동방신기 (록 넘버 활동)

동방신기의 음악적 성향은 데뷔 초기부터 발라드와 댄스 팝을 중심으로 하면서도, 강렬한 일렉트릭 기타 리프와 드라이브감 있는 드럼 비트를 적극적으로 편입하는 특징을 보였다. 이는 당시 대중적인 K-Pop 아이돌 그룹의 전형적인 사운드에서 벗어난 시도였다. 그들의 접근법은 순수 하드 록이나 헤비 메탈을 표방하기보다, 팝 멜로디에 록의 에너지와 연주 방식을 접목하는 팝 록 또는 얼터너티브 록의 색채에 가까웠다.

이러한 록 사운드에 대한 접근은 단순한 편곡의 변화를 넘어, 곡의 구성과 퍼포먼스에까지 영향을 미쳤다. 예를 들어, 후렴구 이후에 등장하는 기타 솔로 파트를 확장하거나, 브릿지 구간에서 보컬의 소울풀한 창법과 고음 샤우팅을 도입하는 방식이었다. 또한, 신시사이저 위주의 전자음보다는 라이브 악기 사운드를 전면에 내세워 곡에 생동감과 날카로움을 더했다.

그들의 음악적 선택은 소속사 SM 엔터테인먼트의 프로듀싱 시스템 내에서 이뤄졌지만, 멤버들의 개인적 음악 취향과도 무관하지 않았다. 특히 일본 활동을 통해 J-Rock 및 비주얼계 밴드들의 음악과 퍼포먼스를 접하며, 아이돌과 밴드의 경계를 넘나드는 새로운 가능성을 모색하는 계기가 되었다[1]. 이는 결국 동방신기가 '아이돌 밴드'라는 독자적인 장르 정체성을 구축하는 데 중요한 토대가 되었다.

일본 진출 초기인 2005년부터 2006년에 걸쳐, 동방신기는 주로 댄스 팝 넘버와 발라드를 중심으로 활동하며 아이돌 그룹으로 자리매김했다. 그러나 2007년 발매된 일본 네 번째 싱글 〈Lovin' you〉의 커플링곡 〈[Sky](Sky "wikilink")〉와 다섯 번째 싱글 〈Summer Dream/Song for you/Love in the Ice〉의 〈[Song for you](Song for you "wikilink")〉 등을 통해 록 사운드에 대한 본격적인 실험을 시작했다. 이 시기의 곡들은 팝 록의 감성을 담고 있었으며, 기존의 아이돌 이미지에 밴드적인 색채를 더하는 계기가 되었다.

2008년 발매된 일본 첫 정규 앨범 《T》는 그들의 록 넘버 활동에 있어 중요한 전환점이었다. 앨범에는 〈[Keyword](Keyword "wikilink")〉, 〈[NO PAIN NO GAIN](NO PAIN NO GAIN "wikilink")〉, 〈[CLAP!](CLAP! "wikilink")〉 등 강렬한 일렉트릭 기타 리프와 드라이빙한 비트가 특징인 록 트랙들이 다수 수록되었다. 특히 〈[Purple Line](Purple Line "wikilink")〉은 하드 록과 일렉트로닉 요소를 결합한 곡으로, 일본 오리콘 차트 1위를 기록하며 음악성과 대중성을 모두 입증했다. 이 앨범을 통해 동방신기는 단순한 '노래하는 아이돌'을 넘어 '퍼포먼스를 하는 밴드'라는 이미지를 일본 시장에 각인시키기 시작했다.

이후 그들의 일본 활동은 록 사운드를 더욱 공고히 했다. 2009년 싱글 〈Survivor〉와 〈[Share The World](Share The World "wikilink")/We are!〉는 애니메이션 타이업 곡으로서의 접근성과 함께 록의 에너지를 유지했다. 2010년 정규 앨범 《Best Selection 2010》에 새롭게 수록된 〈[Toki o Tomete](Toki o Tomete "wikilink")〉는 프로그레시브 록의 영향을 받은 서사적인 구성을 보여주었다. 일본에서의 이러한 음악적 방향성은 그룹의 정체성을 '아이돌 밴드'로 재정립하는 데 결정적인 역할을 했다.

동방신기의 정규 앨범에는 그들의 록 넘버 활동을 대표하는 여러 곡들이 수록되어 있다. 특히 일본 정규 앨범에서 이러한 시도가 두드러지는데, TONE (2011), TIME (2013), TREE (2014) 앨범이 대표적이다.

이들 앨범에는 강렬한 일렉트릭 기타 리프와 드라이빙한 리듬을 기반으로 한 록 넘버들이 다수 포함되어 있다. 예를 들어, 'TONE' 앨범의 수록곡 〈Back to Tomorrow〉는 팝 펑크의 에너지를, 〈B.U.T (BE-AU-TY)〉는 신스 록의 요소를 가미한 업템포 넘버이다. 후기 앨범인 'TIME'의 〈Fated〉나 'TREE'의 〈Cheering〉 역시 밴드 사운드의 전면에 내세운 록 발라드와 팝 록 스타일을 보여준다.

한국 정규 앨범에서는 4집 〈주문 - Mirotic〉 (2008)의 〈사랑 안에서〉나 5집 〈왜 (Keep Your Head Down)〉 (2011)의 〈MAXIMUM〉 같은 곡들이 하드 록과 얼터너티브 록의 영향을 받은 구성으로, 아이돌 그룹의 음악 스펙트럼을 확장했다는 평가를 받았다[2].

이러한 정규 앨범 내 수록곡들은 단순한 싱글 활동을 넘어, 그룹이 구축하고자 한 음악적 정체성과 아이돌 밴드로서의 다각화된 모습을 집약적으로 보여주는 사례이다.

동방신기는 정규 앨범 외에도 싱글 발매와 콘서트 무대를 통해 록 넘버를 적극적으로 선보였다. 특히 일본에서 발매한 싱글에는 강렬한 록 사운드를 기반으로 한 곡들이 다수 포함되어, 그들의 밴드로서의 정체성을 강화하는 데 기여했다. 대표적으로 2008년 발매된 일본 싱글 〈주문 -MIROTIC-〉의 커플링 곡 〈잊지 말아줘 (Wasurenaide)〉는 팝 록 스타일의 멜로디와 에모셔널한 보컬이 특징이다. 또한 2010년 싱글 〈시간을 멈춰서 (Toki o Tomete)〉는 밴드 사운드와 오케스트라를 결합한 웅장한 록 발라드로 호평을 받았다.

콘서트 퍼포먼스는 동방신기의 록 넘버를 가장 생생하게 경험할 수 있는 장이었다. 그들은 단순한 노래 부름을 넘어서 밴드 멤버로서의 모습을 무대에 구현했다. 대표적인 예로 〈Rising Sun〉, 〈"O"-정.반.합〉, 〈주문 -MIROTIC-〉과 같은 강렬한 타이틀 곡들을 라이브에서 편곡하여 더욱 격렬한 록 버전으로 연주하기도 했다. 특히 〈태양은 가득히 (Somebody To Love)〉의 라이브 버전은 기존 팝적인 편곡에서 벗어나 하드 록에 가까운 강렬한 기타 리프와 드럼 연주가 돋보였다.

주요 투어에서 록 넘버는 공연의 하이라이트를 장식하는 경우가 많았다. 예를 들어, 4집 리패키지 앨범 수록곡 〈악녀 (Are You A Good Girl?)〉는 콘서트에서 확장된 기타 솔로와 멤버들의 악기 연주 퍼포먼스가 더해져 완성도 높은 무대를 선보였다. 아래는 대표적인 콘서트에서 선보인 주요 록 넘버 퍼포먼스 목록이다.

이러한 싱글 수록곡과 콘서트 한정 퍼포먼스는 그들의 음악 스펙트럼을 넓혔을 뿐만 아니라, 팬들에게는 아이돌이 아닌 하나의 밴드로서 동방신기를 인식하는 중요한 계기를 제공했다.

동방신기의 록 넘버 공연은 대규모 스테이지 세트와 다이내믹한 무브먼트를 특징으로 한다. 공연장 전면을 가로지르는 확장형 메인 스테이지와 중앙에 위치한 원형 또는 직사각형의 서브 스테이지를 조합하여 사용한다. 이는 멤버들이 관객과 더 가까이에서 상호작용할 수 있도록 설계되었으며, 특히 라이브 밴드 세션과의 조화를 위한 공간 배치가 두드러진다.

무대 연출은 곡의 분위기에 따라 급격히 변화한다. 발라드 넘버에서는 집중 조명과 미니멀한 세트가 사용되는 반면, 록 넘버에서는 레이저, 화염, 분수, 대량의 컨페티 등 다양한 특수 효과가 동원된다. 대표적인 예로 〈Tri-Angle〉이나 〈Rising Sun〉 공연에서는 강렬한 드럼 솔로와 기타 리프에 맞춰 화염이 분출되는 연출이 정점을 형성한다. 무대 위에는 이동식 장치나 리프트가 설치되어 멤버들의 고공 등장 또는 급강하 퍼포먼스를 가능하게 한다.

공연의 흐름은 보통 서사적 구조를 가진다. 공격적인 록 넘버로 시작하여 중간에 멤버별 솔로 무대나 악기 연주 세션을 배치한 후, 후반부에 다시 강력한 넘버들로 클라이맥스를 구성하는 방식이다. 특히 밴드 세션과의 협업은 핵심 요소로, 무대 후방 또는 측면에 위치한 라이브 밴드 멤버들과의 즉흥적 인터랙션이 공연의 생동감을 더한다.

동방신기의 라이브 공연에서 록 넘버를 연주할 때, 멤버들의 악기 연주와 보컬 배치는 전통적인 아이돌 그룹의 퍼포먼스와 차별화된 밴드의 모습을 구현하는 핵심 요소였다. 특히 정규 콘서트나 라이브 투어에서는 멤버들이 직접 일렉트릭 기타, 베이스 기타, 드럼, 키보드 등을 연주하며 무대를 구성했다. 유노윤호는 주로 기타를, 시아준수는 드럼을 담당하는 경우가 많았으며, 최강창민은 키보드나 퍼커션을 연주하기도 했다. 이는 단순한 춤과 노래를 넘어서는 종합적인 음악적 퍼포먼스를 선보이며, 그룹의 다재다능함과 실력을 증명하는 장치로 작용했다.

보컬 배치 측면에서는 록 넘버의 강렬한 에너지와 감정을 효과적으로 전달하기 위해 기존의 하모니 구조를 변형하여 적용했다. 시아준수의 파워풀한 고음과 샤우팅은 곡의 클라이맥스를 책임졌고, 영웅재중의 감성적인 중저음 보컬은 서정적인 부분을 강조했다. 믹키유천과 유노윤호는 랩이나 리듬감 있는 보컬 파트를, 최강창민은 안정적인 고음과 하모니를 담당하며 다섯 멤버의 보컬 색채가 록 장르 안에서 조화를 이루었다. 특히 라이브 시에는 멤버들이 악기를 연주하면서도 안정적인 보컬을 유지해야 하는 높은 난이도의 퍼포먼스를 선보였다.

이러한 악기 연주와 보컬의 결합은 무대를 더욱 역동적으로 만들었다. 멤버들이 무대 중앙에 모여 어쿠스틱 세션을 펼치거나, 각자 지정된 악기 포지션에서 연주하며 밴드의 일원으로서의 모습을 보여주는 구성이 빈번했다. 이는 팬들에게는新鮮한 볼거리를, 음악적 깊이를 찾는 관객에게는 그룹의 진정성을 느끼게 하는 요소였다. 결과적으로, 동방신기의 록 넘버 공연은 단순한 '노래하는 아이돌'이 아닌 '연주하고 표현하는 뮤지션'으로서의 정체성을 확립하는 데 기여했다.

동방신기의 록 넘버에서 보컬 파트 배분은 멤버들의 음색과 가창력 특성을 전략적으로 활용하여 곡의 다채로움과 극적 긴장감을 높이는 데 중점을 두었다. 일반적으로 유노윤호와 최강창민이 주로 메인 보컬 파트를 담당하며, 특히 고음과 파워풀한 애드리브 섹션은 최강창민이 맡는 경우가 많았다. 영웅재중, 믹키유천, 시아준수는 주로 서브 보컬과 하모니 파트를 분담하며, 중저음의 안정감이나 감정을 부각하는 브릿지 섹션을 처리하는 식으로 배분되었다.

특정 곡의 성격에 따라 파트 배분이 유동적으로 변화하기도 했다. 예를 들어, 서정적인 록 발라드에서는 시아준수의 감성적인 음색이 두드러지는 파트가 부여되었고, 하드 록 성향이 강한 곡에서는 유노윤호와 최강창민의 강렬한 듀엣 구도가 자주 활용되었다. 이는 단순히 음역대에 따른 배분을 넘어, 각 멤버의 보컬 컬러가 곡의 내러티브에 어떻게 기여할지를 고려한 결과였다.

라이브 공연에서의 파트 배분은 스튜디오 버전과 차이를 보이기도 했다. 멤버들의 체력 분배와 무대 이동을 고려하여 일부 파트가 교체되거나, 즉흥적인 애드리브와 하모니가 추가되는 경우가 있었다. 특히 콘서트의 연속 공연에서는 보컬의 지속력을 유지하기 위해 고난이도 파트를 여러 멤버가 돌아가며 소화하는 모습도 확인할 수 있었다.

이러한 파트 배분 전략은 동방신기의 록 넘버가 단순한 아이돌 그룹의 노래를 넘어, 하나의 완성된 밴드 사운드처럼 들리게 하는 데 기여했다. 각 멤버의 목소리가 악기의 파트처럼 기능하며, 곡 전체의 음악적 완성도를 높이는 구조를 만들었다.

멤버들은 동방신기의 록 넘버 활동에서 보컬 외에도 직접 악기 연주를 통해 음악적 완성도를 높였다. 특히 라이브 공연에서의 악기 연주는 그들의 밴드로서의 정체성을 강화하는 중요한 요소였다.

주요 멤버들의 악기 연주 참여는 다음과 같았다.

유노윤호는 기타와 베이스 기타 연주에 가장 적극적으로 참여했다. 그는 "Rising Sun"이나 "Hey! (Don't Bring Me Down)" 같은 강렬한 록 넘버의 라이브에서 기타 연주를 선보이며 무대의 에너지를 주도했다. 시아준수와 믹키유천은 주로 피아노 연주를 담당하여 발라드 넘버나 음악적 인터루드에서 감성적인 연주를 보여주었다.

이러한 악기 연주 참여는 단순한 퍼포먼스를 넘어, 멤버들이 곡의 연출과 해석에 직접 관여한다는 점에서 의미가 있었다. 특히 일본 활동 시기의 콘서트에서는 멤버들이 악기를 들고 연주하는 모습이 자주 등장하여, 아이돌 그룹이 아닌 하나의 밴드로서의 이미지를 구축하는 데 기여했다. 다만, 모든 곡이나 공연에서 완전한 라이브 밴드 형식을 취한 것은 아니었고, 주요 퍼포먼스 곡이나 특별 무대에서 선택적으로 악기 연주를 선보이는 방식이었다.

음악 평론가들은 동방신기의 록 넘버 활동을 K-Pop 아이돌 그룹의 음악적 한계를 확장한 시도로 평가하는 경우가 많다. 특히 초기 활동에서 보여준 강렬한 퍼포먼스와 록 사운드를 접목한 시도는 당시 대중음악 평단의 주목을 받았다. 평론가들은 그들의 음악이 단순한 아이돌 팝을 넘어서는 밴드로서의 가능성을 보여주었다고 지적한다.

일부 평론은 보컬 라인인 영웅재중, 믹키유천, 시아준수의 강력한 가창력이 록 장르의 에너지를 소화하는 데 핵심 역할을 했다고 분석한다. 특히 고음과 파워풀한 창법은 록 발라드나 팝 록 넘버에서 효과적으로 작용했다는 평가다. 반면, 초기 일부 곡에서는 아이돌 그룹의 이미지와 록의 본질적 거리가 완전히 좁혀지지 않았다는 지적도 존재한다.

록 넘버에 대한 평가는 일본 활동을 기점으로 더욱 구체화되는 경향을 보인다. 일본에서 발매한 정규 앨범 수록곡들에 대해 평론가들은 보다 정제된 밴드 사운드와 멤버들의 악기 연주 참여를 긍정적으로 언급한다. 이 시기의 활동은 단순한 컨셉을 넘어 음악적 성장을 보여주는 증거로 해석되기도 했다.

전반적으로 평론계는 동방신기의 록 넘버 활동을 당시 K-Pop 장르 다양화의 선구적 사례로 위치 짓는다. 그들의 실험이 이후 등장하는 여러 아이돌 밴드나 록 사운드를 도입하는 보이 그룹에게 길을 열어주었다는 점에서 의미를 부여한다.

동방신기의 록 넘버 활동에 대한 국내 팬들의 초기 반응은 다소 엇갈렸다. 기존의 강렬한 퍼포먼스와 팝 발라드로 고정된 이미지에서 벗어난 변화였기 때문이다. 일부 팬들은 새로운 시도에 호기심을 보였지만, 다른 팬들은 익숙한 음악 스타일에서 벗어나는 것을 아쉬워하기도 했다. 그러나 《[Rising Sun](Rising Sun (노래))》이나 《[Tri-Angle](Tri-Angle)》과 같은 곡들의 강렬한 라이브 퍼포먼스가 공개되면서, 록 사운드가 가진 에너지와 무대 매력에 점차 주목받기 시작했다.

해외, 특히 일본 팬덤의 반응은 상대적으로 빠르고 긍정적으로 형성되었다. 일본에서는 데뷔 초기부터 밴드 형태의 활동과 록, R&B 장르에 대한 접근이 두드러졌기 때문이다. 《[Somebody To Love](Somebody To Love (동방신기의 노래))》나 《[Sky](Sky (동방신기의 노래))》 같은 싱글을 통해 제시된 밴드 이미지는 일본 시장에서 그들의 정체성을 확고히 하는 데 기여했다. 일본 아레나 투어 등 대형 공연에서의 생악기 라이브 연주는 현지 팬들에게 프로페셔널한 가수로서의 신뢰를 심어주었다.

시간이 지나며 국내에서도 그들의 록 넘버는 콘서트의 하이라이트로 자리 잡았다. 《[왜 (Keep Your Head Down)](왜 (Keep Your Head Down))》이나 《[Catch Me](Catch Me (동방신기의 노래))》 같은 후기 곡들은 더욱 정제된 록 사운드를 선보이며 음악적 성장을 보여주었다. 온라인 커뮤니티와 팬 카페에서는 멤버들의 라이브 보컬 안정성과 악기 연주 모습에 대한 논의가 활발히 이루어졌다. 이는 단순한 아이돌 퍼포먼스를 넘어 음악성 자체에 대한 평가로 이어지는 계기가 되었다.

전반적으로 팬덤 내에서는 동방신기의 록 넘버 활동을 '도전'과 '진화'의 상징으로 바라보는 시각이 굳어졌다. 이 활동은 그들이 장르의 제약 없이 음악적 스펙트럼을 확장해 나가는 모습을 증명함으로써, 장기적인 팬덤 유지와 음악적 권위 구축에 중요한 역할을 했다는 평가를 받는다.

동방신기의 록 넘버 활동은 K-Pop 내에서 아이돌 그룹이 록 음악 장르를 본격적으로 탐구하고 대중화하는 데 중요한 역할을 했다. 당시 K-Pop의 주류는 댄스 팝과 발라드에 집중되어 있었으며, 록 사운드는 주로 전문 록 밴드나 인디씬의 영역으로 여겨졌다. 동방신기는 대형 기획사 소속의 대중적 아이돌 그룹으로서, 정규 앨범에 록 넘버를 꾸준히 수록하고 대형 콘서트 무대에서 이를 퍼포먼스로 선보이며 장르의 경계를 확장했다.

이러한 시도는 K-Pop 산업 내에서 '아이돌 밴드'라는 하위 장르의 가능성을 보여주었다. 그들의 활동은 록의 에너지와 아이돌의 완성도 높은 퍼포먼스를 결합한 새로운 형식을 제시했으며, 이는 기존 팬층뿐만 아니라 록 음악에 관심이 있던 다른 계층의 청중에게도 접근할 수 있는 통로를 만들었다. 후에 등장하는 많은 아이돌 그룹들이 정규 앨범에 록 또는 밴드 사운드를 차용한 곡을 수록하는 경향이 강화되는 데 영향을 미쳤다.

다음은 동방신기의 주요 록 넘버 활동이 K-Pop 장르 확장에 기여한 측면을 정리한 표다.

결국, 동방신기의 록 넘버 활동은 K-Pop이 하나의 고정된 장르가 아닌 다양한 음악적 요소를 흡수하고 재해석하는 유연한 문화 코드로 자리매김하는 과정에 기여한 사례 중 하나로 평가된다. 이는 이후 FT아일랜드, CNBLUE 같은 밴드 형식 아이돌의 등장과 더불어, 방탄소년단, 세븐틴 등 수많은 후대 그룹들이 록 사운드를 자신들의 음악에 적극적으로 도입하는 토대를 마련하는 데 영향을 끼쳤다.

동방신기의 록 넘버 활동은 이후 데뷔하는 여러 아이돌 밴드에게 음악적 스펙트럼을 확장하는 하나의 가능성을 제시했다. 특히 보컬 중심의 아이돌 그룹이 록 사운드를 자신들의 음악에 도입하는 사례가 늘어나는 데 영향을 미쳤다. FT아일랜드와 CNBLUE처럼 록을 주요 장르로 삼은 밴드 형식 아이돌의 등장 이전에, 대형 아이돌 그룹이 정규 앨범에 록 넘버를 적극 수록하고 콘서트에서 라이브 밴드 퍼포먼스를 선보인 것은 중요한 선례가 되었다.

2010년대 중반 이후 데뷔한 4세대 아이돌 밴드들은 동방신기의 활동을 간접적으로 참고한 흔적을 보인다. 엔플라잉과 디에이치는 아이돌 밴드로서 록, 팝 록 장르를 기반으로 하면서도 강렬한 퍼포먼스와 안정적인 라이브 실력을 강조하는 방향성을 취했다. 이는 아이돌과 록 뮤지션의 이미지를 결합한 선구적 사례였던 동방신기의 록 넘버 활동의 연장선상에 있다고 볼 수 있다. 또한 더보이즈나 스트레이 키즈와 같은 퍼포먼스 중심의 아이돌 그룹도 정규 앨범에 일렉트릭 기타 리프가 두드러지는 강렬한 록 사운드의 수록곡을 포함시키는 경우가 빈번해졌다.

라이브 공연 측면에서도 그 영향이 나타난다. 동방신기가 대형 스타디움 투어에서 완성도 높은 라이브 밴드 세션과 함께 록 넘버를 공연한 방식은, 아이돌 콘서트가 단순한 MR과 안무 위주의 쇼가 아닌 생동감 있는 음악적 공연이 될 수 있음을 증명했다. 이후 많은 아이돌 그룹들이 콘서트의 하이라이트 무대를 위해 라이브 밴드 편성을 도입하거나 멤버들이 직접 악기를 연주하는 특별 스테이지를 구성하는 경향이 강화되었다.

요컨대, 동방신기의 록 넘버 활동은 K-Pop 아이돌 밴드의 장르적 정의를 '춤과 노래 위주의 그룹'에서 '라이브 퍼포먼스와 음악적 실력을 겸비한 그룹'으로 확장하는 데 기여했다. 이는 후대 아이돌 밴드들이 더 다양하고 실험적인 음악적 시도를 하는 데 있어 하나의 이정표 역할을 했다고 평가할 수 있다.