 사건을 바탕으로 각색을 하는 각색가도 중요한 작가의 한 유형이다. 각색가는 원작의 핵심을 유지하면서도 새로운 매체의 언어와 형식에 맞게 이야기를 재창조해야 하는 과제를 안는다.

작가가 되기 위한 공식적인 자격은 따로 없지만, 대개 글쓰기 능력과 함께 인간과 사회에 대한 깊은 이해, 풍부한 상상력, 그리고 치밀한 구성력이 요구된다. 많은 작가들이 관련 학과에서 공부하거나, 작가 양성 프로그램을 수료하며 기초를 다진다. 그러나 궁극적으로는 자신의 대본이 실제로 제작되어 관객의 반응을 확인하는 것이 가장 중요한 경험이다. 작가는 대본을 완성한 후에도 제작 과정에서 발생하는 다양한 요구사항에 따라 수많은 리라이팅을 거치며, 연출가나 프로듀서, 배우와의 협업을 통해 작품을 다듬어 나간다.

각색가는 소설, 만화, 실화, 기존의 다른 매체 작품 등을 드라마 대본 형식으로 재창작하는 전문가이다. 원작의 핵심 정신과 매력을 유지하면서도 영화, 텔레비전 드라마, 연극 등 새로운 매체의 특성에 맞게 이야기 구조, 캐릭터, 대사, 시퀀스 등을 변형하고 재구성하는 작업을 담당한다. 이 과정에서 원작에는 없던 새로운 장면을 창조하거나, 인물 관계를 조정하며, 매체별 제약과 가능성을 고려한 서사적 변용을 수행한다.

각색 작업은 단순한 번역을 넘어 하나의 독립적인 창작 행위로 간주된다. 각색가는 원작을 분석하여 각색 가능성을 평가하고, 제작사와 연출가의 의도를 반영하며, 최종적으로 제작에 바로 활용될 수 있는 실용적인 대본을 완성해야 한다. 특히 장편 소설을 2시간 영화로 압축하거나, 시리즈물의 에피소드를 구성할 때는 원작의 서사를 선택과 집중하는 능력이 요구된다. 이는 트리트먼트 단계에서 각색의 방향성을 설정하는 데서 시작되어, 리라이팅 과정을 거쳐 완성도 높은 촬영 대본으로 구체화된다.

각색가는 작가의 한 분야로, 때로는 원작자 자신이 각색을 맡기도 하지만, 대부분 해당 매체의 전문 작가가 협업한다. 영화 산업과 방송 산업에서 각색가는 매우 중요한 역할을 하며, 아카데미 시상식을 비롯한 주요 시상식에는 최우수 각색상 부문이 별도로 마련되어 있다. 이는 각색 작업의 예술적 가치와 창의성을 인정하는 것이다.

스토리 에디터는 드라마 제작 과정에서 대본의 질적 완성도를 책임지는 핵심 창작 직군이다. 주로 텔레비전 드라마 시리즈나 OTT 시리즈물에서 활약하며, 전체 시즌 또는 시리즈의 스토리 아크와 각 에피소드의 극적 일관성을 총괄 관리하는 역할을 맡는다. 이들은 여러 명의 작가가 참여하는 작가실 체제에서 스토리의 방향성을 설정하고, 개별 작가들이 작성한 대본 초고를 검토하며 수정 방향을 제시하는 등 창작의 질 관리자로서 기능한다.

스토리 에디터의 주요 업무는 시리즈의 전체적인 시놉시스와 각 에피소드의 개요를 기획하고, 작가들에게 트리트먼트 작성 지침을 제공하는 것이다. 또한 작성된 대본의 플롯 논리, 캐릭터 설정의 일관성, 대사의 개성을 점검하고 필요한 리라이팅을 직접 수행하거나 작가에게 요청한다. 제작사와 방송사의 요구사항을 창작 팀에 전달하고, 반대로 작가진의 창의적 의견을 제작 측에 전파하는 가교 역할도 중요하게 수행한다.

이 직책은 종종 수석 작가나 총괄 프로듀서의 역할과 중복되거나 밀접하게 연관되어 있다. 많은 경우 스토리 에디터는 경험이 풍부한 작가가 겸임하며, 드라마의 성공 여부에 직접적인 영향을 미치는 중요한 포지션으로 인정받는다. 특히 장기간 방영되는 시즌제 드라마에서는 캐릭터의 성장과 스토리의 장기적인 전개를 설계하는 데 있어 스토리 에디터의 역량이 결정적이다.

관련 직업으로는 특정 에피소드의 대본을 집필하는 작가, 원작 소설이나 만화 등을 드라마 대본으로 재창작하는 각색가 등이 있으며, 이들은 모두 스토리 에디터의 관리와 조율 아래 협업하게 된다.