가구야 공주 이야기 (r1)

다카하타 이사오 감독이 스튜디오 지브리에서 연출한 마지막 장편 애니메이션 영화이다. 다카하타 감독은 약 10년간의 공백기를 거쳐, 일본 고전 문학 다케토리 모노가타리를 원작으로 한 이 작품을 통해 복귀를 선언했다. 원작의 환상적 요소와 인간 드라마에 매료된 것이 제작의 직접적인 계기가 되었다.

제작은 2005년경부터 구상되기 시작했으나, 완성까지 약 8년이라는 긴 시간이 소요되었다. 이는 다카하타 감독이 기존의 셀 애니메이션 기법을 뛰어넘는 새로운 시각적 표현을 추구했기 때문이다. 그는 수채화와 동양화의 느낌을 살린, 마치 그림이 살아 움직이는 듯한 독특한 화풍을 구현하고자 했다. 이를 위해 배경과 캐릭터를 분리하지 않고 하나의 그림처럼 통합하여 그리는 혁신적인 기법이 개발되어야 했다.

이 야심찬 시도는 기술적 난관으로 이어졌다. 기존의 디지털 애니메이션 공정으로는 구현이 어려워, 스튜디오 지브리의 핵심 스태프들이 새로운 소프트웨어와 작업 방식을 고안해야 했다. 결과적으로, 영화의 1초당 24장의 그림 대부분이 수작업으로 세밀하게 제작되는 엄청난 노동 집약적 과정을 거쳤다. 이로 인해 제작 일정은 크게 지연되었고, 예산도 초과되었다.

영화는 2013년 11월 23일 일본에서 개봉했다. 당시 다카하타 감독은 78세의 고령이었으며, 이 작품은 그의 장편 애니메이션 연출로서는 유작이 되었다[2].

다케토리 모노가타리는 10세기 경에 성립된 일본의 고전 설화로, 가구야 공주 이야기의 원작이다. 스튜디오 지브리의 영화는 이 고전을 바탕으로 하되, 이야기의 초점과 세부 내용에서 상당한 차이를 보인다.

가장 두드러진 차이점은 주인공 가구야 공주의 동기와 성격이다. 원작에서 가구야 공주는 지상에 죄를 짓고 추방된 월인(月人)으로, 지상 생활 자체가 일종의 형벌이다. 그녀가 다섯 명의 구혼자들에게 불가능한 과제를 내는 것은 단순히 결혼을 거부하기 위한 수단이다. 반면, 영화에서는 그녀가 지상 세계를 스스로 선택한 존재로 등장하며, 산노우에와의 유년기 추억과 인간에 대한 애정이 이야기의 핵심 동력이 된다. 그녀가 과제를 내는 것은 구혼자들의 진심을 시험하기 위한 것이 아니라, 그들을 좌절시켜 물리치기 위한 고의적인 행위로 그려진다.

등장인물과 줄거리 구성에서도 변화가 있다. 원작의 다섯 구혼자는 대체로 이름만 있는 상징적 인물이지만, 영화에서는 각각의 성격과 약점이 부각되어 풍자와 유머의 소재가 된다. 또한, 원작에는 등장하지 않는 사기리와 산노우에의 부모인 오쿠라와 메노가 중요한 조연으로 추가되어, 가구야 공주가 자란 인간 가족의 따뜻함과 서민의 삶을 생생하게 보여준다. 결말 부분에서도 차이가 있는데, 원작에서는 황제의 군대가 가구야 공주를 잡으려 하나 실패하는 에피소드가 있으나, 영화에서는 이 부분이 생략되고 월인들의 강제적인 귀환과 가구야 공주와 산노우에의 이별 정서에 더욱 집중한다.

이러한 변화를 통해 영화는 고전 설화의 기본 골격을 유지하면서도, 운명에 맞서는 개인의 자유의지, 순수한 사랑과 우정의 가치, 그리고 인간 세계의 소중함이라는 현대적인 주제를 깊이 있게 탐구한다.

가구야 공주는 대나무 채취꾼인 산노우에가 빛나는 대나무 속에서 발견한 아주 작은 여자아이이다. 산노우에와 그의 아내 사기리는 그녀를 키우며 '나야타케노 가구야히메'라는 이름을 지어준다. 가구야는 보통 아이와 달리 매우 빠르게 성장하며, 그녀가 있는 곳에서는 대나무가 금빛으로 변하고 금과 비단이 생겨나는 기적 같은 일이 벌어진다.

이 소문은 궁중까지 퍼져, 다섯 명의 고귀한 구혼자들이 가구야에게 청혼을 하게 된다. 가구야 공주는 그들에게 불가능해 보이는 시련을 부여하며, 진정한 마음을 시험한다. 그녀가 요구한 다섯 가지 보물은 다음과 같다.

모든 구혼자들이 시련에 실패한 후, 미카도 황제까지 그녀의 아름다움에 빠져 궁으로 불러들인다. 그러나 가구야는 황제의 청혼도 단호히 거절한다. 그녀는 점점 우울해지고, 보름달을 바라보며 눈물을 흘리는 날이 많아진다. 결국 가구야는 자신이 달나라에서 온 존재이며, 보름달이 뜨는 그날 밤에 고향으로 돌아가야 할 운명임을 고백한다.

가구야 공주가 지상의 기억을 지우고 달로 돌아가는 결말은 여러 층위로 해석될 수 있다. 가장 직접적인 해석은 운명에 대한 순응과 희생이다. 그녀는 자신의 본래 신분과 임무를 거부할 수 없었으며, 지상의 삶과 사랑하는 사람들을 떠나야 하는 비극적 운명을 받아들인다. 이는 타케토리 이야기 원작의 결말을 충실히 따르면서도, 지브리 특유의 감성으로 한층 깊이 있게 재현한 부분이다.

또 다른 해석은 자유 의지의 상실과 기억의 소멸에 초점을 맞춘다. 가구야 공주는 달로 돌아가기 직전, 지상에서의 모든 기억을 잊게 되는 '망각의 천의'를 입는다. 이는 단순한 이별을 넘어, 그녀가 경험한 사랑, 슬픔, 기쁨이라는 정체성의 근간 자체가 지워지는 것을 의미한다. 그녀가 산노우에에게 건네는 엘릭서는 그녀의 존재가 완전히 소멸하기 전, 자신이 존재했음을 증명하는 마지막 유산이 된다.

마지막 장면에서 지상의 산노우에와 사기리 부부가 달을 바라보며 미소 짓는 모습은, 비극 속에서도 남은 위로로 읽힌다. 그들은 가구야를 영원히 잃었지만, 그녀와의 소중한 시간 자체는 부정할 수 없는 진실로 남아 있다. 결말은 완전한 해피엔딩도, 절망적인 엔딩도 아닌, 삶의 쓴맛과 아름다움이 공존하는 애틋한 여운을 남긴다.

가구야 공주는 일본 고전 설화 다케토리 이야기의 주인공이자, 스튜디오 지브리의 동명 애니메이션 영화의 중심 인물이다. 그녀는 대나무 속에서 발견되어 대나무 장인 산노우에와 그의 아내 사기리에 의해 양육된 신비로운 존재이다. 영화에서 그녀는 단순히 달나라에서 온 공주를 넘어, 인간 세계에서의 삶과 감정, 그리고 자신의 운명을 고뇌하는 복잡한 캐릭터로 그려진다.

그녀는 빠르게 성장하여 뛰어난 미모를 지닌 여성으로 자라나며, 미츠이와라는 이름을 얻는다. 다섯 명의 고귀한 구혼자들이 그녀에게 접근하지만, 가구야는 그들의 진정성을 시험하기 위해 불가능해 보이는 과제들을 내준다. 이 과정은 그녀가 인간 사회의 허위와 욕망을 꿰뚫어 보는 통찰력을 지니고 있음을 보여준다. 그러나 동시에 그녀는 양부모와의 유대, 그리고 농촌 청년 스테마루에 대한 순수한 애정을 통해 인간적인 감정을 배워나간다.

달나라에서 온 그녀의 진정한 정체가 밝혀지면서, 가구야는 지상에서의 삶과 사랑을 포기하고 달로 돌아가야 하는 운명과 맞닥뜨린다. 이 갈등은 영화의 핵심 주제인 자유와 운명의 대립을 상징한다. 그녀의 최후의 선택은 인간으로서의 기억과 감정을 소중히 여기지만, 초월적인 존재로서의 본질을 거스를 수 없음을 드러내는 비극적인 결말로 이어진다.

가구야 공주의 미모와 명성을 듣고 결혼을 청하기 위해 찾아오는 다섯 명의 귀공자들이다. 그들은 각각 후지와라노 미치타카, 이소노카미노 마로타키, 오오토모노 미무라지, 이소노카미노 이쿠타, 아베노 마무시라는 이름을 가진 실존했던 역사적 인물들의 이름을 따왔다[4].

각 지원자는 가구야 공주가 내놓은 불가능해 보이는 난제를 해결하기 위해 고군분투한다. 그들이 받은 과제는 다음과 같다.

이들의 시도는 대부분 속임수, 실패, 또는 포기로 끝난다. 그들의 행동은 명예와 지위를 중시하는 귀족 사회의 허위와 허영을 풍자적으로 드러낸다. 가구야 공주는 그들이 진정한 마음보다는 자신의 아름다움과 소문에 이끌렸을 뿐임을 간파하고, 그들을 시험하는 방식으로 그들의 본성을 드러내 보이게 한다.

이 에피소드들을 통해 작품은 외모와 사회적 지위에 기반한 사랑의 피상성, 그리고 인간의 욕망과 허영심을 비판적으로 조명한다. 지원자들의 실패는 가구야 공주가 지상 세계에서 진정한 이해와 연결을 찾지 못하는 이유 중 하나가 된다.

산노우에 노키보는 다케토리 모노가타리의 원작에도 등장하는 인물로, 가구야 공주의 양아버지이다. 그는 대나무를 베어 생활하는 소박한 대장장이이다. 대나무 속에서 가구야 공주를 발견한 후, 그녀를 친딸처럼 귀하게 키운다. 그는 금과 비단을 얻어 부자가 되었지만, 그보다는 가구야 공주가 행복하고 평범한 삶을 살기를 바라는 마음이 더 컸다. 결국 그는 공주의 진정한 소원을 이해하고, 그녀가 지상에 남아 인간으로 살기를 포기하도록 도와주는 역할을 한다.

사기리 노키보는 산노우에의 아내이자 가구야 공주의 양어머니이다. 그녀는 산노우에와 함께 대나무 속에서 발견된 작은 공주를 받아들여 정성껏 양육한다. 사기리는 공주를 자신의 몸에서 낳은 아이처럼 사랑하며, 그녀가 건강하게 자라기를 바란다. 특히 공주가 지상의 삶에 적응하고, 인간으로서의 행복을 찾도록 세심하게 돌본다. 그녀의 모성애는 공주가 지상에서 느끼는 유일한 가족의 온기를 제공한다.

이 두 인물은 가구야 공주의 지상 생활에서 가장 중요한 정서적 지주이다. 그들은 귀족이나 황족이 아닌 평범한 노동자 계층 출신으로, 공주의 진정한 행복이 권력이나 부가 아닌 소박한 사랑과 자유에 있다는 점을 상징한다. 그들의 존재는 이야기의 중심 갈등, 즉 천상의 운명과 지상의 인간적 유대 사이에서 공주가 겪는 고뇌를 더욱 극명하게 드러내게 한다.

가구야 공주의 이야기는 운명과 자유 의지 사이의 긴장 관계를 핵심 축으로 삼는다. 태초에 지상으로 추방된 벌을 받은 공주는 인간 세계에서 성장하며 금지된 사랑을 경험한다. 그러나 그녀의 본래 신분이 밝혀지면서, 월도로의 귀환은 피할 수 없는 운명으로 다가온다. 이 귀환 명령은 단순한 물리적 이동이 아니라, 그녀의 인간적 정체성과 감정을 지우고 본래의 신적 존재로 돌아가야 하는 절대적 숙명을 의미한다.

공주는 이 운명에 대해 적극적으로 저항한다. 그녀는 산노우에와의 인연을 지키기 위해, 그리고 자신이 사랑한 지상의 삶을 포기하지 않기 위해 불로불사의 약을 거부한다. 이 선택은 운명론적 세계관 속에서 개인의 자유 의지가 발휘되는 순간이다. 특히, 그녀가 월의 사자들에게 "나는 지상에 남겠다"라고 선언하는 장면은 외부에서 강요된 운명과 내면에서 우러나온 선택 사이의 갈등이 정점에 이른 지점이다.

그러나 이야기는 자유 의지의 완전한 승리로 끝나지 않는다. 가구야 공주는 결국 월로 떠나야 하며, 그 과정에서 산노우에에 대한 기억을 잃게 된다. 이 애매한 결말은 자유와 운명이 완전히 분리될 수 없는 복잡한 관계임을 시사한다. 그녀의 저항은 운명의 경로를 완전히 뒤바꾸지는 못했지만, 그 과정 자체가 그녀의 인간성과 사랑의 진실성을 증명하는 행위가 된다. 달로 돌아가는 운명을 받아들이는 순간에도, 그녀가 흘린 눈물은 그녀의 선택과 감정이 진실했음을 말해준다.

이러한 주제는 단순한 신화적 서사를 넘어, 모든 인간이 처해 있을 수 있는 보편적 딜레마를 반영한다. 사회적 기대, 가족의 압력, 혹은 타고난 환경과 같은 '운명'과, 그 속에서 자신의 길을 찾고자 하는 '자유'의 갈등은 현실의 문제이기도 하다. 가구야 공주의 이야기는 운명을 거스르는 행위의 가치가 반드시 성공에 있는 것이 아니라, 진실된 자신을 지키기 위한 투쟁 그 자체에 있음을 보여준다.

가구야 공주의 지상 생활과 달에서의 운명 사이에서, 사랑은 희생과 불가분의 관계로 나타난다. 지상에서의 사랑, 특히 산노우에와의 관계는 그녀가 자신의 본래 정체성을 포기하고 인간으로 남기로 선택할 수 있는 가능성을 상징한다. 그러나 그 선택은 동시에 그녀가 속한 달 세계의 법칙과 가족을 저버리는 것을 의미하며, 엄청난 대가를 요구한다.

반면, 달의 왕족으로서의 운명을 받아들이는 것은 지상에서 맺은 모든 유대와 사랑을 단절하는 희생을 수반한다. 그녀가 최종적으로 달로 돌아갈 때 입는 천인의 옷은 지상의 기억과 감정을 지워버리는 도구로, 사랑 그 자체를 포기하는 의식적 행위가 된다. 이 선택은 개인의 행복보다는 더 큰 질서나 의무에 대한 복종으로 해석될 수 있으며, 사랑이 때로는 자신을 희생시키는 형태로 구현됨을 보여준다.

주변 인물들의 사랑도 희생의 측면을 지닌다. 산노우에는 공주를 구하기 위해 목숨을 걸고 불사의 약을 찾아 나선다. 사기리와 이누베를 비롯한 시종들 역시 공주에 대한 깊은 애정으로 그녀의 고통을 함께 나누며 지킨다. 이러한 희생적 사랑은 가구야 공주가 겪는 내적 갈등을 더욱 깊게 만들며, 이야기의 비극적 정서를 강화한다.

결국, 이야기는 완전한 사랑이 순수한 기쁨만이 아닌 상실과 포기의 가능성을 내포하고 있음을 제시한다. 가구야 공주의 운명은 사랑의 대상(지상 또는 달)을 선택하는 것이, 다른 한쪽을 영원히 희생하는 것과 같다는 딜레마를 보여주며, 사랑의 본질에 대한 성찰을 촉구한다.

가구야 공주 이야기는 지구의 자연과 달나라의 인공적 세계를 대비시켜 자연의 소중함과 인간 삶의 가치를 조명한다. 이야기의 무대가 되는 지상은 풍요롭고 생명력이 넘치는 자연으로 가득 차 있다. 가구야는 대나무 숲에서 발견되어 인간 부부에게 키워지며, 땅에서 자라는 대나무와 함께 성장한다. 이는 그녀의 뿌리가 지구의 자연과 깊이 연결되어 있음을 상징한다. 반면 그녀의 고향인 달나라의 세계는 차갑고, 청결하며, 완벽한 질서 아래에 있지만 생명과 정서가 결여된 공간으로 묘사된다.

작품은 인간의 삶이 자연의 순환과 불가분의 관계에 있음을 강조한다. 등장인물들은 농사를 짓고, 나무를 베어 집을 짓고, 산에서 나물을 캐는 등 자연의 품에서 살아간다. 이러한 일상적 활동을 통해 자연과의 교감과 의존을 보여준다. 특히 가구야 공주의 양아버지인 산노우에가 대나무에서 금과 비단을 발견하는 장면은, 인간이 자연으로부터 풍요를 얻지만 동시에 탐욕에 빠질 수 있는 이중성을 암시한다.

자연은 단순한 배경이 아니라 이야기의 핵심적 동력으로 작용한다. 봄의 꽃놀이, 여름의 제등 축제, 가을의 단풍, 겨울의 눈과 같은 계절의 변화는 이야기의 서사를 이끌고 등장인물들의 감정을 반영한다. 가구야 공주가 지상 생활에서 느끼는 기쁨과 슬픔은 대부분 자연 경험과 결부되어 있다. 최후에는 달나라의 사자들이 그녀를 데려갈 때, 그녀는 지구의 자연과 그 안에서 살아가는 불완전하지만 따뜻한 인간들을 그리워한다. 이는 인공적 완벽함보다 자연 속의 불완전한 삶이 진정한 가치를 지닌다는 작품의 중심 메시지를 완성한다.

이 작품은 스튜디오 지브리의 장편 애니메이션 중 유일하게 타카하타 이사오가 감독을 맡았다. 그는 전통적인 수공예 기법에 대한 집착과 실험 정신으로 유명한데, 이 작품에서도 그러한 접근이 두드러진다.

작품의 시각적 스타일은 일본 고전 회화, 특히 에마키모노(絵巻物, 두루마리 그림)에서 강한 영감을 받았다. 배경은 수채화 같은 담백한 느낌을 주기 위해 실제 수채화 물감으로 채색된 배경을 스캔하여 사용하기도 했다. 캐릭터의 움직임은 기존 지브리 작품의 유연한 풀 애니메이션과는 달리, 의도적으로 딱딱하고 각진 느낌을 주어 고전 이야기의 분위기를 강조한다. 특히 등장인물들의 걸음걸이와 제스처는 노 가극과 같은 일본 전통 공연 예술의 동작을 참고하였다[5].

기술적으로는 전통 기법과 디지털 기술의 절묘한 조화를 보여준다. 대부분의 작화는 손으로 그려졌으나, 특정 장면에서는 CGI를 활용해 환상적인 효과를 창출했다. 예를 들어, 가구야 공주가 지상으로 내려올 때의 빛의 파동이나, 달의 세계에서의 기하학적인 공간 표현 등이 그 예이다. 또한, 작품 전체에 걸쳐 사용된 선의 질감은 디지털 작업으로 완성된 것이 아니라, 실제 종이와 붓, 먹을 사용한 드로잉을 기반으로 하여 독특한 생생함과 따뜻함을 부여했다.

하야오 미야자키가 구상한 이야기를 바탕으로, 이시이 모모가 작곡을 담당했다. 이시이 모모는 전통 일본 악기와 서양 오케스트라의 음향을 절묘하게 조화시켜, 이야기의 환상적이면서도 애절한 분위기를 깊이 있게 표현했다.

주요 악기로는 고토와 샤쿠하치가 두드러지게 사용된다. 고토는 가구야 공주의 우아함과 내면의 갈등을, 샤쿠하치는 자연의 정기와 이야기의 고대적 배경을 상징적으로 그려낸다. 특히 가구야 공주가 지상에서 달로 돌아가는 마지막 장면에서는, 이 악기들의 음색이 극적인 감정의 절정을 이끈다.

주제곡 '인생의 메아리'는 가수 하라 이스미가 불렀다. 이 곡은 영화의 서사시적인 스케일과 주인공의 깊은 정서를 담아내며, 관객에게 강렬한 여운을 남긴다. 음악은 단순한 배경이 아니라, 등장인물의 심리와 운명을 직접적으로 서술하는 서사적 역할을 수행한다는 점에서 높은 평가를 받았다.

작품은 일본화의 미학과 수묵화 기법을 적극적으로 차용하여 독특한 시각적 세계를 구축한다. 특히 배경에서 자주 사용되는 농담이 강한 먹색과 불투명한 채색은 고전 두루마리 그림을 연상시키며, 이야기의 고전적 배경을 강화한다. 이와 대조적으로 가구야 공주가 지상에서 경험하는 자연의 풍경은 섬세한 붓터치와 투명한 수채화 같은 색감으로 표현되어 지상 세계의 생명력과 아름다움을 부각시킨다.

작품 전반에 걸쳐 빛과 그림자의 대비는 중요한 상징적 역할을 한다. 달빛은 순수함, 신성함, 그러나 때로는 냉담한 운명을 상징한다. 반면 지상의 햇빛과 등불의 따뜻한 빛은 인간의 정서, 사랑, 일상의 소중함을 나타낸다. 가구야가 달나라로 돌아갈 때 그녀를 감싸는 차가운 달빛과, 지상에 남겨진 사람들을 비추는 따뜻한 빛의 대비는 극적 갈등을 시각적으로 압축해 보여준다.

자연물은 내러티브와 긴밀하게 연결된 상징으로 작용한다. 대나무는 가구야의 발견과 성장을 상징하는 동시로, 그녀의 운명이 시작된 매개체이다. 벚꽃은 지상 생활의 아름다움과 동시에 덧없음을, 산나무는 지상에 대한 그리움과 연결을 의미한다. 가구야가 지상에서 입는 옷의 색상 변화[6] 또한 그녀의 정체성 변화와 내적 갈등을 반영한다.

마지막으로, 애니메이션의 움직임 자체도 상징성을 지닌다. 달나라 사람들의 유연하고 기계적인 움직임은 감정이 없는 완벽함을, 지상 사람들의 투박하고 역동적인 동작은 생명의 불완전함과 열정을 대표한다. 카메라워크 또한 이를 강조하는데, 가구야의 감정이 고조될 때 사용되는 주관적 시점과 빠른 팬 샷은 관객으로 하여금 그녀의 내적 혼란에 깊이 공감하도록 이끈다.

《가구야 공주 이야기》는 2013년 개봉 당시부터 전 세계 비평가들로부터 극찬을 받았다. 특히 미야자키 하야오와 다카하타 이사오의 뒤를 이은 스튜디오 지브리의 새로운 세대 감독, 다카하타 이사오의 연출력에 대한 기대와 우려를 불식시키는 성과를 거두었다는 평가가 지배적이었다. 많은 평론가들은 이 작품이 단순한 동화 각색을 넘어, 인간의 본질과 욕망, 그리고 삶과 죽음에 대한 깊이 있는 철학적 질문을 담고 있다고 지적했다.

작품의 독특한 미학 또한 높은 평가를 받았다. 수채화와 같은 부드러운 선과 채색, 그리고 전통 일본화에서 영감을 받은 배경 미술은 "살아 숨 쉬는 그림"이라는 찬사를 얻었다. 특히 가구야 공주의 감정이 폭발하는 달밤의 장면은 애니메이션 미학의 새로운 지평을 열었다는 평을 받았다. 반면, 일부 관객과 평론가들은 전통적인 스튜디오 지브리 작품에 비해 이야기 전개가 다소 느리고 서정적이며, 결말이 애매모호하다는 지적도 제기했다.

해외 언론의 반응도 매우 호의적이었다. 주요 매체들은 이 작품을 걸작으로 칭하며, 그 예술적 성취를 강조했다.

이러한 비평적 호응은 《가구야 공주 이야기》가 단순한 오락을 넘어 예술 영화로서의 지위를 확고히 하는 데 기여했다. 작품의 기술적 실험성과 주제의 심오함이 결합되어, 애니메이션 매체가 담아낼 수 있는 표현의 범위를 확장시킨 사례로 꼽힌다.

*가구야 공주 이야기*는 국제적으로 높은 평가를 받으며 주요 영화제와 시상식에서 다수의 상을 수상했다. 특히 제37회 일본 아카데미상에서 우수 애니메이션 작품상을 수상하며 일본 내에서의 작품성을 인정받았다. 또한 제40회 로스앤젤레스 영화 비평가 협회상에서 최우수 애니메이션상을 수상하는 등 해외 비평가들로부터도 찬사를 받았다.

제87회 아카데미상 장편 애니메이션상 부문에 후보로 올랐으며, 이는 미야자키 하야오의 *바람이 분다*와 동시에 후보 지명된 것으로, 한 해에 같은 스튜디오의 두 작품이 경쟁한 특기할 만한 사례가 되었다. 일본 국내에서는 도쿄 애니메이션 어워드 페스티벌에서 애니메이션 오브 더 이어를, 애니메이션 고베에서 극장 부문 작품상을 수상하는 등 주요 애니메이션 시상식에서도 그 가치를 인정받았다.